Edition VFO: "Material Transformation"

Februar 2021



Luigi Archetti Material Michael Günzburger Transformation Marius Lüscher Karin Sander Elza Sīle Christine Streuli Selina Trepp

Die Ausstellung «Material Transformation» versammelt sieben Ausstellung nicht nur das Matterhorn als Skulptur betrachten, verschiedene künstlerische Positionen mit zahlreichen neuen sondern in einer 3D-Animation in unseren Räumen selbst über die Werken. Die Künstler*innen erforschen mit den Arbeiten eine über- Datenmatrix fliegen. Elza Sīle wiederum zeigt Unikate auf einem geordnete Thematik, die technische und medienspezifische Aluminiumpanel mit dem Siebdruck eines architektonischen Möglichkeiten auslotet, nämlich die Druckgrafik als offenes und Schablonenlineals. Ihre zahlreichen Interventionen mit händischer diskursives künstlerisches Medium zu begreifen. Dabei ist es uns Prägung und Ölfarbe sind Codes, die Malerei, Druck und Architektur mit den gezeigten Positionen wichtig, zahlreiche künstlerische als räumliche Strukturen hinterfragen. Vier Lithografien von Sparten wie Musik, Video, Skulptur oder Architektur einzubeziehen Christine Streuli präsentieren gewaltige Farbexplosionen, die sich in und deren gegenseitigen Dialog mit der Druckgrafik zu erforschen. verschiedenen Ebenen zusammenfügen. Diese von Grossformaten Die Schau präsentiert eine Reihe neuer Editionen, die den Aspekt inspirierten Arbeiten zeigen, dass gelungene und stimmige der Materialtransformation zeichnerisch, daten- und medientech- malerische Interventionen nicht auf grosse Wandflächen angewiesen nisch sowie malerisch untersuchen. Die vielen seriellen Unikate sind. Mit den aquarellierten Holzschnitten «I’m speaking» inszeniert der Ausstellung präsentieren sich dabei als notwendige Produkions- die in Chicago lebende Künstlerin Selina Trepp den Fernseh- bedingung. debatten-Auftritt von Kamala Harris, der neuen Vizepräsidentin der USA. Durch Verwendung von Stop-Motion werden die einzelnen Luigi Archetti zeigt drei Lithografien seiner zeichnerischen Parti- Blätter in ein Video transformiert und für die Ausstellung zum Leben turen, die musikalische Schwingungen in visuelle Formensprache erweckt. transformiert. Michael Günzburger übersetzt Trink- und Essbares in Monotypien. Die reliefartig anmutende Monotypie wird neben Wir freuen uns, mit dieser Ausstellung einige neue Präsentations- einem Unikat in Übergrösse gezeigt, um die Möglichkeiten der formen auszuprobieren und hoffen, dass sie sowohl für den Druckgrafik in monumentaler Manier zu präsentieren. Marius intermedialen Diskurs sowie auch für die kreative Auseinander- Lüschers Unikate wiederum sind glatte, auf hellem Offset-Papier setzung mit der Druckgrafik neue Perspektiven eröffnet. Wir entstandene Arbeiten, die eine prozessuale Auseinander- wünschen viel Spass bei der Lektüre der einzelnen Texte zu den setzung mit Druckgrafik präsentieren, nämlich das Einsetzen von Kunstwerken und dem Besuch unserer Ausstellung. Pinselzeichnungen und ausgeschnittenen Papiercollagen als Belichtungsgrundlage für Offsetplatten, die dank einem durch David Khalat Monotypie aufgetragenen Farbverlauf eine weitere Ebene erhalten. Karin Sander realisierte eine klassische «Landschaft», die das Matterhorn in einem vierfarbigen Polymergips-Druck aus Google Earth Daten darstellt. Dabei können die Besucher*innen der

The exhibition \"Material Transformation\" brings together seven painting, printing, and architecture as spatial structures. Four litho- different artistic positions with numerous new works. The artists graphs by Christine Streuli present color explosions that coalesce explore an overarching theme that surveys technical and media- in different planes. These works, inspired by large formats, specific possibilities, namely, to understand printmaking as an open show that successful and coherent painterly interventions do not and discursive artistic medium. In doing so, it is important to us with depend on large wall surfaces. With the watercolor woodcuts the positions shown to include numerous artistic genres such as \"I'm speaking,\" Chicago-based artist Selina Trepp stages the tele- music, video, sculpture or architecture and to explore their mutual vised debate appearance of Kamala Harris, the new vice president dialogue with printmaking. The show presents a series of new of the United States. Through the use of stop-motion, the individual editions that explore the aspect of material transformation in terms sheets are transformed into video and brought to life for the of drawing, data, media, and painting. The many unique pieces exhibition. in the exhibition present themselves as a necessary condition of production. We are excited to try out some new forms of presentation with this showcase, and hope that it will open up new perspectives for both Luigi Archetti shows three lithographs of his graphic scores, which intermedia discourse and creative engagement with printmaking. transform musical vibrations into visual formal language. Michael We hope you enjoy reading the individual texts on the artworks as Günzburger translates drinkable and edible objects into monotypes. well as visiting our exhibition. The relief-like monotype is shown next to an oversized unique piece to present the possibilities of printmaking in a monumental David Khalat manner. Marius Lüscher, on the other hand, presents smooth works created on light offset paper that offer a processual approach to printmaking, namely the use of brush drawings and cut-out paper collages as a basis for exposing offset plates, which are given an additional layer thanks to a color gradient applied by monotype. Karin Sander realized a classic \"landscape\" depicting the Matter- horn in a four-color polymer plaster print made from Google Earth data. Visitors to the exhibition can not only view the Matterhorn as a sculpture, but also fly over the data matrix in a 3D animation. Elza Sīle, on the other hand, shows aluminum panels with the silkscreen of an architectural stencil ruler. Her numerous inter- ventions with hand engraving and oil paint are codes that question

Luigi Archetti Luigi Archettis künstlerische Praxis kreist um die Schnittstelle und voneinander weg. Es sind nicht determinierte Räume, die zwischen Kunst und Musik, die er auf unterschiedlichste Weise vielschichtige Deutungsmöglichkeiten erlauben. erfahrbar macht. In seinen installativen Inszenierungen schafft er mittels Zeichnung, Malerei, Video und Klang Spannungsräume und Luigi Archettis Werke wurden 2020 unter anderem im Kunst- vielschichtige Verweissysteme. Das Vokabular der Musik manifes- museum Olten und im Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro tiert sich nicht nur in den Ideen und der Umsetzung der Werke, gezeigt. Vom 28. Februar bis 18. April 2021 ist in der Kunsthalle Wil sondern auch in der direkten Verwendung von Objekten und eine Einzelausstellung vom Künstler zu sehen. Begri ichkeiten aus dieser Sparte. Luigi Archetti inszeniert den Raum als Bildträger, in dem verschiedene Impulse – visuelle und Luigi Archetti (*1955, Brescia) lebt und arbeitet in Zürich klangliche – aufeinandertreffen. Luigi Archettis Werke bauen ein vielfach verschachteltes System von Referenzen und Interaktionen auf. Sein Blick auf die sonore und visuelle Welt fordert unsere gesicherten Vorstellungen von Wahrnehmung heraus, Bekanntes und Neues überlagern sich. Betörend entführt er uns, die Grenzen von Sehen und Hören zu überschreiten und in der Simultaneität von beidem die Erfahrung von Welt neu zu erleben. Der Begriff «Partituren (Interferenzen)» als Titel zur neuen litho- grafischen Serie gibt vor, die Aufzeichnung einer mehrstimmigen Musik zu sein. Visuell wird eine musikalische Komposition be- hauptet. Handelt es sich hier um eine bildliche Umsetzung von Musik? Oder steht das Blatt für einen akustisch gestimmten Raum? Schraffuren, Striche, Linien formieren sich zu Verdichtungen und Räumen, krümmen und ballen sich und streben zueinander

Luigi Archetti's artistic practice revolves around the intersection Luigi Archetti's works were shown in 2020 at the Kunstmuseum between art and music, which the artist seeks to make tangible Olten and the Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro, in a variety of ways. In his installative settings, he uses drawing, among others. A solo exhibition by the artist will be on view at painting, video and sound to create spaces of tension and Kunsthalle Wil from 28 February to 18 April 2021. multi-layered systems of reference. The vocabulary of music manifests itself not only in the ideas and execution of the works, Luigi Archetti (*1955, Brescia) lives and works in Zurich but also in the direct use of objects and concepts from this field. Luigi Archetti orchestrates the space as medium in which different impulses - visual and sonic - meet. Luigi Archetti's works build up a multiply interlaced system of references and interactions. His view of the sonorous and visual world challenges established notions of perception; the familiar and the new overlap. He beguilingly entices us to transcend the boundaries of seeing and hearing and to experience the world anew in the simultaneity of both. The term \"Partituren (Interferenzen)\" meaning \"Scores (Interfer- ences)\" as the title of the new lithographic series suggests the recording of a polyphonic music. Visually, a musical composition is asserted. Is this a pictorial transposition of music? Or does the sheet stand for an acoustically tuned space? Hatches, strokes, lines form condensations and spaces, bend and clench and strive towards and away from each other. They are undetermined spaces that allow for multi-layered interpretations.



Luigi Archetti Partituren (Interferenzen) I, 2020 Lithografie / Lithography, 42 x 29,7 cm Edition: 18, CHF 380.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich Luigi Archetti Partituren (Interferenzen) II, 2020 Lithografie / Lithography, 42 x 29,7 cm Edition: 18, CHF 380.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich Luigi Archetti Partituren (Interferenzen) III, 2020 Lithografie / Lithography, 42 x 29,7 cm Edition: 18, CHF 380.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich

Michael Günzburger Wie sehen dreidimensionale Körper aus, wenn sie materiell in auch ein Relikt, das vom jeweiligen Drink übrigbleibt oder diesen ein Flachdruckverfahren überführt werden? Mit diesem Vorgehen konstituiert. Der Drink, der auch noch hervorragend schmeckt, hat sich Michael Günzburger in einem Teil seiner künstlerischen ist hier ein konstruiertes Bild, das wie das antike Wesen aus Homers Praxis der Erforschung des Druckmediums und dem Ausloten Ilias eine künstlerische Übersetzung in ein Fantasiegebilde ist. seiner Möglichkeiten verpflichtet. Zu seinen Projekten gehörte unter anderem die mehrjährige Auseinandersetzung mit dem Michael Günzburgers Werke befinden sich in zahlreichen Drucken von Tierfellen – dabei haben es vom Bären bis zur Spitz- Sammlungen, wie dem Kunsthaus Zürich oder dem Kunstmuseum maus, allerhand Grössen und Komplexitäten von Tieren über Bern. Er ist Co-Autor des SNF Forschungsprojektes «Hands-on – den Lithographiestein auf das Papier geschafft. Dokumentation künstlerisch technischer Prozesse im Druck». Seine letzte institutionelle Einzelausstellung «Das Ende der Spur» In «Chimaira», seiner neuen Arbeit für die Edition VFO, druckt war im Hans Erni-Museum, Luzern, im Jahre 2020 zu sehen. Michael Günzburger einen Drink. Als Inspiration für seine Serie von Monotypien nimmt er hier eine Chimäre, die – wie jeder gute Michael Günzburger (*1974, Bern) lebt und arbeitet in Zürich Cocktail – immer mehr als nur eines ist. Eine Chimäre ist Misch- wesen und Vision zugleich. In diesem Fall ist es ein Cocktail, den der Künstler zusammen mit Dirk Hany von der Bar am Wasser kreiert hat. Die Arbeit sowie auch das Getränk sind eine Mischung aus mehreren erkennbaren Einzelteilen: wir haben es mit einem Smash und Shake aus Randensaft, Mezcal mit Cochenille und Timutpfeffer, Tajin, Jalapeno, Limetten, Ananas, Korianderblättern und Ameisensalz zu tun. «Chimaira» sind 20 Monotypien. Sie alle zeigen einen Farbverlauf, der händisch appliziert vom dunklen Grün in ein helles Gelb wandert. Dabei wird der Bildraum mit den Resten eines Drinks in seinen materiellen Einzelteilen überdruckt. «Chimaira» ist somit

What do three-dimensional bodies look like when they are materi- Michael Günzburger's works are held in numerous collections, ally transferred into a falt printing process? Michael Günzburger such as the Kunsthaus Zürich or the Kunstmuseum Bern. He is has committed part of his artistic practice to exploring the medium co-author of the SNF research project \"Hands-on - Documentation of printmaking and sounding out its possibilities. His projects of artistic technical processes in print\". His last institutional solo have included a long-term exploration of the printing of animal fur exhibition \"Das Ende der Spur\" was on view at the Hans Erni-Museum – from bears to shrews, all sorts of sizes and complexities of animals in Lucerne in 2020. have made it onto paper via the lithography stone. Michael Günzburger (*1974, Bern) lives and works in Zurich In \"Chimaira\", his new work for Edition VFO, Michael Günzburger prints a drink. As inspiration for his series of monotypes, he takes a chimera, which, like any good cocktail, is always more than just one thing. A chimera is both a hybrid being and a vision. In this case, it is a cocktail that the artist created together with Dirk Hany from the Bar am Wasser. The work as well as the drink is a mixture of several recognizable individual parts: we are dealing with a smash and shake of beet juice, mezcal with cochineal and timut pepper, tajin, jalapeno, limes, pineapple, coriander leaves and ant salt. \"Chimaira\" are 20 monotypes. They all show a hand applied color gradient that turns from dark green to light yellow. The pictorial space is overprinted with the remnants of an emptied drink, revealing its individual material parts. \"Chimaira\", which tastes excellent, is thus also a relic of the respective drink. The drink is an artistic translation into a a constructed image - a fantastic entity, similar to the ancient being from Homer's Iliad.

Michael Günzburger Chimaira, 2021 Monotypie mit Cocktail / Monotype with cocktail, 60 x 35 cm Serie von 20 Unikaten / Series of 20 unique pieces, CHF 680.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich / Dirk Hany, Bar am Wasser, Zürich

Michael Günzburger und es war gut, 2020 Monotypie mit Druckfarbe, Schnaps, Eiern, Früchten, Party­ dekomaterial und Katzenspuren / Monotype with printing ink, liquor, eggs, fruits, party decorations and cat traces, 204 x 152 cm Unikat / Unique piece Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich / Baumschule Lüscher, Arni

Marius Lüscher Ganz im Sinne des von der Edition VFO verfolgten Ansatzes bedient Marius Lüscher verbrachte die Jahre 2014 bis 2016 in Los Angeles. sich Marius Lüscher der Druckgrafik, um neue künstlerische 2019 ist das Buch «Under The Sun - LA By Freddy Perez» Ausdrucksmöglichkeiten zu erkunden. Das Experimentieren mit mit Fotografien aus jener Zeit erschienen. 2021 ermöglicht ihm ein verschiedenen Drucktechniken wie Offset, Hochdruck und Stipendium der Pollock-Krasner Foundation einen längeren Monotypie sowie das Übertragen von Formen von einem Medium Aufenthalt in New York. ins andere sind wichtige Bestandteile seiner kreativen Arbeit. Marius Lüscher (*1974, Zürich) lebt und arbeitet in Bern Ob in seinen Fotografien von urbanen Settings, seinen abstrakten Malereien oder druckgrafischen Serien, die Formfindung spielt in Lüschers Schaffen eine zentrale Rolle. Über die Jahre hat der Künstler ein umfangreiches Formenrepertoire aufgebaut – ein eigenes Vokabular von Linien und Flächen, welches er ständig weiterentwickelt. In dieser formalen Auseinandersetzung verwendet er drucktechnische Prozesse als Forschungsmittel. Für die aktuelle Serie hat Lüscher abstrakte Pinselzeichnungen auf Transparentfolie gemalt, in Fragmente zerlegt und mit ausgeschnittenen Papierformen neu kombiniert. Die fertigen Kompositionen werden auf die Offset-Platte belichtet, wobei die körnige Struktur der Pinselstriche und die matte Opazität der Papierausschnitte auf dieselbe Ebene gebracht werden. Die verschiedenen Sujets werden in schwarz mit Offset auf Farbverläufe gedruckt, die per Monotypie Verfahren entstanden sind und jedem Blatt einen eigenen Charakter verleihen.

In keeping with the approach fostered by Edition VFO, Marius Marius Lüscher spent the years 2014 to 2016 in Los Angeles. In 2019, Lüscher uses printmaking to explore new possibilities of artistic the book \"Under The Sun - LA By Freddy Perez\" was published expression. Experimenting with different printing techniques such with photographs from that period of time. In 2021, a grant from the as offset, relief printing and monotype is an important aspect of Pollock-Krasner Foundation will enable him to spend an extended his creative work, as well as transferring forms from one medium to period in New York. another. Marius Lüscher (*1974, Zurich) lives and works in Bern The intellectual exploration of form plays a central role in Lüscher's work, whether in his photographs of urban settings, his abstract paintings or print series. Over the years, the artist has built up an extensive repertoire of shapes, his personal vocabulary of lines and surfaces, which he is constantly developing. In this formal investigation, he uses printing processes as a means of research. For the current series, Lüscher has painted abstract brush drawings on transparent film, broken them down into fragments and recom- bined them with cut-out paper shapes. The finished compositions are projected onto the offset plate, bringing the grainy texture of the brushstrokes and the matt opacity of the paper cut-outs onto the same plane. The various motifs are printed in black with the offset procedure. The background consists of color gradients created by monotype process, giving each sheet its own character.







Marius Lüscher Ohne Titel / Untitled, 2020 Offsetdruck und Monotypie / Offset print and monotype, 70 x 50 cm Serie von 20 Unikaten / Series of 20 unique pieces, CHF 440.- Prod.: Urs Jost, Druckwerkstatt Lenzburg

Karin Sander Karin Sanders neue Arbeit für die Edition VFO basiert auf ihrer Karin Sander hat seit 2007 den Lehrstuhl für Architektur und Kunst jahrelangen künstlerischen Praxis mit dreidimensionalem Druck. an der ETH Zürich inne. Sie nahm an zahlreichen internationalen Sie war die erste Künstlerin, die 3D-Bodyscans von Menschen Biennalen teil, darunter 1997 an den Skulptur Projekten, Münster. anfertigte. Ein frühes Exemplar solch einer Skulptur im Massstab Ihre letzten institutionellen Einzelausstellungen waren im Museion, von 1:10 aus dem Jahre 1997 befindet sich in der Sammlung Bozen und im Haus am Waldsee, Berlin, zu denen jeweils ein des Museum of Modern Art, New York. Dabei erforscht Sander, Katalog im Verlag der Buchhandlung Walther König erschien. was Skulptur sein kann, einerseits in ihrem Verhältnis zur Wahr- nehmung von Raum und andererseits zur Gattung selbst. Karin Sander (*1957, Bensberg) lebt und arbeitet in Zürich und Berlin Die neue Skulptur «Matterhorn» ist eine logische Weiterführung von Sanders Oeuvre, das der traditionellen Klassifizierung in Gattungen wie Malerei, Skulptur oder Druck widerstrebt. Für die Edition VFO als Verlegerin von Druckgrafik ist es ein willkommener Dialog über Konzepte des Mediendiskurses, denn aktuelle technische Möglich- keiten erlauben uns das Ausloten neuer Perspektiven auch im Druck. Die Google-Earth-Daten des Matterhorns, abgerufen im Oktober 2020, wurden als 3D-Modell gedruckt und werden auf einem Sockel wie eine Skulptur präsentiert. Als dreidimensionale, farbig erfasste Momentaufnahme der zeitlich zurückliegenden Google- Daten repräsentiert sie dieses Datengebirge als erhabenes, durch Licht und Schatten herausmodelliertes, dreidimensional gedrucktes Landschaftsbild.

Karin Sander's new work for Edition VFO is based on her long- Karin Sander holds the Chair of Architecture and Art at ETH Zurich standing artistic practice using three-dimensional printing. since 2007. She has participated in numerous international She was the first artist to make 3D body scans of people. biennials, including the 1997 Skulptur Projekte, Münster. An early example of such a 1:10 scale sculpture from 1997 is Her most recent institutional solo exhibitions were shown at held in the collection of the Museum of Modern Art in New York. Museion, Bolzano and Haus am Waldsee, Berlin, each of which Sander explores the possibilities of what sculpture can be, was accompanied by a catalogue published by Verlag der on the one hand in its relationship to the perception of space Buchhandlung Walther König. and on the other to the medium itself. Karin Sander (*1957, Bensberg) lives and works in Zurich and Berlin The new sculpture \"Matterhorn\" is a logical continuation of Sander's oeuvre, which defies traditional classification into genres such as painting, sculpture or print. As a publisher of prints, Edition VFO welcomes this dialogue on concepts of media discourse, because current technical developments allow us to explore new perspectives also in printmaking. The Google Earth data of the Matterhorn, retrieved in October 2020, was printed as a 3D model and is presented on a pedestal like a sculpture. As a three-dimensional, colored snapshot of the Google data from the past, it represents this mountain of data as a sublime, three-dimensionally printed landscape modelled out by light and shadow.

Karin Sander Matterhorn, Google-Earth-Daten / Matterhorn, Google Earth Data, 2020 3D Tintenstrahldruck, Gips / 3D inkjet print, plaster, 14,7 x 14,7 x 6 cm Edition: 12, CHF 3000.- Prod.: ETH Zürich, Adam Kiryk, Professur Karin Sander



Elza Sīle Die Edition von Elza Sīle basiert auf der Wiederholung des Musters Auf spielerische Weise untersucht die Künstlerin akademische eines architektonischen Schablonenlineals auf einer Metallplatte. Begriffe wie die «Grammatik der Malerei» oder die «Konstruktion Während einige der Formen eindeutig häusliche Einrichtungen wie eines Gemäldes», indem sie diese metaphorischen Konzepte auf einen Esstisch mit Stühlen oder ein Badezimmer-Set evozieren, wortwörtliche Art und Weise interpretiert. In dieser Optik definiert erinnern andere eher an einfache geometrische Figuren wie Kreise sie elementare Einheiten, die ihr Vokabular bilden, und Regeln, oder Rechtecke. Die Schablone wurde im Siebdruckverfahren die ihrer Grammatik entsprechen. Anstatt mit einem Pinsel Farbe gedruckt, einer Technik, die endlose Iterationen ermöglicht und auf eine Fläche aufzutragen oder mit einem Bleistift eine Linie zu damit die unzähligen Wiederholungen unserer täglichen häuslichen ziehen, verwandelt sie Kunstutensilien in Baumaterialien, indem sie Routinen widerspiegelt. Bleistiftminen stapelt oder Farbe direkt aus der Tube drückt, um zylindrische Raumbegrenzungen zu schaffen. So entstehen in In einem zweiten Schritt kommentierte die Künstlerin jede Schab- Sīles Arbeiten oft dreidimensionale Kompositionen, die an Miniatur- lone, indem sie geprägte «x»-Motive hinzufügte und andere landschaften erinnern können. Die aktuelle Edition widerspiegelt Elemente in Farbe malte. Die Platzierung der «x» folgt einfachen Sīles Verwendung von Organisationssystemen zur Steuerung Regeln, wie zum Beispiel dem Abzählen aller oberen horizontalen ihrer künstlerischen Interventionen. Sie lädt uns ein, unsere Linien der Figuren. Je nachdem, wie wir die Formen der Schablone Wahrnehmungs- und Interpretationsgewohnheiten zu hinterfragen. zu Beginn interpretieren, verwandeln sich die hinzugefügten Elemente in etwas anderes: Wenn wir die Formen als semantische Elza Sīle wurde 2020 für den Shizuko Yoshikawa Award nominiert Symbole wie Möbel betrachten, so könnten die hinzugefügten und erhielt im selben Jahr den Werkbeitrag des Kantons Zürich. Elemente Personen darstellen, die an einem Tisch sitzen oder deren Ihre Arbeiten wurden zuletzt 2020 im kim? Contemporary Art Bewegungen im Raum dokumentieren. Betrachten wir die Formen Center in Riga gezeigt. Diese Edition wurde mit der grosszügigen hingegen als blosse geometrische Einheiten, so nehmen wir die «x» Unterstützung des Kantons Zürich realisiert. und gemalten Elemente lediglich als weitere abstrakte Figuren oder Codes wahr. Elza Sīle (*1989, Riga) lebt und arbeitet in Zürich Das Hinterfragen der Analogien zwischen Malerei, Sprache und Architektur ist ein wesentlicher Aspekt in Sīles Arbeitsprozess.

Elza Sīle’s edition is based on the repetition of an architectural she defines elementary units which constitute her vocabulary and template ruler on a metal plate. While some of the shapes clearly rules which correspond to her grammar. Rather than spreading evoke domestic settings such as a dining table with chairs or a paint on a surface with a brush or drawing a line with a pencil, she bathroom set, others are more likely to be perceived as simple will transform artistic utensils into construction materials by geometric figures such as circles or rectangles. The template was stacking pencil leads or pressing paint directly out of the tube to drawn by using silkscreen printing, a technique which enables create a cylindrical space delimitation. As a result, Sīle’s works are endless iterations and thus mirrors the countless repetitions of often three-dimensional compositions which might recall miniature our daily homely routines. landscapes. The current edition reflects Sīle’s use of organisational systems to guide her artistic interventions. It invites us to question In a second step, the artist commented on each template by adding our perception and interpretation habits. embossed \"x\" motives and painting other elements in color. The placing of the \"x\" follows simple rules, such as counting all the Elza Sīle has been nominated for the Shizuko Yoshikawa Award in upper horizontal lines of the shapes. According on how we 2020 and received the \"Werkbeitrag\" of the Canton Zurich in the initially interpret the shapes of the template, the added elements same year. Her works have been lastly exhibited in 2020 at the kim? will transform into something different: if we consider the shapes Contemporary Art Center in Riga. This edition was produced with as semantic symbols such as furniture, the added elements might the generous support of the Canton Zurich. become a person sitting by a table or the documentation of a motion in space. If, on the other hand, we consider the shapes Elza Sīle (*1989, Riga) lives and works in Zurich as mere geometrical units, the \"x\" and painted elements will simply be other abstract figures or codes. Dissecting the analogies between painting, language and architec- ture is a fundamental aspect in Sīle’s working process. In a playful manner, the artist investigates academic notions such as the \"grammar of painting\" or \"constructing a painting\" by interpreting these metaphorical concepts in a purely literal way. In this optic,







Elza Sīle Kitten in a kitchen, 2020 Siebdruck und Ölfarbe auf Aluminiumplatte / Silkscreen and oil paint on aluminium plate, 65 x 50 cm Serie von 12 Unikaten / Series of 12 unique pieces, CHF 680.- Prod.: Elza Sīle Studio / Esther Schena, Zürich

Christine Streuli Christine Streulis neue Serie ist eine Fortführung der installativen offenlassen. Sie sind ästhetische Formulierungen, die dem Sagbaren Malerei, die sie unter anderem in ihrer jüngsten Einzelausstellung entgleiten, aber dennoch ihre eigene Sprache kreieren. «Lange Arme, kurze Beine» im Kunstmuseum Thun gezeigt hat. Die Serie bricht die räumliche Grandeur ihrer malerischen Gesten Christine Streuli ist seit 2015 Professorin für Malerei an der in vier kleine lithografische Farbexplosionen auf. Der intelligente, Universität der Künste, Berlin. Sie vertrat die Schweiz auf der 52. kreative Arbeitsprozess der Künstlerin zeigt, wie die Malerei durch Biennale in Venedig im Jahr 2007. Ihre letzten institutionellen die Technik des Flachdrucks neue Ebenen, Formate und Ausdrucks- Einzelausstellungen waren im Kunstmuseum Thun, im Museum formen erfahren kann. Folkwang, Essen und der Berlinischen Galerie. Inhalt, Form und Ausführung bedingen sich in diesen Arbeiten Christine Streuli (*1975, Bern) lebt und arbeitet in Zürich und Berlin gegenseitig. Dabei ist entscheidend, wie die Materialität der malerischen Gesten in der Lithografie umgesetzt wird. Zufällige und planbare Spuren werden miteinander verknüpft in einem gelungenen Wechselspiel zwischen Hintergrund und Vordergrund. Die Künstlerin entwickelt dabei kohärente Elemente, die sich durch alle vier Arbeiten ziehen und auch in ihrem sonstigen Schaffen hier und da in veränderter Form angetroffen werden. Es sind die digitalen und analogen Schichten, die Streuli gekonnt miteinander verbindet. Sie transformiert die Flächen, Spritzer, Flecken und Linienführungen zu Miniaturen von Wandgemälden, die wie ein Fenster in eigene Welten fungieren. Die neuen Arbeiten haben keine repräsentativen Elemente und brauchen diese auch nicht. Sie sind Begegnungen mit den Welten der Farbe, Geste, Bewegung und Räumlichkeit. Der Bildraum materialisiert sich bei Streuli als eine Schar von Sinneseindrücken, die Anfang und Ende

Christine Streuli's new series is a continuation of her installative Christine Streuli has been a professor of painting at the Berlin painting practice which was featured in her recent solo exhibition University of the Arts since 2015. She represented Switzerland at \"Lange Arme, Kurze Beine\" at the Kunstmuseum Thun. The series the 52nd Venice Biennale in 2007. Her most recent institutional solo breaks up the spatial grandeur of her painterly gestures into four exhibitions were at the Kunstmuseum Thun, the Museum Folkwang small lithographic color explosions. The artist's intelligent and in Essen and the Berlinische Galerie. creative working process shows how painting can experience new levels, formats and forms of expression through flat printing Christine Streuli (*1975, Bern) lives and works in Zurich and Berlin techniques. Content, form and execution are mutually dependent in these works. The decisive factor is how the materiality of the painterly gestures is translated into lithography. Random and predictable traces are linked together in a skillful interplay between background and foreground. The artist develops coherent elements that run through all four works. Streuli masterfully combines digital and analog layers. She trans- forms the surfaces, splashes, stains and lines into miniatures of mural paintings that function like a window into worlds of their own. The new works have no representative elements and do not need them. They are encounters with the worlds of color, gesture, move‑ ment and spatiality. The pictorial space materializes in Streuli's work as a host of sensory impressions leaving beginning and end open. They are aesthetic formulations that escape the sayable, yet create their own language.



Christine Streuli Splash! I, 2020 Lithografie / Lithography, 22 x 15,6 cm Edition: 35, CHF 360.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich Christine Streuli Splash! II, 2020 Lithografie / Lithography, 30,7 x 26,8 cm Edition: 35, CHF 500.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich Christine Streuli Splash! III, 2020 Lithografie / Lithography, 25,2 x 31,1 cm Edition: 35, CHF 500.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich Christine Streuli Splash! IV, 2020 Lithografie / Lithography, 55 x 41,2 cm Edition: 35, CHF 640.- Prod.: Thomi Wolfensberger, Zürich

Selina Trepp Selina Trepps Werk «I’m Speaking» vereint eine Edition von 17 leicht Zur Edition gehört als fester Bestandteil auch eine Animation. unterschiedlichen Drucken und einen Film zu einer vielschichtigen, Selina Trepp hat die einzelnen Abzüge so konzipiert, dass der Mund bunten und komplexen Arbeit. Ihrer üblichen Praxis entsprechend der Figur jeweils die unterschiedlichen Silben des Satzes hat die Künstlerin verschiedene Medien kombiniert. Die geo­me­ «I’m speaking» visuell wiedergibt. Die fotografierten Blätter sind trischen Motive im Hintergrund, die unter anderem an Bündner Standbilder, die aneinander gereiht die Animation hervorbringen. Sgraffito-Fassadenverzierungen angelehnt sind, wurden im klassi- Die Verwendung von Stop-Motion, um ihren Werken Leben schen Holzschnitt-Verfahren mit Ölfarbe gedruckt. Die farbigen, einzuhauchen, ist charakteristisch für Selina Trepps Oeuvre. Neben wässerig anmutenden Formen der Figur hingegen resultieren aus der Transformation der Blätter zum bewegten Bild, beobachten wir dem traditionellen japanischen Mokuhanga-Holzschnitt, bei dem auch die Verwand­lung der dargestellten Figur vom passiven Objekt Wasserfarben von Hand auf die Holzplatte aufgetragen werden, und unserer Betrachtung zur aktiven Protagonistin, die uns direkt brechen mit der Strenge des klassischen Holzdrucks durch ihren anspricht. malerischen Fluss. Selina Trepp arbeitet multimedial mit Malerei, Skulptur, Installa- Das Motiv von «I’m Speaking» ist verwandt mit den «Dirty Drawings» tionen und Performance. Ihre Animationen, Fotografien und von Selina Trepp, bei denen die Künstlerin alte Zeichnungen Zeichnungen wurden vorwiegend in schweizerischen und amerika- wiederverwendet, indem sie diese zunächst auf dem Atelierboden nischen Institutionen gezeigt. Aktuell stellt Trepp im Museum ihren Fusstritten und dem Staub aussetzt und anschliessend von of Contemporary Art in Chicago aus und arbeitet an einer mono- Hand überarbeitet. Oft stellen diese Zeichnungen Frauen dar, grafischen Publikation, die dieses Jahr im Nieves Verlag erscheinen deren gesellschaftliche oder ethnische Zugehörigkeit nicht eindeutig wird. Im Sommer 2021 wird auf die Fassade des Merchandise Mart ist und die von klischeehaften Attributen und Posen emanzipiert in Chicago ihre ortsspezifische Animation «Woven» projiziert. sind. Auch hier sind wir mit einer starken Frau konfrontiert – die Figur ist nämlich von der neuen US-Vizepräsidentin Kamala Selina Trepp (*1973, Zürich) lebt und arbeitet in Chicago Harris inspiriert. Der Titel des Werkes weist auf einen Auftritt von Harris im Rahmen des letzten US-Wahlkampfes hin, als sie dem damaligen Vizepräsidenten Mike Pence mit Selbstbewusstsein und Autorität entgegnete.

Selina Trepp's work \"I'm Speaking\" combines an edition of 17 slightly As an integral part of the edition, there is also a video animation. different prints and a film into a multi-layered, colorful and complex Selina Trepp designed the individual prints so that the mouth of the piece. In keeping with her usual practice, the artist has used a figure visually reproduces the different syllables of the sentence combination of different media. The geometric motifs in the \"I'm Speaking\". The photographed sheets create the still images background, which are inspired among other things by Graubünden that, strung together, produce the animation. The use of stop- sgraffito façade decorations, were printed using the classic motion to breathe life into her works is characteristic of Selina woodcut method with oil paint. The colorful, watery shapes of the Trepp's oeuvre. In addition to the transformation of the prints into figure, on the other hand, result from the traditional Japanese a moving image, we also observe the transformation of the depicted mokuhanga woodblock print, in which watercolors are applied by figure from the passive object of our contemplation to the active hand to the wood panel. These forms loosen the austerity of the protagonist who addresses us directly. classical woodblock print through their painterly flow. Selina Trepp uses mixed-media, working with painting, sculpture, The motif of \"I'm Speaking\" is related to Selina Trepp's installations and performance. Her animations, photographs and \"Dirty Drawings\", in which the artist reuses old drawings, first drawings have been shown mainly in Swiss and American institu- exposing them to her footsteps and dust on the studio floor and tions. Trepp is currently exhibiting at the Museum of Contemporary then reworking them by hand. Often these drawings depict Art in Chicago and is working on a monographic publication that will women whose social or ethnic affiliation is not clear and who are be published this year by Nieves Verlag. In summer 2021, her emancipated from clichéd attributes and poses. Here, too, we are site-specific animation \"Woven\" will be projected on the façade of confronted with a strong woman - the figure is in fact inspired by the Merchandise Mart in Chicago. the new US Vice President Kamala Harris. The title of the work refers to an appearance by Harris during the last US election campaign, Selina Trepp (*1973, Zurich) lives and works in Chicago when she countered then Vice President Mike Pence with confi- dence and authority.

Selina Trepp I’m Speaking, 2020 Holzschnitt, Siebdruck und von Hand applizierte Wasserfarbe / Woodcut, screenprinting and watercolor hand painting, 50,8 x 41 cm Serie von 17 Unikaten / Series of 17 unique pieces, CHF 680.- Prod.: Spudnik Press Cooperative, Chicago



Edition VFO Edition VFO Zeitgenössische Contemporary Kunst seit 1948 Art since 1948 Dieser Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung / This catalog is published on the occasion of the exhibition: «Material Transformation» 18.02.2021 - 29.05.2021 Autoren / Authors: David Khalat, Valérie Hashimoto Grafik / Design: Epaminondas Coutsicos Satz / Layout: Kristin Brüggemann Fotos / Photography: Ivo Eugster Druck / Print: J.E. Wolfensberger AG, Zürich Printed in Zürich, Switzerland ISBN: 978-3-9525318-1-5 Mit freundlicher Unterstützung von / With generous support of Edition VFO + 41 44 241 53 00 Do & Fr 14 – 18 Uhr © 2021 Edition VFO und die Verena-Conzett-Strasse 7 [email protected] Sa 12 – 16 Uhr Künstlerinnen und Künstler 8004 Zürich www.edition-vfo.ch und nach Absprache Preise inkl. 7.7% MwSt