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ART CONTEMPORAIN VENTE DU SOIR PARIS | 3 JUIN 2021 PARIS ART CONTEMPORAIN VENTE DU SOIR 3 JUIN 2021 PF2105

Couverture LOT 107 détail Dos de couverture LOT 104 détail Cette page LOT 110 détail

ART CONTEMPORAIN VENTE DU SOIR VENTE À PARIS EXPOSITION En raison des différentes mesures 3 JUIN 2021 prises par le gouvernement afin de faire 18H Vendredi 28 mai face à l’épidémie de Covid 19, l’accès 10H - 18H à l’exposition des lots du 28 mai au 3 76, Rue du Faubourg Saint-Honoré juin et à la salle de vente ne pourra se 75008 Paris Samedi 29 mai faire que dans le respect des règles de +33 1 53 05 53 05 11H - 19H distanciations sociales en vigueur. Merci sothebys.com de consulter notre site internet pour Dimanche 30 mai toute précision sur les mesures prises FOLLOW US @SOTHEBYS 14H - 18H par Sotheby’s. Vous pouvez également #SOTHEBYSCONTEMPORARY contacter Anne-Marie Georges-Picot par WWW.SOTHEBYS.COM/PF2105 Lundi 31 mai téléphone 01 5305 5345, ou par email 10H - 18H [email protected]. Vente dirigée par Aurélie Vandevoorde Agrément du Conseil des Ventes Mardi 1 juin Due to the various measures taken by Volontaires de Meubles aux Enchères 10H - 18H the French Government to deal with the Publiques n° 2001‑002 du 25 octobre 2001 Covid-19 epidemic, the exhibition May Mercredi 2 juin 28th - June 3rd and the saleroom will Pour connaître les modalités d’enchères 10H - 18H only be accessible provided appropriate pour cette vente, veuillez consulter notre social distancing is observed. Please visit site internet / For details on how to bid Jeudi 3 juin our website for updates to the measures in the sale, please go to : sothebys.com/ 10H - 12H Sotheby’s has put in place. You may howtobid also contact Anne-Marie Georges-Picot directly by email anne-marie.georges- [email protected]. or by phone +33 1 5305 5345. Cette page TO LEARN MORE ABOUT LOT 116 détail THE PROPERTY IN THIS SALE, PLEASE VISIT SOTHEBYS.COM/PF2105 POUR EN SAVOIR PLUS SUR LA VENTE, NOUS VOUS INVITONS À CONSULTER SOTHEBYS.COM/PF2105

SOTHEBY’S FRANCE SPÉCIALISTES RENSEIGNEMENTS Mario Tavella ART CONTEMPORAIN RÉFÉRENCE DE LA VENTE Président-directeur général, PF2105 “OMG!” Sotheby’s France Guillaume Mallécot Chairman, Sotheby’s Europe Directeur du Département ENCHÈRES TÉLÉPHONIQUES & Marie-Anne Ginoux [email protected] ORD RES D’AC HAT Directrice générale +33 (0)1 53 05 52 71 +33 (0)1 53 05 53 48 Cyrille Cohen fax +33 (0)1 53 05 52 93/94 Vice-président Anne-Marie Georges-Picot [email protected] Anne Heilbronn Senior Administrateur de la vente Vice-présidente [email protected] Les demandes d’enchères Stefano Moreni +33 (0)1 5305 53 45 téléphoniques doivent nous parvenir Vice-président 24 heures avant la vente. Pierre Mothes Olivier Fau Vice-président Senior Directeur, Spécialiste ENCHÈRES DANS LA SALLE Florent Jeanniard Responsable des Ventes Privées +33 (0)1 53 05 53 05 Vice-président [email protected] +33 (0)1 53 05 53 60 ADMINISTRATEUR DE LA VENTE Cette page Anne-Marie Georges-Picot LOT 132 détail Eddie Hautchamp [email protected] Deputy Directeur, Spécialiste +33 (0) 1 53 05 53 45 [email protected] +33 (0)1 53 05 52 76 PAIEMENTS, LIVRAISONS ET ENLEVEMENT Joëlle Koops Tel + 33 1 (0) 53 05 53 81 Junior Spécialiste Fax + 33 1 (0) 53 05 52 11 [email protected] [email protected] +33 (0)1 53 05 53 61 SERVICE DE PRESSE Camille Lacaze Sophie Dufresne Catalogueur [email protected] [email protected] +33 (0)1 53 05 53 66 +33 (0)1 53 05 52 57 Stefano Moreni Senior International Spécialiste Vice-President, Sotheby’s France [email protected] +33 (0)1 53 05 53 38 REMERCIEMENTS Armance Gay TO LEARN MORE ABOUT THE PROPERTY IN THIS SALE, PLEASE VISIT SOTHEBYS.COM/PF2105 POUR EN SAVOIR PLUS SUR LA VENTE, NOUS VOUS INVITONS À CONSULTER SOTHEBYS.COM/PF2105

SOMMAIRE 3 INFORMATIONS SUR LA VENTE 5 SPÉCIALISTES 10 ART CONTEMPORAIN VENTE DU SOIR LOTS 101–135 140 COMMENT ENCHÉRIR 141 INFORMATIONS IMPORTANTES DESTINÉES AUX ACHETEURS 144 EXPLICATION DES SYMBOLES INFORMATION TO BUYERS 148 EXPLANATION OF SYMBOLS CONDITIONS GÉNÉRALES DE VENTE 153 CONDITIONS COMPLÉMENTAIRES APPLICABLES AUX ENCHÈRES EN LIGNE ADDITIONAL TERMS AND CONDITIONS FOR ONLINE BIDDING 154 ESTIMATIONS ET CONVERSIONS ENTREPOSAGE ET ENLÈVEMENT DES LOTS 155 COLLECTION OF PURCHASES GLOSSAIRE DES TERMES GLOSSARY OF TERMS INDEX Cette page TO LEARN MORE ABOUT POUR EN SAVOIR PLUS LOT 120 détail THE PROPERTY IN THIS SUR LA VENTE, NOUS VOUS SALE, PLEASE VISIT INVITONS À CONSULTER SOTHEBYS.COM/PF2105 SOTHEBYS.COM/PF2105

ART CONTEMPORAIN VENTE DU SOIR Cette page PARIS Cette page LOT 108 détail 3 JUIN 2021 LOT 123 détail 18H LOTS 101–135

101 11 YOSHIMOTO NARA n. 1959 OMG! signé des initiales, titré et daté 12 au dos crayon de couleurs sur carton 32 x 32 cm; 12⅝ x 12⅝in. Exécuté en 2012. signed with the artist’s initials, titled and dated 12 on the reverse color pencil on cardboard Executed in 2012. ‡ 60 000-90 000 € PROVENANCE Tomio Koyama Gallery, Tokyo Blum & Poe, Los Angeles Acquis auprès de celle-ci par le propriétaire actuel EXPOSITION Yokohama, Yokohama Museum of Art; Aomori, Aomori Museum of Art; Kumamoto, Contemporary Art Museum, Nara Yoshimoto: a bit like you and me..., 14 juillet 2012 - 14 avril 2013; catalogue, p.86, illustré en couleurs Nara réussit à saisir la tension entre l’innocence et l’expérience, l’isolation physique et la liberté mentale, la répression et l’indépendance. Nara embrasse l’ensemble de la condition humaine et décèle que le mal est en fait une part essentielle de l’innocence. Kristin Chambers dans Yoshitomo Nara: Nothing ever happens, 2008 Nara captures the tension between the innocence and experience, physical isolation and mental freedom, containment and independence. Nara embraces the whole of the human condition and recognizes that, in fact, evil is an essential part of innocence. Kristin Chambers in Yoshitomo Nara: Nothing ever happens, 2008 10 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

PROVENANT D’UN MEMBRE DE LA FAMILLE COPLEY 102 “Le monde selon CPLY est un endroit WILLIAM N. COPLEY antique, grivois, couleur bonbon. [...] “Laissez à Warhol ses chaussures 1919 - 1996 et sa chaise électrique, à Picabia et Kafka leurs divines machines - St. Valentine’s Day et je garde mon grand piano et ma guillotine” était la maxime de signé et daté 65 Copley à la fin de sa vie. Copley traita huile sur toile toujours le plaisir et la souffrance 89,5 x 117 cm; 35¼ x 46⅛in. avec objectivité.” Exécuté en 1965. signed and dated 65 Toby Kamps dans The world according to Cply, 2016. oil on canvas Executed in 1965. “The world according to CPLY is an ‡ 100 000-150 000 € antic, ribald and candy-colored place. [...] “Let Warhol have his PROVENANCE shoes and electric chair, Picabia and Offert par l’artiste au propriétaire actuel Kafka dvinie machines - let me have EXPOSITION my grand piano and guillotine” was New York, Brooks Jackson Gallery Copley ‘s maxim later in life. Copley Iolas, A RetrospeCPLYtive, 12 mai – always treated pleasure and pain 13 juin 1981 dispassionately.” Baden-Baden, Museum Frieder Burda; Bruhl, Max Ernst Museum Brühl des Toby Kamps in The world according to Cply, 2016. LVR; Hannovre, Stiftung Ahlers Pro Arte, Copley, 18 février 2012 – 1 avril 2013; catalogue, pp. 82–83, illustré New York, VENUS Manhattan, Mr. Unatural – and Other Works from the Allan Frumkin Gallery (1952–1987), 22 février – 7 avril 2018 George Skibine et William N Copley en 1964 posant devant Smile (You are on camera), © The Estate of William N. Copley, New York 12 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 13

PROVENANT D’UNE IMPORTANTE COLLECTION PARTICULIÈRE 103 JEAN DUBUFFET 1901 - 1985 Le Domino signé des initiales et daté 66; titré et daté 24 juillet 66 sous la base transfer on polyester 101,5 x 42 x 51 cm; 40 x 16½ x 20 in. Exécuté en 1966. signed with initials and dated 66; ; titled and dated 24 juillet 66 under the base transfer on polyester Executed in 1966. ⊕ 200 000-300 000 € PROVENANCE EXPOSITION Galerie Beyeler, Bâle (acquis en 1968) New York, The Solomon R. Collection William Louis-Dreyfus, New Guggenheim, Jean Dubuffet: A York (acquis en 1969) Retrospective Glance at 80, 1981, no. 257; catalogue, p. 252, no. 257, illustré Collection Gerard Louis-Dreyfus (acquis en 1973) Paris, Galeries nationales du Grand Palais, Jean Dubuffet, 28 septembre Christie’s, New York, Contemporary 1973 - 20 décembre 1973; catalogue, Art, 5 mai 1987, lot 83 p. 136, no. 348, illustré Collection particulière BIBLIOGRAPHIE Sotheby’s, Londres, Post War and Max Loreau, Catalogue des Travaux Contemporary Art, 29 juin 1989, lot 561 de Jean Dubuffet : Sculptures Peintes, fasc. XXIII, Lausanne, 1972, pp. 16-17, Collection particulière no.1, illustré Christie’s, Londres, Twentieth Century Renato Barilli, Dubuffet - le cycle de Art, 2 juillet 1998, lot 284 l’Hourloupe, Paris, 1976, p. 57, no. 73 Collection particulière, France Renato Barilli, Dubuffet : oggetto e progetto, il ciclo dell’Hourloupe, Milan, 1976, p. 57, no. 73, illustré Michel Thévoz, Dubuffet, Genève, 1986, p. 193, illustré 14 C O M P L E T E CATA LO G U I N G AVA I L A B L E AT S OT H E BYS.C O M / P F 2 1 0 5 15

Jean Dubuffet dans son studio en 1967. © Photo: Luc Joubert / Fondation Dubuffet, Paris / ADAGP, Paris 2021 “J’aime particulièrement celles 16 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 de mes sculptures où j’ai obtenu qu’il n’y ait pas de côté privilégié. [...] Je crois bien que ce que je recherche n’est pas tellement de perdre la notion d’un devant et d’un derrière que de la mettre en péril en la multipliant, en y portant l’équivoque, en proposant simultanément plusieurs différentes versions de ce qui est devant et de ce qui est derrière.” Jean Dubuffet dans une lettre à Jacques Berne, 15 juin 1969. “I particularly like those of my sculptures that have no privileged side. [...] I really believe that what I’m trying to do isn’t so much to give up the notion of a front and a back as to undermine it by multiplying it, making it equivocal, simultaneously offering several different versions of what’s at the front and the back.” Jean Dubuffet in a letter to Jacques Berne, 15 June 1969. 17

PROVENANT D’UNE IMPORTANTE COLLECTION PARTICULIÈRE EUROPÉENNE 19 104 GÜNTHER UECKER n.1930 Weisses Feld signé sur le retour de la toile et signé et daté 72 au dos clous et toile peints montés sur panneau 160 x 160 x 20,3 cm; 63 x 63 x 8 in. Exécuté en 1972. Cette oeuvre est enregistrée dans les archives de Uecker Archiv sous le numéro GU.72.003 et sera incluse dans le Uecker Catalogue Raisonné actuellement en préparation. signed on the overlap and signed and dated 72 on the reverse painted nails and cotton fabric mounted on panel Executed in 1972. This work is registered in the Uecker Archiv under the number GU.72.003 and will be noted for inclusion in the forthcoming Uecker Catalogue Raisonné. ⊕ 800 000-1 200 000 € PROVENANCE Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire en 1972 BIBLIOGRAPHIE Dieter Honisch, Uecker, New York, 1986, p. 227, no. 750 18 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

GÜNTHER UECKER, WEISSES FELD «En art comme en amour, des flèches sont parfois décochées par des anges ou depuis le ciel à travers des nuages, et elles nous font vivre certaines expériences […] qui nous permettent d’accéder à la certitude spirituelle de l’existence. » Günther Uecker, in The Art Newspaper, Janvier 2021 Weisses Feld (Champ blanc) est le plus grand tableau (160 La rencontre avec Otto Piene en 1957 puis avec x 160 cm) des décennies 1960-1970, les plus recherchées Heinz Mack qui le feront intégrer le groupe Zéro en de l’artiste, à jamais avoir été présenté aux enchères. 1961 vont marquer profondément son œuvre. « J’avais Exécuté en 1972, dix ans après l’exposition inaugurale du besoin de mentors. Dans le monde de l’après-guerre, groupe Zero au Stedelijk Museum d’Amsterdam, deux j’ai rapidement compris que l’expression artistique années après la participation de Günther Uecker à la reprenait forme sur un tissu déchiré par les temps Biennale de Venise et quatre ans après l’évènement à la séparatistes qu’impliquait la réalité géopolitique Documenta de Kassel, cette œuvre magistrale est aussi internationale depuis les années 1920. Les rencontres celle d’un artiste en pleine maturité. avec des artistes comme Max Bill, Heinz Mack ou Otto Piene ont agi sur moi à la manière d’un véritable Weisses Feld, acquise directement auprès de l’artiste ferment spirituel. Il y avait une émulation picturale en 1972, est toujours restée dans la même importante réciproque ; cela allait de la réflexion intérieure à collection particulière européenne. L’œuvre est percée l’expression et à la formulation ou à l’expérimentation d’un nombre apparemment infini de clous et les extérieure, en passant par la visite de nos ateliers ombres et les lumières se créent dessus en des motifs respectifs, véritables laboratoires et lieux de éphémères, renforçant son dynamisme. Les ondulations constantes discussions animées qui nous tenaient tous et un semblant de désordre finalement parfaitement en éveil intellectuel. Les dialogues étaient amicaux orchestré par Uecker font de Weisses Feld une œuvre et nous faisaient bénéficier d’influences étrangères à poétique à géométrie variable soulignée par la lumière l’Allemagne.»1 qui lui donne vie. Au premier abord nous sommes séduits par un mouvement de vagues régulières, mais dès le Fasciné par les rites purificateurs des philosophies moindre changement d’éclairage nous nous retrouvons orientales, Uecker s’efforce d’atteindre la simplicité confrontés à un paysage superbe mais aussi dramatique formelle et la pureté spirituelle des choses. Il s’invente de projectiles dressés vers nous. Weisses Feld appartient des rituels personnels consistant en une répétition à un ensemble d’œuvres rares, à la fois peinture et à d’actions pour essayer de donner corps à l’invisible. A trois dimensions. C’est l’une des œuvres les plus réussies travers sa pureté et l’absence possible d’association, de Günther Uecker et un des meilleurs exemples de la couleur blanche était inévitable pour la mission son exceptionnelle technique. Dieter Honisch a décrit que s’étaient fixés les artistes du groupe Zéro : comment travaille l’artiste « à une vitesse exceptionnelle, recommencer au tout début. Weisses Feld nous offre la dans une ligne d’action ininterrompue, avec un résultat quintessence de la pensée et de la technique de Uecker. qu’il ne découvre qu’à la fin de l’action ou lorsqu’il s’arrête épuisé. » (Dieter Honisch, catalogue d’exposition, Berlin, 1 – Entretien pour The Art Newspaper, janvier 2021 Neuer Berliner Kunstverein, Günther Uecker: twenty chapters, 2006, p. 60). Uecker posant dans son oeuvre “Ecke” en 1968. 21 Portrait par Lothar Wolleh © Lothar Wolleh Estate, Berlin © Photo: Lothar Wolleh 20 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

“In matters of art, just like in matters of the heart, angels shoot arrows from the sky through the clouds enabling us to experience certain emotions [...] that allow us to reach existential spiritual certainty.” Günther Uecker, in The Art Newspaper, Janvier 2021 Weisses Feld (Champ blanc) is the largest artwork (160 x action, the results of which he did not see as a whole 160 cm) from the most sought-after decade of the artist’s until the action was completed or brought to an end career 1960 – 1970, to ever be presented at auction. This by sheer exhaustion”. (Dieter Honisch in Exhibition masterful piece was executed in 1972, exactly ten years Catalogue, Berlin, Neuer Berliner Kunstverein, Günther after the inaugural exhibition at the Stedelijk Museum in Uecker: Twenty chapters, 2006, p. 60) Amsterdam of the Zero group, two years after Günther Uecker’s participation in the Venice Biennale, and four Günther Uecker’s encounter with Otto Piene in years after the event of Documenta 4 in Kassel. This 1957, and later with Heinz Mack, emboldened him fundamentally vibrant work is a testament to Uecker’s to join the Zero group in 1961. Both artists had a maturity at the time as an artist. profoundly lasting impact on Uecker’s work; “I needed mentors. After the war, I quickly understood artistic Weisses Feld, which was acquired by the present expression was rising from decades of separatist ideals owner in 1972, has since remained in the same which resulted from the geo-political international important private European collection. Pierced by an context since 1920. Encounters with Max Bill, Heinz infinite number of nails, the interplay between shadow Mack or Otto Piene had the effect of spiritual ferment. and light creates ephemeral motifs, contributing to Through our art, we elevated each other: from internal Weisses Feld ‘s dynamism. The undulations coupled reflection to the expression, formulation or external with a seemingly chaotic ensemble become one experimentation of an idea, including visiting each expertly orchestrated piece of art as soon as it is other’s studio space, a genuine laboratory for constant touched by light, as if the composition were suddenly animated discussions that kept our intellect alert. brought to life. Dialogues were friendly and allowed us to benefit from foreign influences from outside of Germany.” 1 Initially seduced by a serene white monochrome of swirling movement, with the slightest change in Uecker was fascinated by Eastern philosophies and light perspective we are confronted with a superbly pushed himself to reach a spiritual purity and simplicity dramatic landscape of projecting nails launching of form. He invented personal rituals that fundamentally towards us. Existing in its own indefinable space shaped and gave substance to the invisible. Through between painting and sculpture, Weisses Feld is among its purity and absence of association, the colour white the most appealing works by Günther Uecker, and a was imperative to the Zero mission to start art again highly formative exemplar of his legendary use of nails. from the beginning. As such, Weisses Feld powerfully embodies the quintessential thoughts inherent to Dieter Honisch has described how the artist Uecker’s artistic practice. worked “at lightning speed in a single, uninterrupted 1 – Interview in The Art Newspaper, January 2021 22 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 23

105 25 YVES KLEIN 1928 - 1962 Monochrome rose sans titre, (M 101) porte le cachet de l’artiste avec son monogramme et daté aout 1957 au dos pigment et résine sur toile marouflé sur masonite 18 x 14,5 cm ; 7⅛ x 5¾in. Exécuté en août 1957. stamped with the artist’s monogram and dated aout 1957 on the reverse pigment and resin on canvas laid down on masonite Executed in August 1957. ⊕ 200 000-300 000 € PROVENANCE Richard Lomazzi, Cagnes sur Mer (don de l’artiste) Sotheby’s, Londres, Contemporary Art, 26 octobre 2000, lot 106 Acquis lors de cette vente par le propriétaire actuel 24 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

L’exposition “ZERO : let us explore the stars” au Stedelijk Museum à Amsterdam en 2015 (M 34, M 6, M 74, M 78, M 103, M 105, M 111, M 115) Photo : © Stedelijk Museum, 2015 / ADAGP, Paris 2021 YVES KLEIN, MONOCHROME ROSE SANS TITRE, (M 101) J’en étais venu à peindre monochrome à côté de mes I had begun to paint monochromatically alongside my activités picturales normales qui me venaient de usual painting, which was influenced by my parents, l’influence de mes parents, tous deux artistes peintres, both of them artists, because it seemed that the colour parce qu’il me semblait que la couleur me clignait winked an eye at me. Besides, it filled me with wonder de l’œil sans cesse en travaillant. Elle m’émerveillait because in front of any painting, figurative or non- d’autre part, parce que de plus en plus devant figurative I felt more and more that the lines and all n’importe quel tableau, figuratif ou non figuratif, the results from its – the contours, the forms, j’éprouvais la sensation que les lignes et toutes the perspectives, the compositions – become leurs conséquences, contours, formes, perspective, exactly like prison bars. composition, composaient très précisément comme les barreaux d’une fenêtre de prison. Au loin, dans la Yves Klein in the conference at the Sorbonne couleur, la vie, la liberté et moi devant le tableau, je me University in Paris, 1958. sentais en prison. Yves Klein avec un monochrome, circa 1956. © Archives Yves Klein, Paris / ADAGP, Paris 2021 Yves Klein dans la conférence L’Evolution de l’art vers © Photo : Jean Michalon l’immatériel à l’université de la Sorbonne, en 1958. 26 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 27

28 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 29

VENTE AU PROFIT DE LA ALBRIGHT-KNOX ART GALLERY 106 PIERRE SOULAGES b.1919 Peinture 65 x 92 cm, 10 novembre 1952 signé huile sur toile 65 x 92 cm; 25 x 36¼ in. Exécuté le 10 novembre 1952. signed oil on canvas Executed on 10 November 1952. ‡ ⊕ 600 000-900 000 € PROVENANCE EXPOSITION BIBLIOGRAPHIE Galerie Louis Carré, Paris, 1953 Paris, Galerie Craven, Premier bilan de Pierre Encrevé, Soulages L’Oeuvre Collection Pierre Branche, Paris l’art actuel 1937-1953, 26 - 29 mai 1953 Complet, Peintures 1946-1959, Volume (acquis en 1953) I, Paris, 1994, p. 139, n. 112, illustré Hanover, Kestner-Gesellschaft; Essen, Galerie Benador, Genève (acquis en 1960) Folkwang Museum; La Haye, Gemeente Museum; Zurich, Kunsthaus; Pierre Galerie Wilhelm Grosshenning, Soulages, 12 décembre 1960 - 22 Düsseldorf (acquis en 1960) janvier 1961 Isabel Houck Kideney (acquis en 1992) London, Marlborough Fine Art Ltd., Aspects of 20th Century Art, juillet - Albright-Knox Art Gallery, Buffalo aout 1963; catalogue d’exposition, no. 51, illustré “J’aime l’autorité du noir. C’est une couleur qui 31 ne transige pas. Une couleur violente mais qui incite pourtant à l’intériorisation. A la fois couleur et non-couleur. Quand la lumière s’y reflète, il la transforme, la transmute. Il ouvre un champ mental qui lui est propre.” Pierre Soulages 30 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

PIERRE SOULAGES, PEINTURE 65 X 92 CM, 10 NOVEMBRE 1952 Peinture 65 x 92 cm, 10 novembre 1952 est précis et ses puissantes diagonales de traits noirs se caractéristique des magistrales orchestrations de chevauchent et s’entrecroisent avec une présence couleurs de Soulages. Largement connu pour ses dominante et une tension dynamique. Ils constituent abstractions monochromes saisissantes composées une forme pure et une composition qui parle d’elle- d’épais traits noirs se détachant sur des arrière-plans même, animée et irradiée par l’absence de signifiants. « lumineux, Soulages exploite sans relâche le pouvoir du J’ai fait des combinaisons de lignes qui ont frappé l’œil noir en tant que vecteur de lumière et de profondeur du spectateur comme une grande forme », dit-il. « Un chromatique, en l’utilisant comme élément formel jour j’ai réalisé que les dessins que je faisais rappelaient principal de ses compositions. Dégageant brillance et des caractères chinois. » solennité, transparence et opacité, texture et forme, l’intensité dramatique de la danse entre la lumière et Bien que le dynamisme saisissant de son travail l’obscurité dans Peinture 65 x 92 cm, 10 novembre 1952 rende tentante la comparaison avec l’œuvre de Franz évoque un effet de clair-obscur profond et rappelle Kline ou d’autres géants de l’Expressionisme abstrait, l’attirance de Soulages depuis son plus jeune âge Soulages rejette ouvertement une telle association et pour les œuvres de Claude Gellée et Rembrandt, classification. Contrairement à beaucoup d’artistes de dont le rendu magistral de la lumière impacte l’Expressionisme abstrait de son temps, Soulages s’est significativement son travail. efforcé de maintenir une harmonie architectonique plutôt que la fugacité gestuelle. Souvent il dissimule les Les compositions magistralement abstraites et traces de son pinceau afin de mettre au premier plan la presque architecturales de Soulages, qui rappellent forme, la composition, la couleur et la lumière. D’après les rayons de lumière filtrant à travers les fenêtres les mots de James Johnson Sweeney, Soulages cherche de sombres églises, présentent des scènes aux à « supprimer la trace de mouvement de la ligne » et déploiements chromatiques complexes, qui génèrent c’est pourquoi une peinture de Soulages n’est pas une des expériences visuelles absorbantes et bénéficient mélodie mais « un accord joué au piano et tenu ». d’une aura distinctement céleste. Une des premières influences de Soulages fut la vue de la silhouette d’un A la fin des années cinquante, Soulages a acquis arbre aux branches nues contre le ciel glacé. L’artiste une reconnaissance internationale. Les œuvres de cette raconta dans une interview : « Fut-ce mon amour du décennie fondatrice, qui s’ouvre avec sa participation noir qui inspira ma fascination d’enfant pour les arbres à la 26ème Biennale de Venise en 1952 et est le théâtre nus ? Ou étais-ce le contraire ? Ais-je commencé à de sa réception au Guggenheim à New York en 1953 aimer le noir à cause des arbres sans feuilles en hiver puis 1959, sont les plus désirables de la carrière de ; à cause de la manière dont les troncs et les branches l’artiste. Les années cinquante marquent aussi un se détachent sur le ciel ou la neige, les rendant plus développement important de la technique de Soulages : brillants par contraste… » afin de s’adapter au format de plus en plus vaste de ses toiles, Soulages utilise de grands pinceaux d’ouvrier qui L’artiste n’a cependant en aucun cas l’intention de lui permettent d’effectuer des badigeons autoritaires rendre ses œuvres représentatives ou référentielles. et d’appliquer de grandes étendues de couleur dont Ses formes purement géométriques et architecturales la matérialité imposante invoque une contemplation ne renvoient ni à un signe ni à un symbole mais sont intense et invite à une réflexion méditative. Dans un une simple tentative de présenter le phénomène de essai dédié au peintre, Henri Meschonic écrit que le vision. Soulage lui-même affirme « je ne dépeins pas, travail de Soulages ne contient « ni signe ni chose, mais je peins, je ne représente pas, je présente. » Son geste plutôt répond avec le monde. » Pierre Soulages dans son atelier en 1954. © Photo: Denise Colomb / ADAGP, Paris 2021 33 32 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

“I like the authority of black. It’s an uncompromising color. A violent color, but one that encourages internalization. Both a color and a non-color. When light is reflected on black, it transforms and transmutes it. It opens up a mental field all of its own.” Pierre Soulages Peinture 65 x 92 cm, 10 novembre 1952 is archetypal of and forceful diagonals of black strokes overlap and Pierre Soulages’s sublime orchestrations of light. Widely interpose with commanding presence and dynamic known for his arresting monochrome abstractions tension, constituting pure form and composition composed of thick black strokes set against radiantly which speaks for itself, enlivened and irradiated by the illuminated backgrounds, Soulages repeatedly harnesses absence of signifiers. “I made line combinations which the power of black as an exalted bearer of light and struck the eye of the beholder as a large form”, he said. chromatic depth, using it as a primary formal element “One fine day I realized that the drawings I was doing in his compositions. Exuding brilliance and solemnity, were reminiscent of Chinese characters.” transparency and opacity, and texture and form, the dramatic intensity of the dance between light and While the arresting dynamism of his work darkness in Peinture 65 x 92 cm; 10 novembre 1952 evokes attracted comparisons with that of Franz Kline and the effect of deep chiaroscuro; indeed, from his youth other goliaths of Abstract Expressionism, Soulages Soulages was deeply drawn to the works of Claude Gellée openly defied any such classification and association. and Rembrandt, whose masterful rendering of light In contrast to many Western Abstract Expressionists significantly impacted his work. of his time, Soulages’s work strived for enduring architectonic harmony rather than gestural transience, Characteristically resembling rays of light filtering often concealing the traces of his brushwork in order through the window frames of dim church interiors, to foreground form, composition, color and light. In Soulages’s majestically abstract, almost architectural James Johnson Sweeney’s words, Soulages seeks to configurations present complex chromatically “remove the trace of movement from the line”; as such, unfolding scenes that generate absorbing visual a Soulages painting is not a melody but “a chord played experiences and a distinctively celestial aura. One of on the piano and held”. Soulages’s earliest influences was the sight of bare tree branches silhouetted against an icy sky; the artist By the end of the 1950s Soulages had achieved commented in an interview: “Was my childhood international recognition. Works from this seminal fondness for bare trees due to my love of black as a decade, beginning from his participation in the 26th color? Or was it the other way round? Did I begin Venice Biennale in 1952 to his receptions at the to love black because of the trees in winter without Guggenheim New York in 1953 and 1959, are the their leaves; because of the way the black trunks and most desirable works from the artist’s career. The branches stood out against the background of sky or 1950s also saw important developments in Soulages’s snow, making them look brighter by contrast…” technique: in order to accommodate the increasingly large size of his canvases, Soulages employed large The artist does not, however, intend his paintings builder’s brushes that enabled him to perform to be representational or referential in any way. authoritative washes and sweeps of color, whose His forms are purely geometrical and architectural, imposing materiality invoked intense contemplation representing neither sign nor symbol but an attempt and meditative cogitation. In an essay dedicated to simply to present the phenomenon of vision. Soulages the painter, Henri Meschonic wrote that Soulages’s himself said: “I don’t depict. I don’t narrate. I don’t work contained “neither sign nor thing, but [instead] represent. I paint, I present.” His precise swashes answer[ed] with the world” 34 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 35

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PROVENANT DE LA COLLECTION DE MR JOHN GUNTHER, NEW YORK 107 趙無極 ZAO WOU-KI 1920 - 2013 1920 - 2013 《阿拉伯城市》 Ville arabe 款識：藝術家英文及中文簽名；書題目 並紀年Juillet 1953 （背面)；簽名 signé et signé en chinois; titré et daté （內框） juillet 1953 au dos et signé sur le 油彩畫布 châssis 81 x 65公分；32 x 25 ⅔英寸 huile sur toile 1953年7月作 81 x 65 cm; 32 x 25 ⅔ in. Exécuté en juillet 1953. 趙無極基金會已為作品提供認證。此作 將被收錄於梵思娃・馬凱及揚・亨德根 L’authenticité de cette oeuvre a été 籌備之《畢卡比亞專題目錄》中。如買 confirmée par la fondation Zao Wou-Ki. 家有意索取，基金會可提供認證書。 l’oeuvre sera incluse dans le catalogue raisonné actuellement en préparation par Madame Françoise Marquet et Monsieur Yann Hendgen. Un certificat d’authenticité pourra être demandé par l’acheteur auprès de la Fondation. signed and signed in Chinese; titled and dated Juillet 1953 on the reverse and signed on the stretcher oil on canvas Executed in July 1953. The authenticity of this work has been confirmed by the Fondation Zao Wou-Ki. The work will be included in the forthcoming Catalogue Raisonné currently being prepared by Madame Françoise Marquet and Monsieur Yann Hendgen. A certificate of authenticity maybe delivered by the foundation upon request to the buyer. ‡ ⊕ 2 000 000-3 000 000 € PROVENANCE Galerie Pierre, Paris Mr and Mrs John Gunther, New York (acquis auprès de cette dernière circa 1955) Par descendance aux propriétaires actuels 38 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 39

ZAO WOU-KI, VILLE ARABE, 1953 Par Yann Hendgen, Directeur Artistique de la Fondation Zao Wou-Ki Portrait de groupe autour d’un repas avec Maria Elena Vieira da Silva, Jacques Germain, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Zao Wou-Ki et Pierre Ville arabe est un tableau intriguant. On est tenté, en croit assister, sans arriver à trancher, à l’apparition ou à Loeb à la Galerie Pierre, 2 rue des Beaux-Arts, Paris. le contemplant, d’imaginer Zao Wou-Ki dans les pas la lente dissolution de cette ville arabe. © Ministère de la Culture - Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN-Grand Palais / Denise Colomb d’Eugène Delacroix lors de sa découverte du Maroc avec le comte de Mornay en 1832. Son titre tout d’abord, puis Cette peinture est également un témoin historique 40 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 les bleus éclatants de son ciel, les teintes beiges et ocres des liens entre Zao Wou-Ki et le galeriste Pierre Loeb. des terres en contrebas, tout évoque une médina ou un Grâce à son ami Henri Michaux, Zao Wou-Ki signe village, accroché à une terre bordée de sables désertiques, en janvier 1951 son premier contrat avec une galerie et baigné d’une lumière méditerranéenne. majeure, la Galerie Pierre. Ce contrat ouvre grand les portes de son atelier à Pierre Loeb qui achète la Cependant, aucun élément dans la biographie majeure partie de la production de l’artiste. Il acquiert de Zao Wou-Ki ne vient confirmer cette idée. S’il ainsi quarante-six peintures sur les cinquante-huit multiplie bien les voyages à partir de 1950, il n’en peintes par l’artiste en 1953. Pierre Loeb est un visiteur fait aucun en 1953 dans un pays arabe, ni les années régulier en cette année 1953 : en janvier, en mars, deux précédentes. Il commence modestement son Grand fois en avril, quatre fois en mai, deux fois en juin, trois Tour par la Savoie durant l’été 1950, explore l’Italie fois en juillet, en octobre, en novembre et en décembre. au printemps 1951 puis la Suisse, visite la Belgique, Ville arabe est achetée à fin du mois de juillet 1953, l’Espagne et Londres en 1952, la Suisse et la Bretagne immédiatement après son achèvement. en 1954. Son élan le mènera encore plus loin : à l’automne 1957 il se rend aux États-Unis chez son frère Pierre Loeb assure la renommée internationale dans le New Jersey. De là il se rend à San Francisco de Zao Wou-Ki en diffusant son œuvre aux États- pour le nouvel an, puis à Hawaï, au Japon et enfin à Unis, directement auprès de ses collectionneurs, Hong Kong où il passe la moitié de l’année 1958. ou en passant par la galeriste Patti Cadby Birch. Il vend également à des collectionneurs ou amateurs L’artiste a pourtant clairement titré son tableau américains à Paris, alors encore pour quelques temps « Ville arabe / juillet 1953 » au revers de la toile, sans la principale capitale artistique du monde occidental. avoir jamais mis les pieds dans un pays arabe. Faut- C’est ainsi à la Galerie Pierre que Zao Wou-Ki il voir ici quelques réminiscences de ses voyages en rencontre l’architecte I.M. Pei, qui devient un très terres ibériques ou italiennes ? Son séjour espagnol de proche ami. 1952 n’a étrangement donné naissance qu’à très peu de peintures : une vue de la cathédrale de Burgos en John Gunther (1901-1970), journaliste et écrivain octobre 1952 et une corrida en avril 1953. L’observation américain, fait partie de cette élite cosmopolite. de l’œuvre nous amène vers d’autres horizons. La Correspondant du Chicago Daily News à Londres à construction de ce tableau, la montée vers la couleur, le partir de 1925, il sillonne l’Europe pendant une dizaine mélange des signes inventés et d’architectures encore d’années, publie son expérience de reporter dans la discernables offrent bien des points communs avec la série d’ouvrages Inside qui connaît un très large succès série d’aquarelles peintes au printemps 1953 sur l’île et devient correspondant de guerre durant la seconde d’Ischia au large de Naples. guerre mondiale. Comme beaucoup de ses confrères, il fréquente les galeries parisiennes et acquiert deux Ce tableau serait-il alors tout simplement sorti peintures de Zao Wou-Ki auprès de Pierre Loeb. de l’imaginaire de Zao Wou-Ki ? Tel un mirage arabe, ce village semble perdre peu à peu sa consistance. La première, Couple au paysage gris, date de 1951. Il se délite, les signes se fondent doucement dans Elle est acquise à l’atelier de l’artiste par Pierre Loeb la couleur, le réel s’efface au profit de l’invention de en juin 1951. Comme pour Ville arabe, nous ignorons l’artiste. Peut-être doit-on convoquer le souvenir des la date d’achat de John Gunther. Il conserve ces deux vues de Tunisie et d’Egypte de Paul Klee, dont les œuvres à l’abri de sa collection jusqu’à son décès en œuvres enfin contemplées en face à face en 1951 ont 1970. Son épouse les conserve à son tour fidèlement été l’élément déclencheur pour l’artiste, le signal pour pendant près de cinquante années. quitter le rivage du réel ? Ce choc esthétique est suivi par plusieurs années de travail sur l’intégration, dans Ville arabe, mirage ou non, est bien le souvenir ses peintures, de signes dérivés des caractères chinois tangible tant d’un collectionneur fidèle que du archaïques. Cette recherche ici à l’œuvre, renforce travail d’un peintre chinois déjà reconnu sur la scène singulièrement l’impression poétique de ce tableau : on parisienne, en passe de réussir à être le jalon entre Asie et Occident, à la recherche de son propre chemin, ni tout à fait chinois, ni tout à français, mais bien original. 41

ZAO WOU-KI, VILLE ARABE, 1953 By Yann Hendgen, Artistic Director of the Zao Wou-Ki Foundation Ville arabe [Arab City] is an intriguing picture. One This painting is also a historical witness of the is tempted, when contemplating it, to imagine Zao relationship between Zao Wou-Ki and the gallery Wou-Ki in the footsteps of Eugène Delacroix upon his owner Pierre Loeb. Thanks to his friend Henri discovery of Morocco with the Count de Mornay in Michaux, Zao Wou-Ki signed his first contract in 1832. First its title, then the brilliant blues of the sky, January 1951 with the major gallery, Galerie Pierre. the beige and ocher hues of the land below, all evoke This contract opened wide the doors of his studio a medina or a village, clinging to a land bordered by to Pierre Loeb, who purchased most of the artist’s desert sands, and bathed in Mediterranean light. production. He thus acquired forty-six paintings out of the fifty-eight painted by the artist in 1953. Pierre Loeb However, nothing in Zao Wou-Ki’s biography can was a regular visitor in 1953: in January, in March, confirm this. While he did increase the number of trips twice in April, four times in May, twice in June, three from 1950, he made none in 1953 to an Arab country, times in July, October, November and December. nor in previous years. He began his Grand Tour Ville arabe was purchased at the end of July 1953, modestly with Savoy in the summer of 1950, explored immediately after its completion. Italy in the spring of 1951 then Switzerland, visited Belgium, Spain and London in 1952, Switzerland Pierre Loeb ensured Zao Wou-Ki’s international and Brittany in 1954. His momentum took him even fame by distributing his work in the United States, further: in the fall of 1957 he went to the United States directly to collectors, or through the gallery owner to visit his brother in New Jersey. From there he Patti Cadby Birch. He also sold to American collectors traveled to San Francisco for the New Year, then to or amateurs in Paris, which was then, and still for some Hawaii, Japan and finally Hong Kong where he spent time, the main artistic capital of the Western world. It half of 1958. was thus at the Galerie Pierre that Zao Wou-Ki met the architect I.M. Pei, who became a very close friend. However, the artist clearly titled his painting “Ville arabe / July 1953” on the back of the canvas, without John Gunther (1901-1970), American journalist ever having set foot in an Arab country. Should we see and writer, was part of this cosmopolitan elite. here memories of his travels to Iberian or Italian lands? Correspondent of the Chicago Daily News in Strangely enough, his stay in Spain in 1952 gave rise to London from 1925, he travelled across Europe for only a very few paintings: a view of Burgos Cathedral in ten years, published his experience as a reporter in a October 1952 and a bullfight in April 1953. A closer look successful series of books entitled Inside and became at the work brings us to other horizons. The painting’s a war correspondent during the Second World War. structure, its rise to color, the mix of invented signs and Like many of his colleagues, he frequented Parisian still discernible buildings recall aspects of the series of galleries and acquired two paintings by Zao Wou-Ki watercolors painted in the spring of 1953 on the island of from Pierre Loeb. Ischia off the coast of Naples. The first painting, Couple au paysage gris, [Couple Could this painting then have simply arisen from against a Grey Background] dates from 1951. It was Zao Wou-Ki’s imagination? Like an Arab mirage, acquired at the artist’s studio by Pierre Loeb in June this village seems to gradually lose its consistency. It 1951. As with Ville arabe, the date of John Gunther’s disintegrates, the signs gently blend into the color, purchase is unknown. He kept these two works in his the real fades away in favor of the artist’s invention. collection until his death in 1970. His wife in turn kept It evokes perhaps the views of Tunisia and Egypt by them faithfully for nearly fifty years. Paul Klee, whose works, when Zao Wou Ki finally saw them in 1951, were a trigger, a signal for the artist Ville arabe, mirage or not, is the tangible memory to leave behind the shores of the real? This aesthetic both of a faithful collector and of the work of a Chinese shock was followed by several years of paintings painter already recognized on the Parisian scene, that integrate signs derived from archaic Chinese on the verge of becoming a milestone between Asia characters. The research at work here singularly and the West, in search of his own way, not entirely reinforces the painting’s poetic impression: we seem Chinese, not entirely French, but very original. to be witnessing either the emergence or the slow dissolution of this Arab city. 42 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 43

PROVENANT DE L’ANCIENNE COLLECTION DE JIRO YOSHIHARA 45 108 SHIRAGA KAZUO 1924 - 2008 Sans Titre signé et daté 1959.10; signé au dos huile sur toile 116 x 91 cm; 45⅔ x 35¾in. Exécuté en octobre 1959. Cette oeuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité de la Japan Art Dealers Association. signed and dated 1959.10; signed on the reverse oil on canvas Executed in October 1959. The work is accompanied by a certificate of authenticity from the Japan Art Dealers Association. ‡ 650 000-950 000 € PROVENANCE Jiro Yoshihara (acquis directement auprès de l’artiste circa 1960) Collection particulière, Japon Jiro Yoshihara et Kazuo Shiraga à la pinacothèque Gutai en 1962. © D.R. 44 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

SHIRAGA KAZUO “Beaucoup de gens sont venus à la première exposition Gutaï et ont émis de nombreuses critiques [sur nos oeuvres]. Au bout du compte on se moquait de savoir ce que tout un chacun pouvait penser. Si Yoshihara avait aimé votre œuvre, tout était ok. Et je pense que c’est tout ce dont nous avions besoin.” Kazuo Shiraga, interviewé par Yamamura Tokutaro le 10 juillet 1985 Il y a des rencontres en art comme dans la vie qui quelques artistes dont Murakami et Tanaka Atsuko. viennent tout bouleverser. Celle de Kazuo Shiraga Shiraga a quitté depuis quelques années le monde et Jiro Yoshihara en 1954 donna lieu à l’une des plus figuratif et la peinture de chevalet pour s’intéresser fructueuses collaborations et confrontations d’idées à différentes techniques en utilisant notamment ses dans l’histoire de l’art du XXè siècle. mains puis pour la première fois ses pieds, pour une exposition dans les vitrines des grands magasins « Réunis autour de Jiro Yoshihara (49 ans, Sogo. Les premiers pas de Shiraga aux côtés de résident de la ville d’Ashiya, affilié au groupe Nika Yoshihara Jiro et des artistes Gutaï se fera lors de kai), 17 peintres informels ont formé l’Association l’exposition en plein air de 1955 où Shiraga armé de l’art concret (Gutai Bijutsu kyokai) ». Par cette d’une hache réalisa Red Logs, une structure de bois phrase laconique du journal Shinko Shinum daté du rouge tailladée avec l’instrument. 21 janvier 1955 naissait officiellement le mouvement Gutai ou Art Concret. Issu d’une famille fortunée du Sans Titre, le présent lot a été éxécuté en octobre Kansai, passionné d’art, Yoshihara Jiro (1905-1972), 1959, un mois après la mythique 8ème exposition l’instigateur de ce regroupement d’artistes n’aura eu Gutaï au Kyoto Municipal Museum of Art et à Tokyo de cesse de soutenir et de motiver les générations des au Ohara Hall, où Shiraga dévoila 9 tableaux du jeunes artistes ayant entre 10 et 20 ans à la sortie de la même format qui comptent aujourd’hui parmi les guerre, les engageant à donner corps à un art nouveau. chefs-d’œuvre de l’artiste. Acquis par Yoshihara à cette époque, Sans Titre annonce le style du début Rédigeant ensuite le manifeste du groupe dans des années 60 : des œuvres puissantes, aux formats la revue éponyme en janvier 1955, Yoshihara a su moins imposants et aux fonds laissés en réserve canaliser l’extraordinaire énergie et puissance créatrice comme Chibosei Somonshin (fig.3), aujourd’hui de tous ces nouveaux noms de la scène artistique pour conservé au Hyogo Pefectural Museum of Art. On la transformer en moteur de la création artistique et y retrouve aussi le rouge, Crimson Lake, couleur plus encore… Grâce à ses soutiens dans les médias, favorite de l’artiste dès ses débuts. par le financement des revues, d’expositions et de voyages à l’étranger, et surtout avec le création grâce à On sait que Shiraga aimait donné ou échangé ses propres deniers de la Pinacothèque Gutaï en 1962, ses œuvres avec celles d’autres artistes, on connait lieu unique de création et d’exposition, Yoshihara a su notamment Chikisei Sesuishi, le tableau échangé avec donner les moyens à tous ces artistes de s’exprimer. Lucio Fontana, ou encore un tableau rouge de 1964, échangé avec Paul Jenkins. Lorsqu’en 1954, Yoshihara Jiro souhaite motiver Shiraga à intégrer le groupe Gutaï, ce dernier a Le présent lot, choisi par Yoshihara Jiro, est le créé depuis deux ans le mouvement Zero-Kaï avec témoignage de la rencontre de deux artistes hors-norme. Kazuo Shiraga dans son studio en 1958 © Amagasaki Cultural Foundation 46 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 47

“A lot of different people came to the first Gutai exhibition and said a lot of different things [about our works]. No matter how disappointing you were by something someone else had said, if Yoshihara had praised you, everything was okay. And I think that was all we really needed.” Kazuo Shiraga, interviewed by Yamamura Tokutaro, July 10, 1985 There are some instances in art just like in life that will Shiraga took his first steps along Yoshihara Jiro and turn the world upside down. When Kazuo Shiraga met the Gutai artists during the outdoor exhibition of 1955, Jiro Yoshihara in 1954, their encounter led to one of where Shiraga, armed with an ax, executed Red Logs, a the most successful collaborations and confrontation of red wooden structure sculpted with the weapon. ideas in the history of art during the XXth century. The present lot Untitled was executed in 1959, “Gathered around Jiro Yoshihara (49 years old, one month after the famous 8th Gutai exhibition at the Ashiya town resident, affiliated to the Nika kai group), Kyoto Municcipal Museum of Art and at the Ohara 17 informal artists formed the Association for Concrete Hall in Tokyo, where Shiraga unveiled 9 works of Art (Gutai Bijutsu kyokai)”. This terse sentence, the same dimensions which are considered amongst published in the Shinko Shinum journal dated 21 the artist’s masterpieces. Acquired by Yoshihara at January 1955, marked the official beginning of the the time, Untitled paves the way for the artist’s style Gutai movement, also known as Concrete Art. Born in in the beginning of the 60’s: powerful works smaller a wealthy family from the Kansai region, passionate in scale with unpainted areas, similarly to Chibosei about art, Yoshihara Jiro (1905 – 1972), was the Somonshin (fig.3), which is today in the collection of instigator of the movement. Throughout his lifetime, the Hyogo Prefectural Museum of Art. The red colour, he relentlessly supported and motivated generations of Crimson Lake, also becomes recurrent as it is one of young artists aged 10 to 20 years old at the end of the the artist’s favourite colours to work with ever since war, pushing them to engage in a new form of art. his beginnings. When he signed the group’s manifesto in the It is known fact that Shiraga like to give away or eponymous review in January 1955, Yoshihara managed exchange his works with other artists. Amongst the to concentrate the extraordinary energy and creative most notable examples are Chikisei Sesuishi, exchanged force of these new protagonists of the artistic scene in with Lucio Fontana, or another red painting from 1964 order to transform it into a driver for artistic creation, exchanged with Paul Jenkins. amongst many other things... By supporting his artists in the media by funding reviews, exhibitions and travels The present work, chosen by Yoshihara Jiro, is a abroad, and above all by creating the Gutai Pinacoteca testimony to the encounter of two outstanding artists. with his own savings in 1962, a unique venue for creation and exhibitions, Yoshihara knew how to provide his Kazuo Shiraga, Chikisei Sesuisho (Shan Tinggui - The 108 Liangshan artists with the means to express themselves. heroes in the Water Margin), 130 x 193 cm, 1960. When in 1954 Yoshihara Jiro is still trying to persuade Shiraga to join the Gutai movement, the latter has already created the Zero-Kai movement 2 years prior, along with Murakami and Tanaka Atsuko. Shiraga has already then abandoned figurative painting along with his easel in order to explore different techniques using his hands and for the first time his feet on the occasion of an exhibition in the windows of the Sogo malls. 48 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 49

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109 53 PIERRE SOULAGES b.1919 Peinture 73 x 60 cm, 28 août 1975 signé; signé, titré et daté 28.8.75 au dos huile sur toile 73 x 60 cm; 28 ¾ x 23 ⅝ in. Exécuté en 1975. signed; signed,titled and dated 28.8.75 on the reverse oil on canvas Executed in 1975. ⊕ 500 000-700 000 € PROVENANCE Galerie de France, Paris Collection particulière, Espagne (acquis auprès de cette dernière en 1975) Par descendance aux propriétaires actuels BIBLIOGRAPHIE Pierre Encrevé, Soulages, l’oeuvre complet Peintures II. 1959-1978, Paris, 1995, p. 283, no. 741, illustré en couleurs 52 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

○ 110 JEAN DUBUFFET 1901 - 1985 Topographie aux feuilles mortes signé et daté 57; signé, titré et daté octobre 57 au dos huile et collage de papier sur toile 117 x 148 cm; 461/12 x 58¼in. Exécuté le 3 octobre 1957. signed and dated 57; signed, titled and dated octobre 57 on the reverse oil and paper collage on canvas Executed on 3 octobre 1957. ‡ ⊕ 500 000-600 000 € PROVENANCE Vienne, Museum moderner Kunst, Galerie Daniel Cordier, Paris (acquis Museum des 20. Jahrhunderts, auprès de l’artiste le 3 novembre 1957) Dubuffet : Retrospektive, 20 novembre 1980 - 18 janvier 1981, Collection Madame de Clebsathel, Paris catalogue, p. 178, no. 161, illustré Collection Madame Cuttoli, Paris Cologne, Joseph-Haubrich- Kunsthalle, Dubuffet : Retrospektive, Paul Haim & Co, Paris 7 février 1981 - 29 mars 1981, catalogue, p. 178, no. 161, illustré Acquavella Galleries, New York Genève, Galerie Bonnier, Jean Dubuffet Galerie Daniel Varenne, Genève : oeuvres de 1943 à 1978, 16 février 1982 - 15 avril 1982, catalogue, no. 7 Private collection, USA (acquis en 1986) Saint-Paul de Vence, Fondation EXPOSITION Maeght, Jean Dubuffet : rétrospective: Francfort-sur-le-Main, Galerie Daniel peintures, sculptures, dessins, 6 juillet Cordier, Jean Dubuffet : Lob der Erde, 1985 - 6 octobre 1985, catalogue, p. 87, 11 décembre 1958 - janvier 1959, no. 40, illustré en couleurs catalogue, p. 11, no. 4, illustré BIBLIOGRAPHIE Paris, Galerie Daniel Cordier, Célébration du Sol, 28 avril - 7 juin Lorenza Trucchi, Jean Dubuffet, Rome, 1959, catalogue, no. 3 1965, p. 231, no. 199, illustré Paris, Galerie Max Kaganovitch, Max Loreau, Catalogue des Travaux Oeuvres choisies de 1900 à nos jours, de Jean Dubuffet - Fascicule XIII : 5 May - 6 June 1964; catalogue, no.17 Célébration du sol I, Lieux Cursifs, Texturologies, Topographies, Lausanne, Paris, Galeries nationales du Grand 1970, p. 61, no. 79, illustré en couleurs Palais, Jean Dubuffet, 28 septembre - 20 décembre 1973, catalogue, p. 91, no. 266, illustré Berlin, Akademie der Künste, Dubuffet: Retrospektive, 7 septembre 1980 - 26 octobre 1980, catalogue, p. 178, no. 161, illustré 54 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 55

JEAN DUBUFFET, TOPOGRAPHIE AUX FEUILLES MORTES “Les formes affectionnées par “The forms appreciated by living la matière vivante sont partout matter are the same everywhere, les mêmes, qu’il s’agisse de whether they be small objects or tout petits objets, ou de grands great geographical developments. développements géographiques. In this spirit I like to interfere with Dans cet esprit, j’ai aimé à scale in such a way that it is not brouiller l’échelle, de manière clear if the picture represents a qu’il soit incertain si le tableau vast stretch of mountains, or a représente une vaste étendue tiny piece of land.” de montagnes ou une minuscule parcelle de terrain.” Jean Dubuffet Jean Dubuffet Au début de l’année 1955, Jean Dubuffet s’installe dans At the beginning of 1955, Jean Dubuffet moved to the le petit village perché de Vence, au cœur du massif small, perched village of Vence in the heart of the provençal. S’amorce alors dans l’œuvre de l’artiste Massif Provencal. A new phase thus begins in the une nouvelle phase d’expérimentations sur la matière artist’s work, a phase of experimentation with matter et le relief autour du genre du paysage qui est le and relief effects in landscapes which were the best plus à même d’exprimer ces recherches et recouvre way of representing his research and will become one progressivement la quasi-totalité de sa production. of the primary subjects of his production. Ces années sont celles de la célébration de la In Dubuffet’s work, the period of the 1950s matière pour Dubuffet. Expérimentant les techniques represented the celebration of the material. les plus inattendues, l’artiste se lance dans un projet Experimenting with the most unusual techniques, d’excavation tectonique que lui seul, « l’homme the artist threw himself into a project of tectonic du commun », pouvait mettre en œuvre. A coup excavation that only he, ‘the man of ordinary things”, de crayons, de pinceaux, mais aussi de ciseaux, de could develop. Using pencils, paintbrushes even tampons et même parfois de couteaux, Dubuffet sonde scissors, stamps and occasionally knives, the artist les strates géologiques pour nous livrer la beauté probed geological strata to reveal the world’s hidden cachée du monde, celle qui fait que le familier nous beauty, so that the familiar becomes strange and the semble l’espace d’un instant étranger et que le commun everyday magical in the space of an instant. From the se révèle merveilleux. Dans Topographie aux feuilles surprising perspective of the ground seen vertically mortes, No. 79, réalisé en 1957, Dubuffet opère une from above, Dubuffet opens the door onto a fabulous translation étonnante, figurant un sol vu de surplomb, à dimension of the world, hitherto inaccessible. A world la verticale. L’artiste ouvre de ce fait une porte sur une on the edge of the world. dimension fabuleuse qui nous était jusqu’ici interdite. Un monde en marge du monde. Jean Dubuffet se promenant dans la garrigue provençale. © Fondation Dubuffet, Paris 56 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 57

PROVENANT D’UNE COLLECTION PARTICULÈRE DISTINGUÉE 59 111 ANSELM KIEFER n. 1945 Hercules am Scheideweg (Herakles at the crossroads) technique mixte dans boîte de l’artiste 190 x 140 x 10 cm; 74⅘ x 55 x 4 in. Exécuté en 2007. oil paint, emulsion, wood, shellac and soil on board Executed in 2007. ⊕ 300 000-500 000 € PROVENANCE Galerie Thaddeus Ropac, Paris Acquis auprès de celle-ci par le propriétaire actule “Rien n’est plus aisé que de se précipiter dans le vice : le chemin en est court et nous l’avons près de nous ; mais les dieux immortels ont baigné de sueurs la route de la vertu : cette route est longue, escarpée et d’abord hérissée d’obstacles ; mais quand on touche à son sommet, elle devient facile, quoique toujours pénible.” Hésiode, Le Travaux et les Jours, 1.287−294 Hercules at the crossroads by Albrecht Dürer, engraving, 1498 58 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

HERCULES AM SCHEIDEWEG 61 (HERAKLES AT THE CROSSROADS) “Wickedness can be had in abundance easily: smooth is the road and very nigh she dwells. But in front of virtue the gods immortal have put sweat: long and steep is the path to her and rough at first; but when you reach the top, then at length the road is easy, hard though it was.” Hesiod, Works and Days 1.287−294 (tr. Evelyn-White) 60 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

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112 GERHARD RICHTER n. 1932 Felsenlandschaft signé et daté 15.2.84 aquarelle et mine de plomb sur papier 40 x 30,2 cm; 15¾ x 11⅞in. Exécuté en 1984. signed and dated 15.2.84 watercolor and graphite on paper Executed in 1984. ⊕ 250 000-350 000 € PROVENANCE EXPOSITION BIBLIOGRAPHIE Galerie Fred Jahn, Munich Stuttgart, Staatsgalerie Stuttgart, R.-G. Dienst, Gerhard Richter: Noland/Eckman Gallery, New York Gerhard Richter: Aquarelle, janvier- Aquarelle, Das Kunstwerk, no. 2, avril février 1985, p. 69, illustré en couleurs 1985 p. 86, illustré en couleurs Collection particulière New York, Museum of Modern Dieter Schwarz, Gerhard Richter. Christie’s, New York, First Open, 8 mars Art, Allegories of Modernism: Aquarelle = Watercolors, 1999, 2013, Lot 64 Contemporary Drawing, février-mai Düsseldorf, p.69, illustré en couleurs 1992, p. 40, illustré en couleurs Collection particulière, Europe Bernice Rose, Allegories of Modernism: Kunstmuseum Winterthur; Dresden, Contemporary Drawing, 1992, New Staatliche Kunstsammlungen; Tilburg, York, p.40, illustré en couleurs De Pont Museum voor hedendaagse kunst, Gerhard Richter. Zeichnungen, Ulrike Gauss, Gerhard Richter. Aquarelle, und Aquarelle 1964-1999, septembre 1985, p.69, illustré en couleurs 1999 - octobre 2000, pp. 69 et 140, illustré en couleurs L’oeuvre dans l’exposition Allegories of Modernism au MoMA en février - mai 1992. 65 © Photo : Mali Olatunji. / The Museum of Modern Art Archives, New York. IN1615.62. 64 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

66 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 67

PROVENANT D’UNE TRÈS IMPORTANTE COLLECTION PARTICULIÈRE 69 113 SEAN SCULLY b.1946 Double Window (1998) signé, titré et daté 98 au dos huile sur toile 137 x 122 cm; 54 x 48⅛ in. Exécuté en 1998. signed, titled and dated 98 on the reverse oil on canvas Executed in 1998. ⊕ 350 000-550 000 € PROVENANCE Kerlin Gallery, Dublin Timothy Taylor Gallery, Londres Acquis auprès de cette dernière par le propriétaire actuel EXPOSITION Dublin, Kerlin Gallery, Sean Scully, 15 octobre - 15 novembre 1999 “Je crois que je fais des accords lorsque je peins, donc je pense que tu écouterais du violoncelle, profond et sonore.” Sean Scully “I think that I make chords when I paint, so I think you would be listening to the cello. It’s deep, and it’s resonant.” Sean Scully 68 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

PROVENANT D’UNE IMPORTANTE COLLECTION PRIVÉE EUROPÉENNE 71 114 JEAN-MICHEL BASQUIAT 1960 - 1988 Dealer’s dog signé, titré et daté 1983 au dos crayon gras sur papier 91 x 62 cm; 35⅞ x 24⅜in. Exécuté en 1983. signed, titled and dated 1983 on the reverse oilstick on paper Executed in 1983. 200 000-300 000 € PROVENANCE Bruno Bischofberger, Saint-Moritz (acquis directement auprès de l’artiste en 1983) Galerie Bruno Bischofberger, Zurich Collection particulière, Europe (acquis auprès de cette dernière) 70 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

JEAN-MICHEL BASQUIAT, DEALER’S DOG En 1982, l’année précédant l’exécution de l’œuvre qui avait été laissée à terre. Basquiat récupéra la In 1982, the year before Dealer’s Dog was executed, pad of paper that had been left on the floor. Basquiat Dealer’s dog, Jean-Michel Basquiat décide de quitter feuille salie et dessina le petit chien à côté de la tâche, Jean-Michel Basquiat decided to leave his first took the ruined paper and drew the little dog next son premier marchand, Annina Nosei, à la suite d’un baptisant cette œuvre Dealer’s Dog. Il offrit ensuite dealer, Annina Nosei, following disagreements about to its puddle, calling the piece Dealer’s Dog. He désaccord commercial. Le légendaire galeriste Bruno l’œuvre à Bischofberger, qui l’exposa dans sa salle the sales of his paintings. Though he had not yet gifted the work to Bischofberger, who installed it Bischofberger devient alors le marchand exclusif du à manger. L’artiste repris ensuite plusieurs fois ce met Bruno Bischofberger, the legendary gallerist in his dining room. The following year, Basquiat jeune artiste sans l’avoir jamais rencontré en personne, thème, notamment l’année suivante dans les œuvres immediately became the young artist’s exclusive art and Warhol collaborated on two paintings of dogs— collaboration qui perdurera jusqu’au décès de l’artiste Untitled (Two Dogs) et Dog réalisées en collaboration dealer worldwide and remained so until Basquiat’s Untitled (Two Dogs) and Dog—both which feature a 6 ans plus tard. avec Andy Warhol. Ces deux œuvres figurent un untimely death six years later. dog standing over a puddle of urine as an irreverent chien se tenant près d’une flaque d’urine, référence reference to the piece hanging in the dining room of C’est grâce au partenariat avec Bischofberger que irrévérencieuse à l’œuvre accrochée dans la salle à Basquiat’s career exploded under his the two artists’ mutual friend and dealer. la carrière de l’artiste explose réellement. Entre 1982 manger de leur marchand et ami commun. partnership with Bischofberger. Between 1982- et 1983, il participe à la Documenta 7, expose au sein 83, he participated in Documenta 7; in shows at Dealer’s Dog is the physical embodiment of de la Tony Shafrazi Gallery, de la Larry Gagosian Dealer’s Dog est la parfaite incarnation de the Tony Shafrazi Gallery, Larry Gagosian Gallery Basquiat’s life-becomes-art approach: his work Gallery ou encore de la Galerie Beyeler, et prend part l’approche de Basquiat selon laquelle la vie devient and Galerie Beyeler; and in the Whitney Biennial always holds a biographical backstory, providing a à la Biennale du Whitney en 1983. Basquiat séjourne art : ses œuvres comportent toujours un fondement 1983 exhibition. Basquiat frequently stayed with sense of immediacy that is ultimately derived from alors fréquemment chez Bischofberger à St. Moritz. biographique, donnant au spectateur un sensation Bischofberger at his home in St. Moritz. When he Basquiat’s lived experience. As Glenn O’Brien said, Lors de ses visites, il s’amuse parfois à dessiner avec d’immédiateté dérivée de l’expérience vécue de visited, he would sometimes create drawings with Basquiat “ate up every image, every word, every la fille de son marchand, âgée de quatre ans. Inspiré l’artiste. Selon Glenn O’Brien, Basquiat « dévorait his dealer’s four-year-old daughter, Cora. Inspired bit of data that appeared in front of him, and he par cette collaboration, Bischofberger invite l’artiste toutes les images, tous les mots, la moindre donnée by their collaboration, Bischofberger invited processed it all into a bebop Cubist Pop Art cartoon à travailler avec Andy Warhol, que Basquiat avait qui paraissait devant lui, et il transformait le tout en the artist to work together with Andy Warhol, gospel that synthesized the whole overload we déjà rencontré grâce à sa petite amie Paige Powell, un gospel de bebop, cubisme, Pop Art et cartoon, qui whom Basquiat had met through his girlfriend lived under into something that made astonishing rédactrice pour le magazine d’Andy Warhol Interview synthétisait la surcharge sous laquelle nous vivions Paige Powell, an editor at Warhol’s Interview new sense.” (Glenn O’Brien, “Greatest Hits” in Exh. Magazine. en quelque chose qui avait un sens nouveau et Magazine. During one of his stays in 1983, Madame Cat., Toronto, Art Gallery of Ontario, Jean-Michel surprenant.» (Glenn O’Brien, “Greatest Hits” in Exh. Bischofberger’s Lhasa Abso dog urinated on a large Basquiat: Now’s the Time, 2015, p. 177). Lors d’un séjours de Basquiat chez son marchand Cat., Toronto, Art Gallery of Ontario, Jean-Michel en 1983, le chien de la femme de celui-ci, de race Basquiat: Now’s the Time, 2015, p. 177). Lhassa Apso, fit ses besoins sur une feuille de papier Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat, Dog, 1984 © ADAGP, Paris 2021 Graffiti on a New York subway train, circa 1970 73 Image: © Photo by Leo Vals/Getty Images 72 CO M P L E T E CATA LO GU I N G AVA I L A B L E AT SOT H E BYS.CO M / P F 2 10 5

William Louis-Dreyfus à la Fondation; photographie de Gloria Baker Photography et Shaun Allen Photography Photographie de Gloria Baker Photography et Shaun Allen Photography Sotheby’s is privileged to offer works Louis-Dreyfus’ diverse collection in rising out of ground, arms up in from the William Louis-Dreyfus re-contextualizes the output of praise of heaven and below, their Sotheby’s est fière d’annoncer la partage, William Louis-Dreyfus n’a Museum and School la Robert Mills Foundation and Family Collections. known artists while giving a voice random symmetry, the light they vente d’une partie des collections de cessé de mettre en avant les artistes Architect medal et l’Advancement of Amassed by Louis-Dreyfus over fifty to those whom he felt were unjustly make that brings the seasons on, la famille et de la Fondation William qu’il estimait sous-représentés. American Art award. Ses poèmes, years, the collection is a reflection underrepresented. He has been called their contained thickness that Louis-Dreyfus. Patiemment assemblée Considéré comme un homme humble, publiés à titre posthume dans un of William’s extraordinary foresight, unpretentious, charming, modest, accumulates frail, feckless Time. pendant près d’un demi-siècle par respectueux de tous et instinctif, recueil intitulé Letters Written and compassion and dedication. A zealous and self-deprecating; guided solely by Where else is Time more materially un fervent défenseur de la création il n’a jamais rien cédé aux modes. Not Sent, prennent souvent pour yet thoughtful collector, a passionate aesthetics, an artist’s “notoriety” was revealed.” He planted hundreds of contemporaine, collectionneur Encyclopédiques et séculaires, les sujet la nature avec laquelle il avait supporter of artists, a published of no consequence to William. new trees in the land surrounding humaniste, visionnaire et avisé, la collections de la famille et de la une profonde connexion spirituelle poet, and a lover of trees, William his home in Mount Kisco, New York, collection William Louis-Dreyfus Fondation William Louis-Dreyfus -plantant des centaines d’arbres defied labels. Generosity was at the The William Louis-Dreyfus and often hosted the public to his est aussi singulière qu’universelle, se font ainsi l’écho de traditions près de sa maison de Mount Kisco core of his belief system and he Foundation and Family Collections beautiful orchard and gardens. reflétant l’extrême ouverture plurielles, disséquant la condition et ouvrant à tous ses vergers et was relentlessly committed to the span time periods and continents, d’esprit et la rare bienveillance d’un humaine sous tous les angles. De jardins- et qu’il décrit avec brio underprivileged. spurring observations on the A published poet and an essayist, philanthrope engagé. George Grosz à Raymond Mason dans l’un de ses plus beaux poèmes, universal nature of aesthetics and the Louis-Dreyfus also served as the en passant par Daumier, Dubuffet, Ajustement : « Je m’émerveille de la William was born in 1932 outside human condition. He took a particular chairman of the Poetry Society of Né en 1932 à Paris, de l’union Miro et Kandinsky, elle tisse des forme des arbres qui se dressent et of Paris to the Frenchman Pierre interest in artists that captured America from 1998 to 2008. In 2014, du français Pierre-Louis Dreyfus et liens inattendus entre champions de ploient devant nous, implorant le Louis-Dreyfus and the American- political and social comedy including he was awarded the Robert Mills de l’américaine d’origine brésilienne la satire politique, de l’abstraction, ciel dans la lumière changeante des born Dolores Neubauer, who was George Grosz, Honoré Daumier and Architect medal by The Smithsonian et mexicaine Dolores Neubauer, de l’informel mais aussi du figuratif, saisons qui les rendent toujours plus of Mexican-Brazilian descent. After Raymond Mason as well as those who American Art Museum and the William Louis-Dreyfus fuit la France William Louis-Dreyfus ayant toujours frêles et élancés, révélant de façon escaping Nazi-occupied France relished in the amorphous and non- Advancement of American Art award occupée pour les Etats-Unis. C’est là eu une affection particulière pour magistrale le passage du temps. » and moving to the United States, objective, including Jean Dubuffet, from the National Academy Museum qu’il parfait son éducation, étudiant les virtuoses du représentatif parmi William attended Duke University in Joan Miró and Wassily Kandinsky. and School. His lifetime work in l’anglais et le droit sur les bancs de lesquels Sam Szafran fait figure de Défenseur de la justice sociale, 1954 where he received a degree in William also had a special affinity for poetry, Letters Written and Not Sent, Duke dès 1954. Rejoignant la firme chef de file. Au fil des rencontres, se William Louis-Dreyfus se battit English and later graduated from the artists who trended more towards the was published posthumously in 2019. newyorkaise Dewey Ballentine liant souvent d’amitié avec les artistes, contre la ségrégation raciale university’s law school. Louis-Dreyfus representational, like Sam Szafran, avant de rallier Louis Dreyfus en William Louis-Dreyfus construisit en soutenant des associations went on to practice law at Dewey whose mastery of medium he also A defender of social justice, 1965, dont il assurera les fonctions ainsi ce qui est certainement l’une des caritatives mettant l’accent sur Ballentine in New York City, and from deeply appreciated. By following William especially sought to de président-directeur général de collections américaines les plus riches l’éducation comme la Harlem 1969 to his retirement in 2006 he his instincts and building personal improve the lives of people of color 1969 à 2006, William Louis-Dreyfus et progressistes. Children’s Zone, organisation à but was the chief executive officer of the relationships with artists, he built through philanthropy and was se distinguera par sa gouvernance non-lucratif visionnaire dédiée à la Louis Dreyfus Group, an international what is arguably one of the most dedicated to educational initiatives éclairée, restructurant le groupe Poète et essayiste, William lutte contre la pauvreté à Harlem organization of diversified companies diverse and progressive collections in including the Harlem Children’s familial fondé en 1851 jusqu’à ce qu’il Louis-Dreyfus fut aussi membre à laquelle les bénéfices de la vente that had been wholly owned by the United States. Zone, a pioneering nonprofit devienne leader mondial du négoce émérite de la Poetry Society of des œuvres de la Fondation William the Louis-Dreyfus family since its organization committed to ending des matières premières. America de 1998 à 2008. En 2014, il Louis-Dreyfus seront reversés. foundation in 1851. Under his tutelage, In addition to his love of art, generational poverty in Central reçut du Smithsonian American Art he transformed the business into one William had immense respect for Harlem. Part of the proceeds of Dans un effort de Museum et du National Academy William Louis-Dreyfus nous a of the leading global commodities the natural world and in particular the sale of works from the William recontextualisation autant que de quitté le 16 septembre 2016.  trading platforms, in part because loved trees. He felt a certain spiritual Louis-Dreyfus Foundation will go of his strategic recruiting, profit connection with trees, which he to support the Harlem Children’s sharing compensation programs, and described in his poem “Adjusting”: Zone and its work. subsequent talent retention. “I have a passion for the look of trees, their fixedness, their ecstasy William Louis-Dreyfus died on September 16, 2016. 74 C O M P L E T E CATA LO G U I N G AVA I L A B L E AT S OT H E B YS .C O M / P F 2 1 0 5 75

康丁斯基曾在《藝術中的精神》一書 的魔幻世界，巧妙地連接起卡勒波特 宗旨，藝術家的名聲無關緊要。 中形容，創作一件藝術品等於創造一 和霍普筆下的都市生活、卡爾・葛羅 路易達孚家族收藏涵蓋各個時期 個世界，如果此言當真，那麼薩姆・ 斯堡的工業景觀、以及亞佛烈德・希 沙弗蘭就是過去一個世紀以來，其中 治閣電影裡的光影宇宙。本作為一顯 的各地藝術，從中可洞見普世美學價 一位偉大的創造天才。 赫美國收藏珍蓄數十載，是貝利尼版 值和人類生存景況。威廉對喬治・格 畫坊系列第一幅釋出拍賣場的作品。 羅茲、奧諾雷・杜米埃和雷蒙德・梅 薩姆・沙弗蘭，原名薩姆・貝格 這個系列是當代藝術的結晶，卻同時 森等表現政治社會滑稽鬧劇以及尚・ 爾，1934年11月9日生於猶太人移民 帶有古典氣息，備受收藏家垂青，其 杜布菲、胡安・米羅和瓦西里・康丁 家庭。他不囿於傳統，才華橫溢，加 他同系列作品早已納入全球各大知名 斯基等遊走無形體國度的藝術家尤其 上無人能及的決心和對知識的無盡渴 博物館館藏，當中龐畢度中心的一幅 感興趣。他聽從直覺，與藝術家私下 求，筆下的作品因而飽含感染力。他 在1983年購入，畫中的貝利尼版畫坊 交好，匯成美國其中一個最多元、最 在童年時堪堪逃過1942年7月16日的 在柔和的粉彩顏料中顯得靜謐動人。 具革新意義的藝術收藏。 冬季競賽館抓捕，卻被關進臭名昭彰 的德朗西集中營數月之久，繪畫幫助 蘇富比隆重呈獻威廉・路易達孚 除了鍾情藝術，威廉敬畏自然， 少年沙弗蘭逃離現實，成為他心靈上 家族收藏。藏品由威廉・路易達孚用 尤其熱愛樹木。他感覺自己與樹木 的避風港。 五十多年時間蒐集而成，反映他的過 之間有著精神上的靈性紐帶，並在 人遠見、愛心和熱忱。他是一位懷抱 詩歌《Adjusting》中如此慨歎：「我 五十年代初，沙弗蘭在母親和妹 激情但考慮周詳的收藏家，是藝術家 喜愛樹木的樣子，喜歡它們的堅定 妹定居的墨爾本逗留幾年後，考入巴 的忠實擁護者，同時還是有作品傳世 不移，喜歡它們拔地而起的狂歡、 黎大茅舍藝術學院的繪畫課程。課餘 的詩人和愛樹之人——身份定義不了 高舉枝椏的天地禮讚，喜歡它們隨 時間，他到蒙帕納斯區的咖啡館廣交 他，他才是定義身份的人。威廉以慷 機的對稱、宣告季節來臨的光華， 良朋，並在那裡遇見了後來的導師阿 慨為善作為人生信條，一直以來對弱 喜歡它們累積纖細軟弱的時間、沈 爾伯托・賈柯梅蒂。他與爵士樂手查 勢社群關顧有加。 澱出厚重。時間又在什麼地方更能 特・貝克、藝術家讓・保羅・里奧皮 實質地顯現呢。」他在自己位於紐 勒、雷蒙德・梅森、伊夫・克萊因、 威廉在1932年生於巴黎，父親是 約契斯科山的家周圍種植了幾百株 亨利・卡蒂爾・布列松和雅克・蓋爾 法國人皮耶・路易達孚，母親是墨西 新苗，還經常將自家美麗的蘭花和 沙什往來甚密，並幫助克萊因發明了 哥與巴西裔美國人朵蘿蕾絲・紐鮑 花園開放予公眾參觀。 著名的克萊因藍（IKB），蓋爾沙什 爾。為了逃離納粹佔領的法國，他避 則成為他的首位藝術代理商。 走美國，1954年入讀杜克大學，取得 威廉是一位詩人和散文家，曾經 英文系學位後，再於法學院深造畢 出版作品，1998至2008年間擔任美國 抽象藝術在當時大行其道，沙弗 業。他曾在紐約杜威律師事務所從事 詩歌學會主席。2014年，他先後獲史 蘭卻獨獨背道而馳，從六十年代開 法律工作，1969年至2006年退休期間 密森尼學會美國藝術博物館和國家學 始，以具象繪畫挑戰藝術界現狀。期 擔任路易達孚集團行政總裁，該集團 院博物館及學校，頒發「羅伯特・米 間，粉彩成為他最愛的創作媒材。他 擁有多元化的國際業務，自1851年創 爾斯建築獎」和「美國藝術貢獻獎」 擁有出色的繪圖和用色能力，善於將 辦以來就由路易達孚家族全資擁有。 。2019年，收錄其生平作品的詩歌集 身邊的日常元素，妙筆化作令人著 在威廉的帶領下，公司採用策略性招 《Letters Written and Not Sent》在他身 迷、目眩神搖的建築透視場景，充 聘和利潤分享福利機制，懂得挽留人 故後出版。 滿意大利十八世紀藝術家皮拉奈奇 才，令集團成為全球領先的農產品貿 的風範。 易和加工企業。 威廉致力捍衛社會公義，以公益 事業改善有色族裔生活，支持社區 本作中的貝利尼版畫坊原為第十 本次上拍的收藏包羅萬有，它將 教育項目，包括哈林兒童中心——這 區的猶太教堂，經沙弗蘭改建成一所 知名藝術家的作品置於全新的語境當 是一個具前瞻性的非牟利機構，旨在 蝕刻版畫製作工坊，從1972年起，他 中，並給予那些威廉認為應該獲得賞 結束哈林中城區的跨代貧窮問題。本 以此為題創作大幅粉彩畫，這個張力 識的藝術家一個發聲的機會。在別人 次拍賣的部分收益將撥捐哈林兒童中 十足的系列現今已被視為沙弗蘭的代 眼中，威廉真誠待人、風度翩翩、謙 心，維持其日常運作。 表作。這組為數不多的作品創作於靈 遜自省。他以作品美學為唯一的收藏 感如泉湧之際，構建出沙弗蘭想像中 威廉・路易達孚於2016年9月16日 與世長辭。 76 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 77

PROVENANT DE LA COLLECTION DE LA FONDATION WILLIAM LOUIS-DREYFUS 115 LEONARDO CREMONINI 1925-2010 Obstacles, Parcours et Reflets (Ostacoli, Percorsi e Riflessi) Signed with artists initials and dated 75.76 tempera et huile sur toile 195 x 260,5 cm; 76¾ x 102⅝in. Exécuté en 1975-76. Signed with artists initials and dated 75.76 tempera and oil on canvas Executed in 1975-76. ‡ ⊕ 50 000-70 000 € PROVENANCE Châteauroux, Rétrospective de l’œuvre BIBLIOGRAPHIE peinte aux Cordeliers, 1993 ; catalogue Galerie Claude Bernard, Paris d’exposition Le Bot et L. Cremonini, Les Parenthèses du regard, Fayard, Paris, 1979 William Louis-Dreyfus, Mount Kisco, Metz, Musée Caves Saint-Croix, Maison New York (acquis auprès de celle-ci de la Culture et des Loisirs, Cremonini, J. Brosse, P. Emmanuel, A. Michelson, M. en 1987) 1995; catalogue d’exposition Clarac-Sérou, L. Althusser, M. Butor, P. Leonard, E. Langui, M. Le Bot, M. Troche, La Fondation William Louis-Dreyfus, Biron, Château de Biron, Cremonini. A. Moravia, P. Gaudibert, G. Lascault, Mount Kisco, New York (don fait en Peintures 1965-1995, 1996; catalogue M. Jouffroy, G. Bréerette et P. Belfond, 2016) d’exposition Leonardo Cremonini, Paris, 1979 EXPOSITION Aoste, Museo Archeologico Regionale, M. Valsecchi, P. Emmanuel, L. Leonardo Cremonini. Parenthèses Althusser, G. Briganti, M. Butor, E. Rome, Galleria Il Gabbiano, d’été, 1999; catalogue d’exposition Siciliano, F. Solmi, L. Carluccio, A. Cremonini, 1977 Moravia, U. Eco, M. De Micheli, A. Monaco, Galerie Le Point, Cremonini. Del Guercio et M. Le Bot, Leonardo Bologne, Galleria Forni, Leonardo Une rétrospective 1950-2000, 2000; Cremonini, Grafis, Bologne, 1979 Cremonini, 1977 catalogue d’exposition W. Rubin, P. Emmanuel, L. Althusser, Florence, Galleria Santacroce, La Seyne-sur-Mer, Villa Tamaris, M. Clarac-Sérou, M. Butor, A. Moravia, Rétrospective, 1977 Cremonini. Une rétrospective 1953- P. Gaudibert, G. Lascault, U. Eco, G. 2000, 2002; catalogue d’exposition Bréerette, I. Calvino, M. Jouffroy, M. Le Paris, Galerie Claude Bernard, 1979 Bot et J. Brosse, Leonardo Cremonini, Milan, Museo della Permanente, Genève, 1987, pl. 146 Tokyo, Seibu Museum of Art, Cremonini. Antologica 1953-2001, Rétrospective, 1980; catalogue 2002; catalogue d’exposition W. Rubin, M. Valsecchi, L. Althusser, G. d’exposition Briganti, F. Solmi, E. Siciliano, A. Moravia, Bologne, Pinacoteca Nazionale, L. Carluccio, A. Del Guercio, U. Eco, M. Grenoble, Musée de Grenoble, Accademia di Belle Arti, Cremonini De Micheli, I. Calvino, A. Jouffroy, M. Le Carcassonne, Tours Narbonnaises, 1953-2003, 2003; catalogue Bot, E. Crispolti et J. Brosse, Leonardo Cremonini. Douze ans de peinture d’exposition Cremonini, Bologne, 1988 1970-1982, 1983 ; catalogue d’exposition Connecticut USA, Walsh Gallery, Musée de l’université de Fairfield, Palazzo Racani-Arroni, XXVII Festival Leonardo Cremonini, Timeless dei Due Mondi, Spolète Cremonini. Monumentality: Paintings from The Opere dal 1960 al 1984, 1984; William Louis-Dreyfus Foundation, catalogue d’exposition 4 Novembre 2016 – 4 Mars 2017; catalogue d’exposition Sienne, Spedale di Santa Maria della Scala, Retrospective Leonardo Cremonini, 1986; catalogue d’exposition 78 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 79

LEONARDO CREMONINI, OBSTACLES, PARCOURS ET REFLETS (OSTACOLI, PERCORSI E RIFLESSI) Leonardo Cremonini fut l’un des plus importants Leonardo Cremonini was one of the preeminent Italian peintres italiens du XXème siècle. Né à Bologne, painters of the twentieth century. Born in Bologna, he il déménagea avec sa famille à l’âge de 11 ans et moved to Calabria with his family at age 11 and began commença à peindre dès les années suivantes. Il a making artwork seriously in his early teens. He studied étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Bologne, où il at the Academy of Fine Arts in Bologna, which he reçut une première bourse avant de collectionner les was awarded a scholarship to attend, and went on to récompenses tout au long de sa carrière. En 1964, il become the recipient of numerous prestigious awards expose à la Biennale de Venise, est nommé Chevalier throughout his career. In 1964, he exhibited at the des Arts et des Lettres en France et membre de Venice Biennale and was nominated a Commandeur l’Académie royale de Belgique ; de la San Luca National des Arts et des Lettres in France and a member of the Academy de Rome; et de l’Accademia delle Arti e del Royal Academy of Belgium; the San Luca National Disegno de Florence. Academy in Rome; and the Accademia delle Arti e del Disegno in Florence. Les peintures énigmatiques de Cremonini – à l’image de cette oeuvre monumentale et iconique Cremonini’s enigmatic mature paintings – of which – sont imprégnées de la lumière et des paysages de the present lot is a monumental and iconic example – l’Italie du Sud. Comme l’expliquait William Rubin ces are suffused with the light and landscape of southern œuvres se définissent par leur « esprit d’intemporalité» Italy. These works are characterized, in the words of mais bénéficient aussi d’une méticuleuse technique former MoMA director William Rubin, by a “spirit of picturale dans l’application des couches d’huile. timeless monumentality” and a meticulous attention La quiétude et la nostalgie sont palpables dans son to craftsmanship in his careful layering and scraping of travail, que Cremonini a lui-même essayé d’expliquer paint. There is a quietude and nostalgia that permeates « Ce n’est que lorsque les images ont vraiment the work, which Cremonini himself explained when physiquement disparu et qu’elles ne sont plus qu’une describing his process: “It is only when visual images petite part de notre inconscient qu’elles sont prêtes à are physically forgotten and are already a part of my ressurgir pour devenir le sujet d’une toile. Aujourd’hui unconscious that they are ready to be brought out l’inspiration me vient quand je recherche un corps again and created into a picture. Now the recollection naturel comme un coquillage marin ou un simple of the lost images takes place when I lovingly search morceau de bois. A aimé ces objets, l’image prend any organic object like a sea shell or a piece of wood. forme. » In and through the act of loving these objects, my images take on profile.” Les œuvres de Cremonini ont fait l’objet de nombreuses rétrospectives et sont présentes dans de Cremonini’s painting has been the subject of a nombreuses collections publiques ou privées à travers number of retrospective exhibitions and is included in le monde, comme le MoMA de New York, le Centre major public and private collections around the world, Pompidou à Paris ; l’Académie des Beaux-Arts de including the Museum of Modern Art, New York; the Bologne ou le musée des Offices de Florence. Centre Pompidou, Paris; the Accademia Belle Arti, Bologna; and the Galleria degli Uffizi, Florence. 80 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 81

PROPERTY FROM THE LOUIS-DREYFUS FAMILY COLLECTIONS 116 SAM SZAFRAN 1934 - 2019 L’Imprimerie (La Presse de l’atelier Bellini) signé pastel sur carton 137 x 98 cm; 54 x 38½in. Exécuté en 1974. signed pastel on cardboard Executed in 1974. ‡ ⊕ 400 000-600 000 € PROVENANCE « ... En avant de la composition, à très peu de distance du regard, se dresse la haute Artel Galerie, Genève machinerie de la presse à lithographier, avec l›étagement de ses engrenages, de son William Louis-Dreyfus, Mount Kisco, plateau et de ses rouleaux encreurs. L›image New York (acquis en 1975) inverse les données usuelles : ce qui dans la réalité se présente à l›oeil comme un bâti Puis par descendance aux Louis- essentiellement allongé s’érige vertical sur le Dreyfus Family Collections en 2016 pastel comme un totem énigmatique. » EXPOSITION Jean Clair Martigny, Fondation Pierre Gianadda; Saint-Paul de Vence, Fondation Maeght, Sam Szafran, 19 novembre 1999 - 30 mars 2000; catalogue, p. 102, pl. 48, illustré en couleurs “... In front of the composition, at a very short distance from the gaze, stands the complicated machinery of the lithograph press, with the tiering of its gears, its plate and its ink rollers. The image reverses the usual elements: what in reality presents itself to the eye as an essentially elongated frame is erected vertically on the pastel like an enigmatic totem.” Jean Clair 82 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 83

SAM SZAFRAN, L’IMPRIMERIE (LA PRESSE DE L’ATELIER BELLINI) La fascination de Sam Szafran pour le pastel a Le présent lot et Sam Szafran par Henri Cartier-Bresson. © Photo: Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos / ADAGP, Paris 2021 commencé à la fin des années 1950. Comme l’explique l’artiste « Si j’avais su ce qui m’attendait, je n’aurais Sam Szafran’s lifelong fascination with and The famous Cartier-Bresson photograph illustrated acquired one of the other large-scale pastels depicting probablement jamais acheté ma première boîte de commitment to the medium of pastel began in the late here immortalized the present pastel, acquired the what has become one of the most iconic interior pastels. Je me suis retrouvé, en 1958, après une période 1950s. As the artist himself once said, ‘If I had known year after it was made by William Louis-Dreyfus, spaces depicted throughout the artist’s career. Another d’art abstrait, en face de ces petits bâtons de couleurs what I was letting myself in for, I probably would alongside Szafran himself. This remarkable work work from this incredibly rare series, also acquired comme un enfant découvrant dans un delicatessen une never have bought my first box of pastels. I found belongs to a small group of large-format pastels by William Louis-Dreyfus in 1975, was sold in These multitude de bonbons et de gâteaux et je pouvais les myself, in 1958, fresh from abstract art, in front of these depicting the Bellini press, a famous print shop in a Rooms from the Louis-Dreyfus Family Collections in prendre directement. Pendant 20 ans, je me suis jeté little multicolored sticks like a poverty-stricken child former synagogue building of the 10th arrondissement December 2019; the present pastel is only the second à corps perdu dans ce medium, sans être capable de in a Belgian or Swiss delicatessen amidst an abundance that was repurposed by Szfran into a temple of etching work from this group ever to appear at auction. me contrôler » (in G. Néret, ‘Szafran ou la passion du of candy and cakes, and I seized them without even and lithography. This series, created in a sudden burst Including the present work, there are only four extant pastel,’ Connaissance des Arts, mars1980, p. 92). thinking. For twenty years I threw myself into this of inspiration in the early 1970s, is considered to be the pastels in large format whose composition focuses on technique, because I was incapable of mastering artist’s absolute masterpiece. the representation of the printing machine itself within Henri Cartier-Bresson, le célèbre photographe it.’ (from G. Néret, ‘Szafran ou la passion du pastel,’ the Bellini workshop, another of which is the above- a immortalisé l’artiste avec le présent lot, acheté Connaissance des Arts, March 1980, p. 92). As early as 1983, the Centre Pompidou realized the referenced piece in the Pompidou collection. par William Louis-Dreyfus un an après qu’il ait été importance of this series within Szafran’s oeuvre and exécuté. Cette œuvre exceptionnelle appartient à un corpus restreint de pastels grand format représentant la presse Bellini, du nom de l’imprimerie installée dans une ancienne synagogue du 10ème arrondissement de Paris, devenue pour Szafran un temple de la gravure et de la lithographie. Cette série, exécutée au début des années 1970 est considérée comme un des chefs d’œuvre absolu de l’artiste. Dès 1983, le Centre Pompidou comprenant l’importance de cette série fit l’acquisition d’un des 4 larges pastels existant, illustrant la presse au premier plan de ce lieu qui deviendra un des intérieurs les plus iconiques dans le corpus de l’artiste. Une autre œuvre de cette série Bellini acquise en 1975 par William Louis- Dreyfus, fut vendue chez Sotheby’s par la famille en décembre 2019, établissant un nouveau record du monde. Ce grand pastel est seulement la deuxième œuvre de cette qualité et de ce format à apparaître aux enchères. 84 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 85

PROPERTY FROM THE WILLIAM LOUIS-DREYFUS FOUNDATION 117 SAM SZAFRAN 1934 - 2019 Escalier signé aquarelle sur soie 181 x 96 cm; 71¼ x 37¾in. Exécuté en 1992. signed watercolour on silk Executed in 1992. ‡ ⊕ 150 000-200 000 € PROVENANCE Galerie Jacques Elbaz, Paris William Louis-Dreyfus, Mount Kisco, New York (acquis auprès de celle-ci en 1995) La Fondation William Louis-Dreyfus, Mount Kisco, New York (don fait en 2015) EXPOSITION Martigny, Fondation Pierre Gianadda; Saint-Paul, Fondation Maeght, Sam Szafran, 19 novembre 1999 - 30 mars 2000; catalogue, p.138, illustré en couleurs Longtemps fasciné par les Following a long fascination with escaliers, Szafran commence dans the staircase motif, in the 1990s les années 1990 une nouvelle Szafran began a new exploration série explorant de mémoire of the escalier at 54 rue de Seine ou grâce à des photographies based on his memories and l’escalier du 54 rue de Seine. photographs of the site. Szafran Entre temps Szafran a aussi fait la had also been introduced around rencontre, grâce à Henri Cartier- this time by the photographer Bresson, son ami photographe, Henri Cartier-Bresson to the de l’artiste Lap Sze-to, qui l’initie artist Lap Sze-to, who in turn à la technique de la peinture introduced Szafran to the use sur soie. Dans les œuvres de of precious Chinese silk as a Szafran de cette période la painting medium. In Szafran’s rencontre entre la préciosité de works from this period, the la soie et l’aspect translucide de relationship between the fragile l’aquarelle transcendent le thème Chinese silk and the translucent de l’escalier et le travail sur la glazes of subtly toned watercolor mémoire évanescente. reflect the evanescent qualities of memory and perception that underlie the paintings. 86 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 87

118 JOSEPH SIMA 1891-1971 Impact de lumière II signé et daté 68; signé daté 68 et titré au dos huile sur toile 100 x 81 cm; 39⅜ x 31⅞in. Exécuté en 1968. signed and dated 68; signed, dated 68 and titled on the reverse oil on canvas Executed in 1968. ⊕ 120 000-180 000 € PROVENANCE Galerie Le Point Cardinal, Paris Collection particulière, France (acquis auprès de cette dernière) BIBLIOGRAPHIE Frantisek Smejkal, Sima, Paris, 1992, no. 396, p. 367 Quelques années plus tard, dans A few years later, in Elements for Éléments pour nature et impact nature and impact of light II 1968, de lumière II 1968, la lumière light will become an essential deviendra un matériau poétique poetic medium in Sima’s canvases. essentiel des toiles de Sima. It explodes as a symbol of the N’étant plus seulement éclair, elle rejoicing of being in the world explose comme symbole de la and as the purest realisation of réjouissance de l’être au monde et this delicate link to the world. comme la plus pure réalisation de Thus, “the vision that Sima has ce lien sensible au monde. Ainsi, of the world, sensual and lyrical, « la vision que Sima a du monde, takes on a meaning less and sensuelle et lyrique, prend un sens less translatable: it can only be de moins en moins traduisible : expressed by artistic means, by elle ne peut être exprimée que par lines, color and light, elements des moyens plastiques, par le trait, which are addressed to our senses la couleur et la lumière, éléments and feelings rather than to our qui s’adressent à nos sens et à understanding.” nos sentiments plutôt qu’à notre entendement. » Marie-Antoinette Laffont-Bissay Marie-Antoinette Laffont-Bissay 88 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 89

119 SERGE POLIAKOFF 1906 - 1969 Composition Abstraite signé et daté 69 huile sur toile 100 x 81 cm; 39⅜ x 37⅞ in. Exécuté en 1969. signed and dated 69 oil on canvas Executed in 1969. ⊕ 150 000-200 000 € PROVENANCE Montauban, Musée Ingres, Serge Madame Serge Poliakoff Poliakoff, 26 avril– 26 mai 1980, no. 17 Galerie Melki, Paris L’Isle-sut-la-Sorgue, Campredon Art et Culture, Serge Poliakoff, 4 juillet - 12 Collection Verdier, Montauban octobre 1986, p. 79, illustré en couleurs Collection particulière, France Martigny, Fondation Pierre Gianadda, Serge Poliakoff, 31 janvier - 29 mars EXPOSITION 1987, p. 78, illustré en couleurs Rome, Galleria Editalia, Serge Poliakoff, 26 octobre – 30 novembre 1973, no. 24 BIBLIOGRAPHIE Paris, Galerie Melki, Poliakoff, 29 mai Giuseppe Marchiori, Serge Poliakoff, – 15 juillet 1975, p. 44, no. 19, illustré en Paris, 1976, p. 127, illustré en couleurs couleurs Alexis Poliakoff, Serge Poliakoff. Charleroi, Palais des Beaux-Arts, Catalogue Raisonné, vol. V, 1966-1969, Rétrospective Poliakoff, 30 septembre - Paris, 2016, p. 365, no. 69-107, illustré 2 novembre 1975, no. 50 en couleurs Hovikodden, Sonja Henie-Onstad Kunstsenter, Poliakoff, 5 février – 14 mars 1976, no. 80 90 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 91

120 93 JEAN FAUTRIER 1898 - 1964 Tête signé et inscrit sur le retour de la toile huile sur papier marouflé sur toile 55 x 46 cm; 21⅔ x 181/10 in. Exécuté en 1957. signed and inscribed on the overlap oil on paper laid down on canvas Executed in 1957. ⊕ 200 000-300 000 € PROVENANCE Svensk-Franska Konstgalleriet, Stockholm Acquis auprès de cette dernière en 1961 EXPOSITION Stockholm, Moderna Museet, Jean Fautrier, 6 septembre - 13 octobre 1963; catalogue, no.36 Sur les champs sur l’horizon Sur les ailes des oiseaux Et sur le moulin des ombres J’écris ton nom Paul Eluard, Liberté, 1942 On the fields on the horizon On the birds’ wings And on the mill of shadows I write your name Paul Eluard, Freedom, 1942 92 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105

JEAN FAUTRIER, TÊTE Tête, exécutée en 1957, “à l’époque de Budapest”, comme Tête, created in 1957, “at the time of Budapest,” as l’écrit lui-même Fautrier lui-même Fautrier au dos de Fautrier himself writes on the reverse of this work, is a cette oeuvre, est une oeuvre rare est une pièce rare, rare painting, is a rare painting, executed on the fringe exécutée en marge des têtes de partisan. Conservée dans of the Têtes de Partisan. Kept in the same collection for la même collection depuis plus de 50 ans elle n’a pas over 50 years, this work has not been seen since the été vue depuis l’importante rétrospective au Moderna important retrospective held at the Moderna Museet, Museet de Stockholm en 1963. in Stockholm, in 1963. La série des Têtes de Partisan de 1956 se rattache The 1956 Têtes de Partisan series is part of the au plus célèbre corpus d’oeuvres que Fautrier ait most famous body of work Fautrier created, the Têtes créé, les Têtes d’Otages - véritable cri en réponse aux d’Otages - a true outcry in response to the atrocities atrocités commises pendant la Deuxième Guerre committed during World War II. These works, born Mondiale. Ces dernières naissent en 1942 et désignent in 1942, are the result of his witnessing resistance ainsi ce que lui a inspiré la vision des résistants fusillés fighters shot down by German soldiers near his studio. par des soldats Allemands non loin de son atelier. Exhibited in 1945 in Paris at René Drouin, they were Exposées en 1945 à Paris chez René Drouin, elles sont a shock to the public who peered into the painter’s un choc pour le public qui contemple l’âme mise à nue naked soul. These quasi-abstract heads, mutilated du peintre. Ces têtes quasi abstraites, torses mutilés torsos or hands without bodies are expressed in a ou mains sans corps sont exprimés tout en matière, technique so characteristically Fautrier’s that it will de cette technique si caractéristique de Fautrier qui le make him considered as one of the most emblematic fera considérer comme l’un des plus emblématiques representatives of informal art. représentants de l’art informel. In 1956, history once again appeared in the En 1956, l’histoire surgit à nouveau dans l’oeuvre artist’s work: the invasion of Hungary and the de l’artiste: l’invasion de la Hongrie et les massacres massacres of Partisans revolted him as much as the des Partisans le révoltent tout autant que les otages des Nazi’s hostages. This time he his anonymous heads nazis. Il accompagne cette fois ses têtes anonymes de are accompanied by quotes from Eluard’s poem citations du poème d’Eluard Liberté. Ce magnifique Liberté. This magnificent poem, which opens for poème, qui ouvre le recueil Poésie et Vérité paru en 1942 the collection Poetry and Truth published in 1942, est écrit à la mémoire des combattants et des résistants is written in memory of the fighters and resistance pour soutenir l’espérance de la victoire. Comme les fighters to maintain hope of victory. Like weapons armes et les munitions, imprimé sur des feuillets le and ammunition, the poem Liberté was printed on poème Liberté était parachuté dans les maquis. sheets of paper and parachuted into the maquis. 94 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105 95

PROVENANT D’UNE IMPORTANTE COLLECTION PARTICULIÈRE 97 121 KAREL APPEL 1921-2006 Tête Eclatée signé et daté 1960 huile sur toile 193 x 130 cm; 76 x 51in. Exécuté en 1960. signed and dated 1960 oil on canvas Executed in 1960. ⊕ 150 000-200 000 € PROVENANCE Gimpel Fils Gallery, Londres American Art Gallery, Copenhague Collection Henry Ford II Sotheby’s, Londres, Post-War & Contemporary Art, 1er décembre 1988, lot 607 Collection particulière, Paris 96 COMPLETE CATALOGUING AVAILABLE AT SOTHEBYS.COM/PF2105