1
Жемчужные мгновения / кол-во стр. 84, 2022 г.. Оформление сборника – Ирины Петал. Сборник-презентация – небольшое путешествие в мир искусства. Художники сборника: Жан Антуан Ватто, Павел Андреевич Федотов, Борис Михайлович Кустодиев, Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек- Монфа, Эдгар Дега, Жорж-Пьер Сѐра, Поль Гоген, Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес, Винсент Виллем Ван Гог, и их жемчужины искусства. Экскурсовод сборника: поэт-современник Михаил Павлович Гуськов. 2
Души паренье В жемчужном мгновенье Не остановить. Глаз горенье, Искры озаренье Сердцем творить.* Люди – главные жемчужины нашего мира! Для каждого человека, конечно, свои удивительные жемчуга-личности, которые его чем-то восхищают, минуты встреч с которыми он «нанизывает» на своѐ ожерелье памяти, ожерелье своей души, связывая тонкой нитью ощущений и слов. Те встречи, которые человек всегда рад примерить на свою душу. Личности – мастера своего дела и их жемчужины творчества. Личности – живые книги со своими историями, у которых учишься мастерству и искусству жить. Личности, которые другим помогают раскрываться, их души – жемчуга мирозданья, к ним устремляются реки познанья... Сборник – знакомство с талантливыми творцами искусства, писавших о своѐм времени и его обитателях, говорящих о них колоритно, живо, с любовью – словом и красками. * Татьяна Василенко Шипицына \"Жемчужное мгновенье\" 3
Розальба Каррьера. Портрет Антуана Ватто. 1721. Антуан Ватто пришел к успеху, построив свою карьеру художника на огромном трудолюбии и таланте. Ни стесненность в средствах, ни отсутствие должного образования, ни принадлежность к кругам, далеким от искусства, ни сложный характер, ни слабое здоровье, – ничто не помешало Ватто получить признание. Персонажи его картин продолжают жить и играть со зрителем. 4
Жан Антуан Ватто (1684, Валансьен - 1721, Ножан-сюр-Марн) – французский живописец и рисовальщик, академик Королевской академии живописи и скульптуры, выдающийся мастер периода французского Регентства. За недолгий период творческой жизни, большая часть которой прошла в Париже, Ватто оставил богатое наследие: около тысячи рисунков и более 200 картин. Любовь к рисованию как главная движущая сила Для Антуана Ватто была придумана собственная ниша в искусстве – настолько велика была потребность как-то отделить его произведения от картин его современников, дать определение тому, что возникало на холсте благодаря таланту художника. Ничто, казалось бы, не предрекало блестящей карьеры живописца мальчишке из Валансьена, на границе Франции и Фландрии. Ватто появился на свет в 1684 году. Отец его был кровельщиком и человеком не самого утонченного воспитания – он имел проблемы с законом и постоянно испытывал потребность в деньгах. А Жан Антуан интерес к рисованию ощущал с самого раннего детства и даже брал кое-какие уроки у местного живописца. Но многого от Валансьена ждать не приходилось; наставник от дальнейших уроков с Ватто отказался. Еще не достигнув возраста 18 лет, юноша тайком покидает родной город и отправляется в Париж, движимый стремлением быть окруженным произведениями искусства. Ни крепким здоровьем, ни лѐгким нравом Ватто не мог похвастать, главным и едва ли не единственным, что прокладывало ему путь в искусстве, был его собственный энтузиазм. Пришлось добывать себе хлеб копированием картин для мастерской на мосту Нотр-Дам – и Ватто штамповал один за другим дешѐвые наброски, а закончив работу, отправлялся делать зарисовки с натуры – на улицах, площадях, ярмарках. Париж и Франция в начале XVIII века были охвачены модой на театр. Для художников работы было много – был спрос на создание декораций и на разработку сценических костюмов. А работы Ватто не боялся, более того, умел погружаться в неѐ целиком, жертвуя всем остальным миром. К тому же Париж и связи, которые постепенно появлялись у молодого художника, давали возможность соприкоснуться с поистине высочайшим уровнем живописи, произведениями мастеров масштаба Тициана и Рубенса. 5
Учеба, работа и вдохновение Театры кормили не только артистов, но и художников- декораторов. Помогли и удачные знакомства. В какой-то момент Ватто становится учеником Клода Жилло, художника, который создавал декорации к театральным постановкам и рисунки моделей костюмов. Благодаря своему учителю Ватто узнал театр изнутри, его противоречия и скрытые от посторонних глаз нюансы. Никакого академического образования Ватто не получил, он учился живописи и рисунку на ходу. Талант и бесконечная работоспособность в итоге привели его во французские дворцы. В первую очередь, это был Люксембургский дворец, где хранителем огромной коллекции художественных произведений был Клод Одран, новый учитель и впоследствии приятель Ватто. В залах дворца, где размещались произведения, по разным причинам не попавшие в Лувр, Ватто смотрел Корреджо и Пуссена, и многих других мастеров, и заочно учился у них живописи. Уникальное отображение на холсте света и цвета, движения – всѐ это Ватто почерпнул у великих мастеров. В 1709 году Ватто принял участие в конкурсе Королевской академии художеств, где главным призом была поездка на год в Рим. Амбициозный Ватто рассчитывал на победу и был сильно разочарован, получив лишь второе место. Поражение он решил пережить в родном городе Валансьене, где сам к тому времени уже был парижской знаменитостью. Спустя менее чем год Ватто вернулся в Париж. Там его ждали новые удачные знакомства, снова самым непосредственным образом связанные с театрами. В 1714 году Ватто переехал в особняк к своему другу Пьеру Кроза, богатому человеку и большому знатоку искусства, любителю концертных и театральных постановок. Он представил талантливого приятеля академику живописи Шарлю де Лафоссу, а тот уж ходатайствовал о принятии Антуана Ватто в Академию. Картиной, выставленной на суд, стало «Паломничество на остров Киферу». Это произошло в 1717 году; жить художнику оставалось всего три года. Художник галантных празднеств Несмотря на свою короткую жизнь, Ватто успел насладиться признанием. За неимением другого определения, он стал «художником галантных празднеств» – потому что именно такому виду времяпрепровождения были посвящены его многочисленные 6
произведения. Весь мир тогда и впрямь считался театром, и каждый играл свою роль – это главное, пожалуй, что несут в себе картины Ватто, на которых иногда не отличишь актера от парижского графа – поскольку и тот, и другой ведут игру на публику, носят личину, маску. Интерес к актерам, к закулисной жизни, к сущности лицедейства был у Ватто вполне искренним, и можно проследить, как менялся его стиль с течением времени. Поначалу полотна с изображением актеров отличала особенная выразительность, нарочитость мимики и жестов; со временем Ватто переходит к минимальному выражению эмоций, оставляя на лицах персонажей и в их жестикуляции лишь намеки – отчего картина становится лишь выразительнее. Недосказанность и сдержанность лишь разжигают интерес – композиция приобретает новое звучание, в ней появляется таинственность. В 1720 году Антуан Ватто скончался от туберкулеза, ему было 36 лет. Биография Ватто не дает никаких сведений о его личной жизни, считается, что у художника не было любовных связей, а потому, разумеется, не оставляются попытки найти хотя бы одну такую историю. Попыткам разгадать личность женщины, изображенной спиной к зрителю на некоторых картинах Ватто, посвящен кинофильм «Тайна Антуана Ватто», «искусствоведческий детектив», предлагающий ещѐ одну точку зрения на причины интереса художника к событиям парижской театральной жизни. Всю жизнь, даже будучи известен и богат, Ватто предпочитал жить «на краю чужого гнезда». Приехав из Англии за год до смерти, он останавливается у торговца предметами искусства, некоего Жерсена. У того была лавка с громким названием «Великий монарх». Ватто сам вызвался написать для лавки вывеску. Работал по утрам, а после обеда, обессиленный кашлем, валился без сил. И всего в недельный срок на свет появилась знаменитая «Лавка Жерсена» – еѐ придирчивый Ватто считал лучшей из всех своих картин. Жерсен станет первым (и очень тактичным!) биографом своего рано умершего друга. Всю короткую жизнь Антуану Ватто удивительно везло с друзьями. Мода на картины Ватто пережила его самого, более того, настоящая известность пришла к художнику спустя значительное время после его гибели – к началу XIX века. Ватто был признан родоначальником стиля рококо и предтечей импрессионизма. Ватто оставил после себя большое количество рисунков, ещѐ больше оказались пропавшими. 7
А.Ватто. «Пьеро (Жиль)» 8
Жиль в костюме Пьеро «Театр привлекал Ватто как художественно претворенная жизнь, как выражение человеческих страстей, очищенных от случайностей будней, освещенных огнями рампы, расцвеченных яркими костюмами. Ярмарочный театр, в котором многое восходило к комедии дель арте, не знал замкнутости сцены, разрыва между зрелищем и жизнью. Актѐры перебрасывались репликами с партнером, выходили в зрительный зал. И это подкрепляло свойственное Ватто ощущение жизни как игры, а характеров как масок». М.В. Алпатов («Антуан Ватто») Жиль в костюме Пьеро – один из шедевров художника, не имеющий аналогов в истории искусства. О «Жиле» высказано множество предположений, серьезных, любопытных, но не доказуемых окончательно. Предполагают, что это было нечто вроде вывески для театра, афиши для спектакля. В ту пору итальянская комедия и впрямь нуждалась в рекламе, спектакли еѐ посещались неохотно. Перед одним из спектаклей актер Томмазо Визентини в костюме Арлекина: «Господа! Меня заставляют играть множество ролей. Я чувствую, что во многих из них я вам не нравлюсь. Вчерашний деревенщина назавтра становится совсем другим человеком и говорит остроумно и нравоучительно. Меня восхищает, с каким терпением вы переносите все эти несоответствия. Я был бы счастлив, если бы ваша снисходительность распространилась и на моих товарищей и если бы я мог зажечь в вас любовь к ним. Две вещи отвращают вас от нас: наши собственные недостатки и недостатки наших пьес. Что касается нас, я прошу вас подумать о том, что мы – иностранцы, вынужденные забыть самих себя для того, чтобы вам понравиться. Новый язык, новый вид спектаклей, новые нравы. Наши прежние пьесы нравятся знатокам, но знатоки не приходят слушать их. Дамы (а без них все блекнет), которым приятно блистать на своем родном языке, не говорят на нашем языке и не понимают его; как же мы можем понравиться им? Как бы трудно ни было нам отделаться от предрассудков, приобретенных в детстве благодаря воспитанию, наше стремление служить вам ободряет нас, и, если только захотите, чтобы мы продолжали стараться, мы надеемся сделаться если не превосходными, то, во всяком случае, менее смешными, на наш взгляд, и, быть может, более сносными…» 9
Вслед за этой речью актер прочел на смеси итальянского и французского языков басню Лафонтена «Мельник, его сын и осел». Опять-таки осел, присутствие которого в картине дает неожиданно богатую пищу для предположений. Здесь нет желания сказать, что Ватто написал именно Визентини. Но очень вероятно, что ситуация в итальянском театре была одним из слагаемых тех мыслей и ощущений, что питали картину. В картине сплавлено воедино столь много впечатлений и мыслей, что относить еѐ к какому-то одному спектаклю вряд ли стоит. Все зыбко в этом полотне. От сюжета до вызываемых им чувств и мыслей.. Картину считают печальной, едва ли не трагической. А между тем лицо Жиля, если смотреть на него, и только на него, трагичным не кажется. Круглое, курносое, с чуть приоткрытым, как у куклы, ртом; большие темные глаза смотрят, скорее, растерянно, чем грустно. Фигура актера, чудится, не стоит на земле, а подвешена, подобно плоскому картонному паяцу, на невидимых нитях, и странное оцепенение сковывает еѐ, в то время как актеры в глубине полотна улыбаются, двигаются, разговаривают. Они из плоти и крови и совсем не обращают внимания на отвернувшегося от них задумчивого чудака. У Жиля нет иных собеседников, кроме зрителей. Взгляд его устремлен за пределы холста, с которым слита невесомая его плоть. И зритель невольно вступает в безмолвный, интимный и доверительный диалог с глядящим на него человеком, ощущает себя невольно и зрителем театральным. И нелепый бесформенный балахон, и потерянная поза, и нарочито театральный задник не дают забыть о сцене, тем более что и низкий горизонт способствует тому, что мы смотрим на актера как бы снизу – из партера. И уже не различить, где живое лицо актера, а где маска комедианта, где кончается театральная наивная доверительность и начинается доверительность просто человеческая. А лицо Жиля ищет сочувствия зрителей, эфемерная, утомительная жизнь подмостков ему постыла, холст Ватто сковал движения человека, как сковывает их роль. В «Жиле» соединилось всѐ лучшее, чем был отмечен судьбою талант Ватто. И застенчивая человечность, и умение понимать людей, вовсе не желая говорить о них слишком бесцеремонно, и любовь к театру, и способность увидеть за маской лицо, за комедиантом человека, и дивный колорит, и, главное, высокий дар сказать и показать многое с той долей улыбки, которая настойчиво напоминает о том, что нет ничего однозначного в этом мире. 10
Антуан Ватто. «Вывеска лавки Жерсена». 1720 Картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. 11
Антуан Ватто. «Капризница». 1718 Флирт, проявления галантности – центральная тема рококо. Нарядно одетые герои явно принимали участие в каком-то увеселении, а вот сейчас удалились от общества, чтобы прояснить отношения наедине. «Капризница» демонстрирует интересный психологический разворот – женское раздражение от навязчивого внимания. 12
Антуан Ватто. «Актеры комедии дель арте». XVIII век 13
Маскарады Жана Антуана Ватто Маска имеет множество функций. Ее способность утаивать истинное лицо, подменять персону иной – одна из ключевых. Особенно широко востребованной эта функция становится в культурном пространстве 1-й трети XVIII в., в эпоху знаменитых маскарадов Венеции и Парижа, в эпоху господства французского рококо. Маскарад – как создание нового образа жизни, новой художественной мифологии, новой картины мира – захватывает театр, изобразительное искусство, наконец, досуг парижан, помогая противостоять регламентированному и официозному стилю режима Людовика XIV1. Интерес к классической трагедии сменяется увлечением фривольными операми-балетами, костюмированными балами в столичных театрах и частных домах аристократии, ярмарочными представлениями в предместьях. Преображение, игра в персонажей итальянской комедии, переодевание модными пастушками, пилигримами и турецкими пашами – перестали быть привилегией только профессиональных актеров, но сделались любимым времяпрепровождением всего галантного общества начала XVIII в. Маски Commedia dell’Arte явили себя в новом качестве – они превратились в один из способов борьбы с наскучившим придворным этикетом Короля-Солнца, со стилем уходящей эпохи, и стали символом нового века. Наталья Щербакова 14
Я – как художник Ватто Метасказ Лето ушло и надежда пропала, Мир хорошеть перестал, Порох остался, но нету запала, Кто-то Царь-пушку украл. Лужи и грязь, осень в полном порядке, Далее – снег и метель, Только заначка и греет в подкладке, Что не украли досель. Я в гардероб не сдаю бриллианты, Просто гуляю, как пэр. Холодно, мѐрзнут зимой дилетанты, Те, кому я – не пример. Всѐ потому, что в подкладках их пусто, Там лишь потѐртый ватин, А у меня под подкладкою – люстра В сто ювелирных витрин. Свет от меня, но его вам не видно, Я, как художник Ватто, Прятать ему бриллианты обидно Было в подкладке пальто. 2019г. © Михаил Гуськов Метасказ – это сообщение более высокого порядка, чем обычный рассказ. Сообщение, которое содержит важные вывод, решение или истину, открывшиеся Поэту логикой стихотворного сюжета в действительной реальности. Сюжет метасказа, как правило, развивается на стыке действительной и \"параллельной\" реальности, приводя к закономерному выводу, обязательному для обеих реальностей. 15
Я – Пьеро... Я – Пьеро, но играть Арлекина Жизнь все время меня заставляет, Извини меня, друг Чиполлино, Только в сказках всѐ гладко бывает. И не надо бросаться словами, Я контракт свой уже не нарушу. Я хотел бы рыдать вместе с вами, А выкручивать должен вам душу. Я успешный артист в этом ранге, Под завязку призами затарен… И мечтал бы скакать на мустанге, А приходится ездить в «Феррари». «Почему так?» - спросил я у Чжоя, И гадальщик ответил мне твѐрдо: «В жизни занял ты место чужое, Потому что святой твой был чѐртом». Я хотел бы не жить ромбовидно, А хотел бы – красиво и звѐздно, Да бросать эту маску обидно, А хорошим Пьеро быть мне поздно. 2017г. © Михаил Гуськов Чарида. Это поэтическое произведение о состоянии души, когда хочется плакать, а плакать нельзя, когда любишь, но не можешь об этом говорить. Время прошло, ты сделал всѐ, как надо, а на душе – горечь и пустота. Чарида – это нечто большее, чем любовь мужчины и женщины, это то, что навеки соединяет их в параллельной реальности. Чарида, это не татуировка, а клеймо. Чарида – это твоя душа в другом человеке. Это не просто слова о любви, это сама любовь... 16
Постаревший Пьеро Чарида Город спит в прозрачной пЫли. Ночь. Луна, как серебро. Грустный клоун, это ты ли, Что прекрасным был Пьеро?! Больше дУши нам не мУтишь, Нет стихов, любви и роз, Почему так зло ты шутишь, Доводя нас всех до слез? Ты был символом Удачи, Нес нам счастье и добро, Раньше плакали иначе – От любви к тебе, Пьеро! А теперь одни сарказмы, Грим смешной, разбита бровь… Без тепла былого фразы! И стихов нет про любовь! «Ах, прекрасные принцессы, Мне быть прежним – не дано. Не принцессы – клоунессы Ведь и вы уже давно! И стихи, где много ласки, Я могу вам прочитать, Но потрѐпанные маски С наших лиц уже не снять!\" 2015г. © Михаил Гуськов 17
Арлекин и Пьеро Арлекин и Пьеро захотели дружить С белокурой, красивой Мальвиной, И, влюбившись, они стали розы дарить, Чтоб связать с ней себя паутиной. Арлекин и Пьеро необычны на вид, Этот – в белом, а тот – в ромбовидном. Были б деньги, а цирк для любого открыт, Никому в нем смеяться не стыдно. Арлекин и Пьеро, вы артисты во всѐм, Там, где вы,- и аншлаги, и зритель, Но Мальвина вздыхает и грезит о том, Кто лишь в цирке простой посетитель. Арлекин и Пьеро, был Мальвины ответ: «Я люблю как друзей вас, и только. Мы играем лишь то, что придумал поэт, Я прошу вас не делать мне больно!» Арлекин и Пьеро, вот и пьесы итог, Карабас Барабас это слышал, Показал он Мальвине большой кошелѐк И украдкой из цирка с ней вышел. Арлекин и Пьеро, кто страдал и любил... Это – цирк, и здесь каждый играет. Карабас Барабас свою бороду сбрил И с Мальвиной под ручку гуляет. У кого серебро, Те смеются хитро, А у нас вновь от бублика - дырка. Арлекин и Пьеро, Арлекин и Пьеро, Вы артисты всемирного цирка. 2016г. © Михаил Гуськов 18
Любовники. Сюжеты NN 1-3 Сюжет N1 Арлекин с Арлекинессой, Как стюард со стюардессой, Жили в цирке Шапито, Нарисованном Ватто. И качались на качелях, И валялись на постелях, Были красочной мазней, Занималися фигней. А летать на самолете, Прозябая на работе, Не про них такой расклад, А Ватто тому и рад. Рисовал их в лучшем виде, Арлекин был не в обиде, С Арлекиншей он хотел Слиться в близости их тел. Арлекины очень гибки, На губах у них улыбки, И такие позы тел, Что Ватто совсем сомлел. Это видно по картине, Что рассматриваем ныне, Рисовал он от души – Больно краски хороши. Есть такая в Третьяковке: Арлекиния в обновке, К Арлекину сев спиной, И кричит ему: «Ой-ой!» 19
За нее мы все в тревоге, Что за руки, что за ноги! – Настоящая принцесса – Звать ее Арлекинесса! Из запасников картина, Арлекин такой мужчина! – И торчит из-под пальто Подпись: «Рисовал Ватто!» 2016г. © Михаил Гуськов Сюжет N2 – Все прекрасно! – она сказала. Спорить с женщиной я не стал, А потом и совсем пропала: Жизнь, ведь, это – девятый вал! Только встреча случилась снова... Закружившись в хмельной волне, Как Садко у Царя морского, Я тогда был на самом дне. С веерами она плясала, Шлейф за ней иль русалки хвост... Но она меня не узнала Среди лилий с лучами звѐзд. Я сидел за большим кораллом. Выпью водки, потом всплыву... Но она ко мне доплясала – И я в замке теперь живу. Люди, мы для них только пешки, 20
Под запретом их мир для нас... И нас щѐлкают как орешки, Завлекая сначала в пляс... На поверхность я выплыл всѐ же, Но двоится с тех пор в глазах: Царь морской и его вельможи... Танец женщины в веерах... 2017г. © Михаил Гуськов Сюжет N3 Арлекин и Коломбина, Как смычок и мандолина: У неѐ красивый звук, А он – доктор всех наук! Академия их – цирк, И не надо делать - фырк! Лучше томно скажем – ах! И с улыбкой на губах. А еще здесь есть Пьеро, У него в штанах zero, И на шапочке помпон, Потому что он влюблѐн! А еще Мальвина здесь, Есть у ней девичья честь, Хоть пытался Карабас И отнять ее не раз. Удалось ему частично, То, что очень неприлично. Это цирк, здесь мир такой, 21
В нем герой всегда изгой! Папа Карло, настрогай Буратине сладкий рай, Чтоб ему Мальвина нос Целовала бы взасос! 2017г. © Михаил Гуськов Ватто изобразил в своей картине «Галантный Арлекин и Коломбина» персонажей комедии дель арте. Комедия дель арте — итальянский профессиональный театр, использовавший маски, пантомиму и буффонаду. В основе представления комедии дель арте был лишь краткий сценарий, артисты импровизировали прямо на глазах у зрителей. В середине 18 века два величайших венецианских драматурга Карло Гольдони и Карло Гоцци положили конец импровизированной игре актеров. Лица героини и героя были частично закрыты черной полумаской, говорили они на итальянском литературном языке. Остальные персонажи общались на различных итальянских диалектах, и каждый был одет в традиционный для этого образа костюм и маску. На сцене комедии дель арте появилось более сотни персонажей. Среди них были любимые, без которых не обходилось ни одно представление. Это влюбчивый и скупой венецианский купец Панталоне, слуги – плут и весельчак Бригелла, простодушный и незлобивый Арлекин, находчивый Пульчинелла, прелестница Коломбина; бахвал и трус Капитан, болтун Доктор, педантичный, назойливый Тарталья, Влюбленные и другие персонажи. Актер играл одну и ту же роль до глубокой старости. Замены одной маски другой в труппе актеров были абсолютно невозможны. Любимый публикой волшебник сцены Арлекин – главный организатор интриги. Главным сценическим языком Арлекина в итальянской комедии масок были кульбиты, оплеухи и палочные колотушки, которые он то раздает, то сам получает. 22
Антуан Ватто. «Галантный Арлекин и Коломбина». 1716-1718 23
Памяти великого русского художника Федотова Федотов – несколько сюжетов, А сколько русской жизни в них! Я, как и он, но из поэтов, Мои сюжеты – нож под дых; В нѐм – теплота и нету яда, Во мне есть злость и тѐмный фон. \"Анкор, ещѐ анкор!\" - и надо Лезть из себя из кожи вон! Он на меня глядит с укором, Но мне быть скромным не дано: Когда-то, ведь, я был майором И так же сватался смешно... Я, через много поколений, К успеху путь свой пролагал. И, как и он, был тоже гений, Но денег этим не сыскал. Мы оба жили на пределе, Душой открытой на ветру... И, как Федотов, в богадельне, Забытый всеми, я умру... 2022г. © Михил Гуськов 24
Автопортрет. 1848 Павел Андреевич Федотов (22 июня (4 июля) 1815, Москва – 14 (26) ноября 1852, Санкт-Петербруг) – выдающийся русский живописец и рисовальщик, один из родоначальников критического реализма в русской живописи. 25
Павел Федотов прожил очень короткую жизнь, но успел создать немало прекрасных произведений живописи и графики. Помимо изобразительного искусства он на протяжении многих лет увлекался поэзией, писал стихи и басни, а также сочинял романсы и музыку к ним. Особенности творчества художника Павла Федотова: картины и рисунки Федотова отличает остроумие, тонкая наблюдательность, умение подмечать типичные черты разных сословий и обстоятельств их жизни, точность социальных характеристик. В начале пути пробовал себя в батальной живописи, но довольно быстро понял, что его призвание – жанр. Объектом его мягкой сатиры были нравы большого города, героями – купцы, чиновники, дворянские семейства, компании холостых офицеров, эмансипированные дамы. Критическое осмысление действительности не мешает Федотову остро чувствовать ее пластическую и живописную красоту. Известные картины Павла Федотова: «Свежий кавалер», «Сватовство майора», «Завтрак аристократа», «Разборчивая невеста», «Вдовушка». Хрестоматийно скучные фразы о Федотове: «основатель русской жанровой живописи», «родоначальник критического реализма в отечественном искусстве». Ничего такого о себе Павел Андреевич Федотов, конечно, не знал. По профессии он был военным, капитаном гвардии. В официальной резолюции высокого начальника Федотова, императора Николая I, предписывающей подчинѐнному оставить службу и заняться живописью, есть замечательная по своему изяществу формулировка «рисующий офицер». Учеба, работа и вдохновение Он родился в бедной семье екатерининского служаки в Москве, в приходе Харитония, близ Красных Ворот. В отличие от тысяч художников, чьи способности были замечены родителями и развиты наставниками, Федотовым в детстве никто не занимался. Предоставленный сам себе, он проводил время в шумных играх и драках со сверстниками, беготне по сенникам и чердакам летом, катанию с горок зимой. Именно жизнью в патриархальном московском захолустье искусствоведы потом будут объяснять своеобразие живописи и графики Федотова. Родись он в строгом, европейском и амбициозном Петербурге, а не в простодушной 26
купеческой Москве, не вышло бы ни «основателя», ни «родоначальника». Федотов и сам хорошо понимал, что источник его художества в том, что он в детстве мог вдоволь наблюдать торговок и кухарок, ключниц и пономарей, купцов и простонародье, приходских священников и ушлых свах – людей, как он сам их называл, «неуглаженных светской жизнью». 11-ти лет Федотова отдали учиться в Кадетский корпус. Тут не было ничего удивительного: отец твой служил, поди-ка и ты послужи! Время к тому же было соответствующее: историки потом назовут его «николаевская военщина». На уроках рисования в Корпусе Федотов слыл лентяем. Гораздо больше занимали его история с географией. Там, где над страницей учебника однокашники начинали зевать, Федотову рисовались ярчайшие сцены. Он был наделѐн воображением редкой интенсивности. За сухими страницами вставали масштабные битвы, жуткие и красочные подробности дворцовых переворотов, буйная растительность экзотических стран и далѐких континентов. И это было замечательно. Если бы Федотов поступил в Петербургскую академию, его бы «посадили за гипсы» и этим неизбежно убили бы необычность его дарования. Но, обучаясь не искусству, а военному делу, он не был скован мертвящими академическими требованиями. Рисовал как Бог на душу положит. Никто из наставников не менторствовал, что есть достойный предмет для изображения, а что – нет. Никто не ограничивал его живой и цепкой наблюдательности. А посему все тетрадки и записные книжки кадета Федотова были измалеваны карикатурами. Карикатуры выходили очень похожими (по-видимому, чувство линии у Федотова было врождѐнным), но не обидными. Юмор их был не топорным, а довольно тонким. Товарищи по корпусу, во всяком случае, Федотова обожали и его насмешками не оскорблялись. Он слыл добрым малым, был первым по успеваемости, к тому же пел и играл на гитаре. За масляные краски он поначалу браться не решался, но много упражнялся в графике, акварели и сепии. Довольно долго его основной темой оставалась та, что перед глазами, – военная. Опекавший подразделение Федотова великий князь Михаил Павлович был в таком восторге от батальных талантов гвардейца (и от собственных портретов, которые Федотову удавались особо), что подарил ему бриллиантовый перстень и доложил о нѐм государю Николаю Павловичу. 27
Любовь к рисованию как главная движущая сила Когда Федотов дозрел до мысли, что профессиональная выучка ему всѐ-таки необходима, он был уже сложившимся художником. С целью, как выразится потом Бенуа, «укрепить свою руку на срисовывании мертвых тел и натурщиков», Федотов стал посещать вечерние классы Академии. Преподаватели (в их числе знаменитый Зауервейд) видели в переростке чудака. А он, как проклятый, до ночи работал в классах, заставленных образцами человеческих носов и ушей. Фламандцы и голландцы в Эрмитаже довершили образование Федотова. Они убеждали в том, о чем он и сам догадывался: интереснее и значительнее всего – обыденность. Именно еѐ и нужно изображать. К 1844 году Федотов встал перед сложным выбором между многообещающейкарьерой военного и неопределѐнной, полунищей будущностью художника. Он ходил советоваться к Брюллову, самому успешному на тот момент русскому художнику. Брюллов не рекомендовал уходить в отставку, говорил: в возрасте Федотова становиться художником поздновато. Но вмешался Иван Андреевич Крылов. Благодушный и флегматичный с виду, на деле он был язвителен и трезв. Крылов видел карикатуры и наброски Федотова и пришѐл в восхищение. Цепкость взгляда, жизненность, скрытое морализаторство – всѐ это было сродни самому Крылову. Баснописец преодолел свою легендарную лень и написал Федотову письмо. Суть его сводилась к тому, что задача художника в современном обществе – обличать скверность русской жизни и тем самым способствовать еѐ улучшению. Миссия трудная, но благородная. Федотов воспринял слова Крылова с энтузиазмом и вышел в отставку, сохранив за собой «друга и денщика» Коршунова. Любовь к женщине и к искусству несовместимы Павел Андреевич обладал приятной наружностью и был очень обаятельным человеком, не был обделен женским вниманием. Но художник был уверен, что его профессия художника и любовь к женщине несовместима. Он прямо говорил: «Моей жизни не хватает отдаваться одновременно и искусству и любимой женщине». 28
Как-то, после того, когда он был на волне популярности, им увлеклась богатая и свободная барышня. Она, не юля, дала ему понять, что с радостью выйдет за него замуж, но он от неѐ отшатнулся. Его не прельщала даже возможность начать сытую и привольную жизнь. Художник по живописи домашних сцен С 1846-го по 1848-й созданы главные картины Федотова, которые сразу обеспечили ему всѐ, кроме богатства: признание коллег, звание академика, огромную популярность у зрителей. Первым был написан «Свежий кавалер», немного позже – «Сватовство майора», «Разборчивая невеста» и «Завтрак аристократа». На выставках к ним было не протолкнуться. Толпа не редела до вечера. Для середины XIXв. оказалось откровением увидеть на холсте не государей императоров, прославленных военачальников или, на худой конец, античных божеств, а собственных современников – заурядных, смешных и таких узнаваемых. Вместе с гравером Вернадским Федотов задумал издавать нравоучительный журнал. Для него предназначались десятки карикатур, разбросанных ныне по музеям и частным собраниям. Выбирая название, колебались между «Вечер вместо преферанса» и «Северный пустозвон», но потом дело расстроилось. Жил Федотов аскетом. Вставал очень рано. Обливался холодной водой и, напившись чаю, шел «толкаться между людьми». Бродил по городу, доходя до самым захолустных его частей, в поисках «живых типов». Знакомился с представителями городского дна – портовыми «Евами» и нищими. Драгоценную натуру, прежде чем «подсмотреть у природы», еще предстояло найти. Здесь было что-то сродни охоте. Однажды Федотов несколько километров шѐл за неким«субъектом в зелѐном картузе», только чтобы запомнить его движения и мельчайшие детали лица. Бедствуя сам, Федотов содержал оставшихся в Москве отца и сестѐр. Для себя снимал в Петербурге маленькие домишки, причем всегда из двух комнат одна служила ему спальней и мастерской, а вторая – отдавалась в безраздельное пользование Коршунову. Денщик увешивал стены от пола до потолка лубочными картинками и убеждал визитѐров, что нарисовал их сам – по примеру хозяина. Для знавших Федотова его душевная болезнь оказалась громом среди ясного неба. В приступе буйного помешательства он был 29
пойман полицией и помещѐн в клинику Лейдесдорфа для душевнобольных. Незадолго до этого художник, не склонный ранее к ни к странностям, ни к унынию, вдруг начал тосковать, а потом чудить. На редкий крупный гонорар за картину зачем-то купил драгоценностей. И неожиданно посватался сразу в нескольких известных ему домах, хотя всегда убеждал, что не смог бы делить свою жизнь между двумя любовями – к живописи и к женщине. В лечебнице Федотов, отличавшийся крепостью мускулов, будет выдирать из стен гвозди. Увязанный в смирительную рубашку – зубами. В периоды относительных просветлений к Федотову пускали друзей. Он поражал их тем, в чем раньше не был замечен, – прожектѐрством. Вещал, что нужно превратить Васильевский остров в Афины. Показывал рисунок: государь Николай I в лупу наблюдает за крошечным Федотовым. Доктора жаловались: изрисовал в палате все стены. Когда через 5 месяцев художник умер в доме скорби от плеврита, плакать на похоронах было некому: товарищи давно уже мысленно похоронили его. Безутешно рыдал только верный денщик Коршунов. К основному горю примешивалось чувство вины. Федотов просил его передать друзьям, чтобы пришли проститься. Слуга перепоручил дело кому-то третьему, вестник по пути забежал в трактир, напился, словно персонаж многочисленных федотовских карикатур, и завалился спать чуть не в канаву. Когда весть о горячке Федотова дошла до адресатов, прощаться было уже не с кем – художник окончил свои дни в полнейшем одиночестве. «Основателю» и «родоначальнику» было 37. Жила национальности и сатиры Павел Андреевич Федотов является родоначальником критического реализма в русской живописи. В его творчестве преобладают два направления. В первом направлении преобладают рисунки и эскизные наброски, созданные под сильным влиянием Хогарта. Ещѐ плохо владея рисунком, Федотов добивается не столько точного воспроизведения действительности, сколько рельефно выставляет напоказ общечеловеческие слабости и недостатки, осмеивает пошлые или тѐмные стороны современных ему русских нравов. Сюжет этих произведений отличается сложностью и запутанностью. Их основная идея подчѐркивается добавлением к 30
выражающей еѐ главной сцене побочных эпизодов. Художник не скупится на аксессуары, способные усилить раскрытие сюжета и иногда совершенно загромождает ими свою композицию. Движение человеческих фигур хотя и характерно, но угловато и утрированно. То же самое надо сказать и о лицах, тип и экспрессия которых переходят в гримасу. Преобладающий элемент этих работ — карикатура. По мере того, как Федотов совершенствовался, характер его произведений менялся, становясь менее изысканным. При этом типичность изображаемых фигур, осмысленность их движений и экспрессивность лиц не только не ослабевали, но и возрастали вследствие того, что художник всѐ чаще работал с натуры, не навязывая ей форм и выражения, представлявшихся его фантазии, но подыскивая в реальном мире то, что соответствовало этим представлениям. Нагромождѐнность композиции, разъяснение еѐ посредством разных мелочей постепенно сменялись простотой и естественностью. Сама идея, ложившаяся в основу композиции, становилась всѐ более серьѐзной и близкой к жизни. Стремясь идти в этом направлении и преодолевая затруднения, возникавшие из-за недостаточного владения техникой, Федотов, благодаря своему острому уму, редкой наблюдательности и упорному трудолюбию достиг блестящих результатов. Но результаты были бы ещѐ более поразительны, если бы судьба дала ему лучшие условия и жизнь его не прервалась бы столь жестоко и преждевременно. Тем не менее и сделанного Федотовым достаточно для того, чтобы его имя осталось навеки одним из самых славных в истории русского искусства. Он открыл новую, ещѐ никем до него не тронутую в русской живописи жилу национальности и сатиры, первый из всех художников показал пример удачной еѐ разработки и оставил еѐ в наследство последующим талантам. 31
Павел Федотов. «Сватовство майора».1848 «Сватовство майора» отражает довольно распространенную тенденцию в России XIX века: немолодой холостяк, желающий поправить свое материальное положение, женится на купеческой дочери. Художник показал не само сватовство, а предшествующие ему минуты. Композиция напоминает театральную постановку с последовательно развивающимся действием от бравой фигуры майора к главным героям произведения (дочь и мать). Данной композиционной схемой автор подчеркивал неискренность и лживый блеск происходящего. Взаимосвязь персонажей прослеживается в их жестах и позах. В результате создается определенная динамика по направлению слева направо. У входа в комнату стоит уверенный в себе щеголь в парадном офицерском мундире. Сваха, переступившая порог, с лукавой насмешливостью сообщает главе семейства о том, что жених явился. Люди, присутствующие в 32
помещении, по-разному реагируют на слова свахи: пожилой бородатый батюшка-купец торопится выйти навстречу майору; молодая кокетка в пышном платье пытается выскользнуть из комнаты, но мать хватает ее за подол; на них пристально смотрит кухарка, выставляя на стол закуски; позади нее перешептываются домочадцы. И только пятнистая кошка на переднем плане остается безразличной к хозяйской жизни. На холсте выхвачено всего одно мгновение из серии сменяющих друг друга событий, но, глядя на картину, легко можно догадаться, что случится в следующий момент. Мастерски передает гений воздушность тканей наряда девушки, ее ожерелье из жемчуга, складки шелкового платья матери. Невесомые цветовые сочетания, едва заметные переходы от одной тональности в другую объединяют героинь. Особое внимание живописец уделил окружающей обстановке. Интерьер помещения демонстрирует претензии владельцев на «приличное общество». Но зритель замечает, что повсюду доминирует купеческий вкус: неуклюже сидящий сюртук на хозяине дома, по-крестьянски завязанный платок на голове его супруги, наигранные движения дочери. Предметы окружающей обстановки выдают пристрастия их обладателей – поднос с бокалами на тонких ножках помещен на стул, стену наряду с модными картинами украшает портрет митрополита московского Филарета, дорогая многоярусная люстра подвешена к расписному потолку. Автор акцентирует внимание на купеческом образе жизни, на его простом, но основательном быте. Несмотря на комедийность ситуации, картина передает теплую семейную атмосферу. Все действующие лица всего лишь заложники сложившихся обстоятельств. Живописец посмеивается над ними без злости и гнева, а с добросердечной иронией. Вес1лая сцена осуждает женитьбу по расчету и призывает к переустройству общественного уклада. 33
Павел Федотов. «Офицер и денщик».1850 34
Небольшая картина изображает забавную сценку: молодой офицер играет с крохотным котенком, ставшим на задние лапы. Рядом - денщик, раскуривающий трубку.Развлечение офицера, играющего с кошкой, рисуется как обычная картина повседневного быта. Комната небогато обставлена: стол со свечой и кое-какими предметами, оставшимися от недавнего чаепития, стул, постель; все прочее теряется в тени. Предметы на столе поблескивают гладкими блестящими поверхностями при свете свечи. Этот же свет заставляет полыхать красную скатерть, на стены ложатся большие тени от свечи. В фигурах царит тишина. но она готова нарушиться. Офицер, облик которого напоминает Федотова, держит в руках гитару, а в другой — палку. Его расплывающееся в улыбке лицо обращено к кошке. Денщик, писанный с реального федотовского денщика Коршунова, верного друга и помощника художника, продувает чубук. Славное, без затей изображение офицерского досуга. Легкое ощущение сумрачности (или, скорее, сумеречности) если возникает, то его легко перебарывают и добродушная улыбка на лице офицера, и домовитое сияние самовара, и комическая поза котенка, уподобившегося человеку. Мрачновато, но это потому, что всего одна свеча на комнату, бедно, но не тужат люди, даже развлекаются, деля досуг между гитарой и котенком, словом, дело житейское: честная бедность, молодость, терпеливо идущая к будущему благополучию. 35
Павел Федотов. «Свежий кавалер (Утро чиновника, получившего первый крестик)». 1846 В этой картине художник отразил явления, характерные николаевской России. Знаменитый русский критик В. В. Стасов писал о персонаже картины: ―Он свиреп и безжалостен, он утопит кого и что захочет, и ни одна складочка на его лице не дрогнет. Злость, чванство, вконец опошлившаяся жизнь – все это присутствует в 36
этом лице, в этой позе и фигуре закоренелого чиновника в халате и босиком, в папильотках и с орденом на груди‖. Федотов стал основоположником городского жанра точно так же, как А.Г.Венецианов стал основоположником жанра сельского. Но если деревня рассматривалась как \"приют отдохновения\", то город как \"вертеп порока\", следовательно, задача художника – высмеять порок. Сюжет картины художник раскрыл в своем пояснении, которое заканчивается словами: \"Где завелась дурная связь, там и в великий праздник грязь\". В центре картины – чиновник в позе римского оратора, рваный халат он поддерживает как тогу, папильотки в волосах уподоблены лавровому венку. Гордясь собой, он указывает на орден, в ответ беременная кухарка (\"дурная связь\") демонстрирует рваный сапог. Перед нами пародия на героические сцены в античном духе. Как самостоятельные персонажи трактованы вещи, окружающие героев, – сломанный стул, пустые бутылки, таракан на столе, а такие детали, как колбаса, завернутая в газету \"Ведомости полиции\", и роман Ф.В.Булгарина \"Иван Выжигин\" под стулом приносят в картину социально-критический оттенок. 37
Отдыхает пусть Кустодиев Лиаризм в стиле ГуськоFF Я живу, так скажем, в Сколкино: Дом, веранда, стол на ней, Самовар купца Иголкина – Серебро в фарфоре дней. Жизнь моя, к закату близкая, Новой радостью полна: Секретарша Ивелинская – Просто Дама, не жена. Женщин видел много, вроде, я, Но она, ни дать ни взять, Та, что так любил Кустодиев С чашкой чая рисовать. Вы решите: он – бравирует, Мол, немало лет уже, Но она стенографирует Каждый день мне в неглиже. Пятьдесят, ведь, – не трагедия… Разалелась дама вся: \"Ох!\" и \"Ах!\" – все междометия, На лист Вечности внося. Знатно прогремлю в народе я, Свой с ней выставив сюжет: Отдыхает пусть Кустодиев – Я в стихах пишу портрэт! 2010г. © Михаил Гуськов 38
Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем». 1918 Художник разрабатывал своеобразный жанр портрета, вернее, портрета-картины, портрета-типа, в котором модель связана воедино с окружающим еѐ пейзажем или интерьером. Одновременно это обобщѐнный образ человека и его неповторимая индивидуальность, раскрытие еѐ через окружающую модель мира. В дальнейшем, Кустодиев постепенно всѐ более смещается в сторону иронической стилизации народного быта, особенно, купечества с буйством красок и плоти. 39
Борис Кустодиев. «Автопортрет у окна». 1899 Борис Михайлович Кустодиев (23 февраля (7 марта) 1878, Астрахань - 26 мая 1927, Ленинград) – русский и советский художник. Академик живописи ИАХ (с 1909). Член Ассоциации художников революционной России (с 1923 года). Портретист, театральный художник и декоратор, иллюстратор и оформитель книг. 40
Борис Кустодиев. 1903 Борис Кустодиев писал традиционный русский быт, красочные народные типажи – красавиц, купцов и купчих. Он пользовался покровительством Ильи Репина и восхищением Федора Шаляпина. Несмотря на непревзойденный талант, художник влачил жалкое существование, на первые полученные деньги он пошел покупать себе штаны. Не довелось ему испытать благосклонности судьбы и в более зрелом возрасте, пережив горечь утраты младшего сына, в 38 лет художник оказался в инвалидном кресле. На его долю выпали две революции и Гражданская война, не сломившие при этом силу его духа. В каждой картине или иллюстрации мастера сквозит огромное счастье и радость. 41
Детство и юность Родился Борис Кустодиев в Астрахани 23 февраля (7 марта) 1878 года, в семье Михаила Кустодиева, профессора философии, истории литературы. Он работал преподавателем логики в духовной семинарии Астрахани. Отца не стало, когда Боре не исполнилось и двух лет. Мама замуж больше не вышла, сама растила четырех ребятишек. Вышивала на заказ, соглашалась играть на рояле по праздникам для местной знати, в их богатых домах. Вначале Борис пошел в церковно-приходскую школу, потом поступил в гимназию. Впервые он увидел настоящую живопись в девятилетнем возрасте, когда в Астрахань приехали художники-передвижники. Кустодиеву так понравилось увиденное, что он решил непременно научиться так же искусно изображать на полотне все, что ему захочется. Матери было трудно найти нужную сумму, чтобы оплатить обучение Бориса рисованию. На помощь пришел, хоть и не очень охотно, дядя – Степан Никольский. Именно благодаря его деньгам Боря смог учиться мастерству у Павла Власова, бывшего студента Академии художеств Петербурга. Власов напутствовал своего ученика, говорил, что если немного умеешь рисовать, то ты ничего не умеешь, что на искусство нужно не жалеть даже жизни. Он говорил, что если не знаком с анатомией человека, то даже не берись за написание обнаженной натуры. В одном из своих писем сестре Кустодиев писал, что уже целый месяц учится у Власова, и что наконец-то приступил к рисунку головы. Он сообщал, что до этого написал несколько орнаментов и частей тела, а теперь приступил к голове. За несколько дней до этого, Борис нарисовал две айвы и две морковки, и пребывал в полном восторге от своей акварели. Ему не верилось, что это дело его рук. В 1896-м, после окончания семинарии, Борис уехал в Москву, он хотел продолжить обучение в художественной школе, но получил отказ из-за возраста. Восемнадцатилетний парень не мог обучаться за одной партой с детьми. Тогда Борис предпринял еще одну попытку, но на этот раз в Петербурге, в Высшем художественном училище при Академии художеств. Каждый потенциальный студент предоставлял на суд приемной комиссии какую-нибудь свою работу. Он очень обрадовался, когда увидел на своем полотне надпись мелом – «принят». В годы учебы в училище художник очень много работал, писал портреты, живую натуру. Он учился у Ильи Репина, творчество которого любил с детских лет. А сам живописец не мог 42
нарадоваться успехам своего ученика. Репин говорил, что возлагает на Бориса большие надежды, что он очень одаренный художник, серьезный, вдумчивый, изучающий природу предельно внимательно. В 1901-м Илья Репин писал огромную картину под названием «Торжественное заседание Государственного совета». Он привлек к ее написанию нескольких учеников, в том числе и Кустодиева. В итоге, эскизы Бориса легли в основу 27 портретов, и молодой художник написал третью часть всей картины, естественно, под непосредственным руководством наставника – Репина. Творческий путь В конце октября 1903 года Кустодиев окончил Академию художеств, получил золотую медаль, звание художника и право уехать в пенсионерскую поездку на год за границу или по России. Еще до того, как окончить курс в Академии, картины Бориса выставлялись на международных выставках Петербурга и Мюнхена. Они отмечены большой золотой медалью Международной ассоциации. В декабре того же, 1903-го, живописец забрал жену с новорожденным сыном, и отправился в Париж. После этого его путь лежал в Германию, Италию, Испанию. Он учился на работах старых мастеров, копировал их. Поработал в студии Рене Менара. Спустя шесть месяцев Кустодиев вернулся на родину. Поселился в Костромской губернии, трудился над созданием серии картин «Деревенские праздники» и «Ярмарки». У семьи не было своего жилья, поэтому художник купил участок земли недалеко от Кинешмы, и собственноручно выстроил дом, получивший название «Терем». На протяжении десяти лет он жил с семьей в этом доме, и как потом признавался, они стали самым счастливым периодом его личной жизни. В это время художник начинает задумываться над собственным стилем в живописи. Ему не хотелось копировать репинский реализм, с его работой с натуры. Борис решил, что пришло время писать самостоятельно, именно так, как он видит русскую красоту. Живописцу нравились народные гулянья и ярмарки, его привлекали лубочные изображения. В 1904-м Кустодиев учредил Новое общество художников. Спустя год его серьезно увлекла графика, он устроился на работу в издания «Адская почта», «Жупел», «Искры», в качестве карикатуриста. Сделал иллюстрации к гоголевской «Шинели», 43
которую напечатали в 1905-м. Одновременно с этим, художник нашел себе еще одну работу – помощника декоратора Мариинского театра Головина. Через четыре года (1909) живописец удостоился звания Академик живописи. Кандидатура Кустодиева утверждалась на Собрании Академии, и его представили именитые коллеги – Архип Куинджи, Илья Репин, Василий Матэ. Впервые проблемы с руками появились у Бориса в 1911 году. Боль была очень острой, беспокоила его достаточно долго, но доктора только разводили руками. Когда терпеть боль стало невыносимо, Кустодиев уехал на лечение к доктору Ролье (Швейцария). Чуть позже немецкий профессор Герман Оппенгейм сделал художнику операцию, и он вернулся домой. Через четыре года (1909) живописец удостоился звания Академик живописи. Кандидатура Кустодиева утверждалась на Собрании Академии, и его представили именитые коллеги – Архип Куинджи, Илья Репин, Василий Матэ. Впервые проблемы с руками появились у Бориса в 1911 году. Боль была очень острой, беспокоила его достаточно долго, но доктора только разводили руками. Когда терпеть боль стало невыносимо, Кустодиев уехал на лечение к доктору Ролье (Швейцария). Чуть позже немецкий профессор Герман Оппенгейм сделал художнику операцию, и он вернулся домой. Операция. Революция Боль в руке вернулась в 1916 году. Однако путь в Германию, к уже знакомому профессору Оппенгейму оказался закрыт, во всю бушевала Первая мировая. Пришлось решаться на операцию в Петербурге, очень тяжелую и ответственную. Доктора долго не могли прийти к выводу, что сохранять – руки или ноги, так как они гарантировали подвижность только одним конечностям. Этот вопрос доктор задал жене, и она, скрепя сердце, сказала, что он художник, и без рук ему никак нельзя. В марте 1916 года, в письме Лужскому Борис написал, что лежит без движения тринадцать дней, а ему кажется, что прошло уже 13 лет. Борис говорил, что наступила передышка, а до этого он сильно страдал и мучился. Он понимал, что это не все, что впереди долгий курс реабилитации, после которого он, возможно, почувствует себя живым человеком. 44
Доктора запрещали художнику прикасаться к работе, но он их не послушал. Находясь в инвалидной коляске, он переносил на холст идеи, посетившие его светлую голову, за месяцы вынужденного бездействия. В 1916-м он представил полотно «Масленица», получившее высокую оценку Репина. Эта картина выставлялась во время выставки «Мир искусства». Этот период стал самым плодотворным в его творческой биографии, Борис писал очень много, как никогда ранее. В 1915 году он закончил работу над портретом Александра Анисимова, в 1922-м – появился не менее знаменитый портрет известного певца Федора Шаляпина. Кустодиев параллельно писал «Русь ушедшую» и пропагандистские плакаты, трудился над созданием картины «Большевик» и обложки издания «Коммунистический интернационал». Кроме этого, Борис оформлял книги, календари, плакаты. Придумывал иллюстрации к «Сказкам Пушкина» и сборнику «Ленин и юные ленинцы», художественно оформлял революционные праздники и манифестации. С 1918-го по 1920-й годы Борис создавал декорации к опере «Царская невеста», которую ставили в Большом оперном театре Народного дома. Его кисти принадлежат и декорации оперы «Снегурочка», которая прошла с большим успехом в Большом театре, и «Вражьей силе», поставленной в Мариинке. В 1925-м МХАТ представил постановку Евгения Замятина «Блоха». Автором декораций к ней стал тот же Кустодиев. В 1926 году Борис закончил свою очередную картину – «Русская Венера». Доктора не разрешали художнику работать подолгу, рекомендовали ограничиться несколькими часами в день. Поэтому «Венера» создавалась почти целый год. Личная жизнь Летом 1900-го года Борис отправился на этюды в деревню Калганово Костромской губернии. Именно там он и познакомился со своей будущей супругой. 19-летнюю девушку звали Юлия Прошинская. Девушка из приличной семьи, получила хорошее образование, любила поэзию, живопись, музыку. Поэтому стоит ли удивляться, что между ними сразу вспыхнула симпатия. 8 января 1903 года состоялось венчание Юлии Прошинской и Бориса Кустодиева. Для церемонии они выбрали небольшую церковь на Екатерининском канале. В октябре того же года жена родила художнику первенца, сына Кирилла, который продолжил дело отца и тоже стал живописцем. Спустя два года, в 1905-м, 45
родилась дочка Ирина. В 1907-м семья пополнилась еще на одного человека – сына Игоря, но он прожил недолго, скончался от менингита в 11 месяцев. Супруга пережила Бориса на 15 лет, она умерла от голода зимой 1942 года во время блокады Ленинграда. Внучка Татьяна Кустодиева (дочь старшего сына Кирилла), работала искусствоведом, ведущим научным сотрудником в Отделе западноевропейского изобразительного искусства Эрмитажа. Ей принадлежит авторство «Каталога эрмитажной коллекции итальянской живописи 13-15 веков». Умерла в 2021 году. Состояние художника ухудшалось, и в феврале 1927-го Борис Кустодиев обратился с просьбой в Народный комитет просвещения, чтобы ему разрешили отправиться на лечение в Германию. Разрешение и субсидию от государства ему выдали спустя месяц, в марте, но Кустодиев так ими и не воспользовался. Загранпаспорт смогли подготовить только в начале июня, а художника не стало десятью днями ранее. Борис Кустодиев скончался 26 мая 1927 года, его похоронили в городе на Неве, на кладбище Александро-Невской лавры. 46
А жизнь моя вдруг стала ношею. Какое слово нехорошее - Поклажа, ноша, тяжкий груз. Ведь жизнь должна быть ниткой бус, Где день сверкает, как жемчужина, Где праздник с завтрака до ужина, И где в коротенькой ночи На миг скрываются лучи, И свет уходит, не прощается, Уйдѐт и снова возвращается.* * Лариса Миллер советский и российский поэт, прозаик, эссеист и педагог 47
Лубочная живопись Художник счастья Живопись Бориса Кустодиева – заключительный аккорд художников-передвижников, но только без их обличительного пафоса и без акцента на темной стороне русской жизни. Это гимн уходящей русской старине, той России, которой никогда не было, но в воображении художника она была именно такой: разгульной, яркой, цветастой, щедрой и уютной. На такую Россию Борис Кустодиев смотрит по-доброму, чуть с юмором и иронией, понимая, что это – всего лишь русская мечта о сытой счастливой жизни, мечта о молочных реках и кисельных берегах, материализовавшаяся в златокудрых, дородных и полногрудых русских красавицах, которые спят на перинах, нежатся в атласных подушках и укрываются пуховыми одеялами. В этой счастливой сказочной жизни царствуют безмятежность, покой и достаток: здесь пьют чай из богатых пузатых самоваров и позолоченных фарфоровых блюдец, одеваются в дорогие шубы и яркие нарядные платья, живут в мире и душевном согласии с собой, наслаждаясь маленьким семейным счастьем и уютом. Конечно, эта лубочная жизнь существовала только в воображении и фантазии художника: когда он писал свою «Купчиху» на дворе стоял 1923 год, разруха, голод, а самого художника мучила смертельная болезнь, навсегда приковавшая его к инвалидному креслу. Но именно тогда ему больше всего хотелось говорить о радости жизни, о чуде, о красоте народной жизни, какие бы времена на дворе ни стояли, именно тогда были написаны лучшие его картины. Народ в представлении Б.М. Кустодиева – великий оптимист, в нем живет неистребимая потребность в радости. Не знаю, удалось ли мне сделать и выразить в моих вещах то, что я хотел – любовь к жизни, радость и бодрость, любовь к своему русскому. Это было всегда единственным \"сюжетом\" моих картин. Кустодиев Б.М. 48
Борис Кустодиев. «Масленица». 1916 49
Борис Кустодиев. «Русская Венера». 1925 50
Search
