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Árbol Corazón (Detalle) 2015 Instalación Cemento y hierro galvanizado La instalación monumental realizada por Lidia León específicamente para la inau- guración del Centro Cardiovascular de CEDIMAT de Santo Domingo es una obra en forma de árbol con un corazón revestido de corteza que hubiese podido formar parte de la serie Defensa de la Naturaleza21 realizada por el artista alemán Joseph Beuys a partir del 1972 en un pueblecito montañoso ubicado en la región italiana de Abruzos. Una de las acciones más recurrentes de Beuys era la de plantar árboles para ayudar a los hom- bres a comprender que todo ser humano es un artista cuando crea la vida y no la destruye. Esta acción culmina en 1982 cuando es invitado a participar en la Documenta de Kassel y expone en el Museo Fridericianum la instalación en forma de triángulo compuesta por 7000 piezas de basalto titulada 7000 robles. El artista había previsto que, con el producto de la venta de cada pieza de basalto, plantaría un roble. La magnífica obra de arte 7000 robles felizmente concluyó unos años después con la siembra de los siete mil árboles, que en trescientos años se convertirían en el bosque soñado por el artista y que, a su vez, será un pulmón verde de Alemania capaz de ofrecerle oxígeno a las generaciones futuras. Árbol Corazón es una obra dedicada a este mismo poder sanador de la naturaleza. La obra de seis metros que la artista dominicana instaló se encuentra ubicada en el quinto nivel del Centro Cardiovascular de CEDIMAT de Santo Domingo. El vínculo directo con la naturaleza que caracteriza la poética de muchos artistas domi- nicanos sensibles a las políticas ecológicas es afirmado en esta obra de Lidia León con una visión antropocéntrica. Darle un corazón humano a un árbol quiere decir no sólo reconocer la importancia fundamental que tiene la naturaleza para el ser humano, sino también defender al individuo, educándolo sobre el medio ambiente en el cual vive. 21 Difesa della Natura - Joseph Beuys, Lucrezia de Domizio Durini, Le Frecce 2014 “La riqueza natural de mi país, sus costas, montañas, vegetación, se plasman en mi obra de arte y en los poemas musicalizados”. Lidia León [LiLeón] 97

Árbol Corazón 2015 Instalación Cemento y hierro galvanizado 5x6m Centro Cardiovascular Cedimat, cedida en préstamo por la artista 98



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Como ocurre en las obras del ciclo Wabi Sabi, la artista defiende la estética personal que muestra en su trabajo, acercándola cada vez más al tema de la naturaleza. Lidia nunca podría imaginarse un árbol diferente al que contiene las formas y los colores con los cuales lo ha creado. Re-conocer es apreciar el valor de lo que ha existido desde siempre en el eterno presente a los fines de que no sea destruido por la maquinaria cruel del modernismo. Esta es la dimensión heroica de la acción artística: ¡mantener el tiempo en un eterno presente! Árbol Corazón recuerda la tradición de la alegoría del árbol de la vida, en la cual la forma misma del árbol revestida de múltiples significados metafísicos se reinterpreta conforme a diferentes influencias estilísticas. El árbol con el corazón de Lidia es un árbol real que ama y es amado por tener un corazón sincero. La artista lo ha representado con la misma inmediatez con que un niño podría plasmar su apego a la naturaleza en un dibujo. Esta es la fuerza expresiva del lenguaje artístico utilizado por LiLeón, sin demasiados artificios in- telectuales y llegando directamente al corazón del espectador para curarlo con esa energía benéfica que circula en el arte, pues lo que muy probablemente necesitaban los pacientes del centro cardiovascular era un árbol humano para poder reflejar en él una especie de relación simbiótica. Juiciosamente, cuando la artista ideó la obra no pensó en la madera ya que no le convenía al lugar por las normas de protección contra incendios. Sin embargo, le diseñó un esque- leto en acero galvanizado capaz de resistir la intemperie y los vientos fuertes. La forma del esqueleto es inspirada en el sistema circulatorio o vascular del ser humano que, a través de la aorta (¡la arteria más grande del cuerpo humano que parte del ventrículo izquierdo del corazón!), propulsa la sangre hacia los pulmones. Luego, dibujó la escultura en un bosque- jo y le agregó una protuberancia con la forma de un corazón humano. Por último, contactó a la compañía NatureMaker, de California, una empresa especializa- da en este tipo de trabajos, para que procediera a revestir el esqueleto y el corazón con una especie de epidermis en cemento tallado y pintado a mano como si hubiese sido una corteza de corcho. La artista destaca el carácter complementario entre la naturaleza y el hombre mediante el proceso vital de la respiración ya que, al respirar, el ser humano elimina el dióxido de carbono y adquiere el oxígeno, mientras que, al contrario, al respirar el árbol adquiere el dióxido de carbono y le devuelve el oxígeno al aire. 101

Todo el arte de Lidia León es realizado en torno a las ciencias empíricas que la artista capta del universo, provenientes de las infinitas relaciones que sostiene con la esfera más im- palpable del alma, decodificando los lenguajes de la naturaleza que expresan los valores absolutos del arte, tanto significativos como sin importancia. No es coincidencia que el mundo natural se encuentra estructurado exactamente como el cuerpo humano, donde se repiten las mismas formas y los mismos sistemas de propor- ción. Como ejemplo podemos destacar el Hombre de Vitruvio, de Leonardo Da Vinci, el gran maestro italiano que supo conjugar el arte y la ciencia mejor que nadie, consumándo- los en sublimes obras de arte. La semblanza del árbol y sus ramas nos recuerda a nuestro cuerpo bajo la forma del sistema circulatorio o vascular. Esto nos lleva a reflexionar no sólo en el funcionamiento del cuerpo humano que en principio es igual al de todos los demás seres vivientes, sino también sobre cómo protegerlo y curarlo según las leyes encontradas en la naturaleza. En este caso, al crear una protuberancia en forma de corazón sobre el tronco del árbol, Lidia León indica el camino a seguir para lograr la sanación. La acción de plantar un árbol se convierte así en una acción ética y moral, ya que protege al mundo de la extinción de la especie humana. La leyenda de la Isla de Pascua narra cómo los primeros habitantes, tomados por la sober- bia de competir entre ellos, construyeron los moais22 (las grandes estatuas monolíticas), extirpando así los árboles de sus exuberantes bosques. A causa de la deforestación y de no poder alimentarse de los productos provenientes de la tierra, se vieron forzados a recu- rrir al canibalismo y terminaron por extinguirse. La leyenda de los moais es hoy más candente que nunca y exhorta al hombre a recuperar esa relación simbiótica con la fuente inagotable de vida e inspiración que es la naturaleza. Precisamente por esto es que Lidia León planta un árbol del corazón humano en el jardín de la fantasía. 22 https://it.wikipedia.org/wiki/Moai “Mis padres y la educación escolar con las teresianas estimularon la integración como valor social y personal, generador de salud mental y espiritual. Mi formación como arquitecta refuerza diseñar teniendo al otro como protagonista”. Lidia León [LiLeón] 102

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L AT I T UDES Y L ONGIT UDES 104

Latitudes y Longitudes 2014 Instalación interactiva Video arte 10 x 10 x 10 m En el contexto de Photoimagen 2014, el festival de fotografía y audiovisuales más 105 importante del Caribe, Autozama presenta la instalación Latitudes y Longitudes. En el mismo año también se presenta en el Miami Mix Festival. Con esta ins- talación, Lidia León enfrenta temas socio-políticos, partiendo de un análisis estructural de un fragmento de la vida cotidiana en las grandes metrópolis de la era tecnológica en que vivimos. Casi por casualidad, la inspiración le llega mientras se encontraba en la tienda de Apple en la Quinta Avenida de Nueva York. ¡En cierto modo, podríamos decir que la instalación Latitudes y Longitudes fue inspirada por dos grandes “manzanas”! Para el planteamiento crítico, la artista se inspiró, además del medio utilizado, en las dos manzanas: la primera, Apple, el gigante tecnológico norteamericano de los medios de comunicación, y la segunda, Nueva York, de la que podría decirse que es la primera me- galópolis de la historia. De esta última toma el contexto para observar de cerca la reacción que se manifiesta con mayor frecuencia en el movimiento caótico de las masas humanas frente a la tecnología de los medios de comunicación. Toma el contexto para observar de cerca la reacción más habitual manifestada en el movi- miento caótico de las masas humanas frente a la tecnología de los medios de comunicación. León fue inmediatamente atraída por las imágenes de las personas que bajaban y subían a la tienda de Apple por un ascensor de cristal y escaleras con peldaños transparentes. Se propuso filmarlos y fotografiarlos por unos instantes, colocándose donde mejor podía cap- tar estas imágenes. El efecto de las imágenes de los pasos sobre los peldaños transparen- tes de la escalera, al tomarse desde un ángulo inferior, le despertó la curiosidad de forma tal que decidió detenerse a filmarlos por un período más prolongado. Y, efectivamente, esta danza en que las sombras negras se mueven casi por impulso y sin ritmo alguno, es el momento más sugestivo de la grabación proyectada en el interior de la instalación. Pero, si es cierto que “el medio es el mensaje”, como decía Marshall McLuhan,23 he aquí la razón por la que la tecnología, compuesta de diversos medios de comunicación, engendra continuos mensajes que retroactúan con los demás medios de comunicación, 23 El medio es el mensaje, Quentin Fiore, Marshall McLuhan, Corraini Editore, 2011

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Latitudes y Longitudes 2014 Fragmentos del video de la instalación 107

Dos vistas de la apertura de Latitudes y Longitudes. arriba: MIAMIMIX Wynwood Warehouse Project. Miami, Florida Abajo: Photoimagen 2014, Autozama. Santo Domingo desestabilizando a las personas que se ven así obligadas a siempre perder su punto de orientación al ser bombardeadas por miles de informaciones diferentes. Por lo tanto, McLuhan sostenía la necesidad de evaluar el impacto de los medios de comunicación en términos de “implicaciones sociológicas, políticas y psicológicas”. Como agravante, los medios calientes de acuerdo con el autor mencionado ejercen sobre el hombre una especie de sopor capaz de hacerle perder de vista la realidad. En las imágenes de Latitudes y Longitudes, para las cuales la artista dominicana ha cons- truido su instalación interactiva, las personas, casi como si fueran autómatas, esclavizadas por sus movimientos repetitivos, tienen continuamente en mano los teléfonos portátiles para hacer y recibir llamadas, leer mensajes, fotografiar. El movimiento y flujo de esta masa humana se desarrolla conforme a dos trayectorias: la de la longitud, cuando las personas se desplazan hacia abajo con la escalera y el ascensor para entrar y salir de la tienda, y la de la latitud, cuando su movimiento se extiende sobre los distintos niveles de las áreas pisadas. Recurriendo a todos sus conocimientos científicos, mientras graba Lidia León se da cuen- ta de que este movimiento continuo no puede ser medido en términos científicos dado su desorden, caos y falta de referencias. En efecto, la artista, al comentar su obra, señala: “Interactuamos desde un entorno con parámetros establecidos que nos sirven de referencia, pero estos a su vez están cambian- do constantemente. Estos cambios generan desorientación, confusión, caos...”. Marshall McLuhan les sugería a las nuevas generaciones que habían nacido después de la gran revolución tecnológica, que buscaran explicaciones a esa realidad que había cam- biado, analizando la estructura misma de los medios que utilizaban. Los medios a los que “Varias de mis propuesta promueven la inclusión social a través del juego, liberando tensiones, incentivando la imaginación. Invitando al público a interactuar con mis piezas nutro esa necesidad social de los humanos, queriendo así contrarrestar la discriminación en todos los sentidos”. Lidia León [LiLeón] 108

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se refería no sólo incluían los de comunicación, sino todo lo que determinaba un cambio (movimiento) en términos generales. Es exactamente esto lo que hace LiLeón en su audiovisual y lo que invita al público a hacer en su instalación interactiva: alejarse por unos minutos de la realidad al entrar descalzos en el cuadrilátero blanco, construido de esta forma para permitir a los visitantes observar las imágenes de su vida cotidiana, comprendiendo así que nuestros movimientos caóticos y frenéticos ya no se pueden medir en términos humanos dado que son completamente controlados por la tecnología. El cuadrilátero blanco que pudiese parecerse a un refugio es construido por la artista sobre una gran plataforma de madera cubierta de aserrín de madera suave. Las paredes son de tela blanca para que el audiovisual pueda ser proyectado en su interior. La artista les pide a los visitantes quitarse los zapatos antes de entrar, para así sumergirse de pies a cabeza en las imágenes y sonidos proyectados, desde un ángulo superior, en las paredes del cuadrilátero. El audiovisual está compuesto por las imágenes en blanco y negro de los pies que cami- nan a lo interno de la tienda, tomadas desde un ángulo inferior, y por las imágenes a color que fueron grabadas en la calle frente a la entrada de la tienda. Las dos partes se alternan entre ellas múltiples veces para entrelazar la trama del vídeo. LiLeón refuerza las sugestiones con la banda sonora utilizada, al añadir una especie de respiración metálica y no humana en la primera parte, y agudizando el sentido caótico de desorientación emanada por estos individuos en movimiento al añadir sonidos amplifica- dos del tráfico de la ciudad en la segunda parte. Mientras en la primera parte el movimiento de los pies se encuentra desacelerado en todo momento, en la segunda las personas inician moviéndose lentamente y luego cada vez más rápido, precisamente para revelarle al público los diferentes ángulos por los cuales la artista los ha observado, que son el interior de más reflexión y el exterior evidente. Los continuos cambios de este camino caótico “provocan una lucha interna y externa por el control y el poder”, afirma LiLeón. Para recuperar el equilibrio en un estado de paz personal y colectivo, es necesario con- trolar nuestro propio cuerpo y mente, suprimiendo los impulsos violentos que provoca cualquier tipo de lucha. 110

Todos sabemos que en la actualidad el mundo es controlado por el mercado mundial en el que la tecnología impera, pero pocos se detienen a reflexionar sobre los mecanismos mediante los cuales opera este control, el cual ocurre precisamente en la vida cotidiana y sobre todo en las grandes metrópolis, donde las jornadas son estructuradas conforme a las normas dictadas por el mercado, que incluso condiciona las acciones y los movimien- tos de los seres humanos. Por lo tanto, como nos muestra Lidia, construir un refugio al que podemos entrar y del que podamos salir es fundamental para entender de qué está hecho el mal del que sufre nuestra realidad. 111

ADN Arte De Nacer ADN - Arte De Nacer 2013 Instalación 4x4x8m 27a Bienal Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo Museo de Arte Moderno 112

Presentada por primera vez al público en el 2013 al participar en la 27 Bienal Nacio- nal de Artes Visuales, celebrada en esta ocasión en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, ADN - Arte De Nacer fue inmediatamente revelada como una obra impactante al recibir el Premio del Público. De hecho, la obra inicialmente llevó el nombre de ADN - Arte De Nadar, título dado por la artista al inspirarse en el movimiento de los espermatozoides que, dotados de una cola (fla- gelo), pueden nadar dentro del cuerpo de la mujer. En su texto crítico, Marianne de Tolenti- no, directora de la Galería Nacional de Bellas Artes y una de las expertas más importantes del arte contemporáneo en la República Dominicana, nombra la obra ADN - Arte De Nacer y le otorga el reconocimiento que merece a la instalación y, por consiguiente, a Lidia León, por haber captado a través del arte esa magia que ocurre en el momento de la concepción. La meticulosamente construida instalación se compone de tres elementos principales: la cabeza, el esqueleto y la base. Los elementos que encontramos en la cabeza y la base son dos polígonos de ocho lados en acero inoxidable con láminas de espejo, alojados uno frente al otro con la finalidad de transmitirse la luz. 113

El esqueleto, con más de ocho metros de altura entre la cabeza y la base, se retuerce en torno a una malla de nylon parecida a las redes de pescadores. Los finos tubos de aluminio que crean la columna vertebral de la obra sostienen la red y le permiten un movimiento helicoidal similar a la estructura del ADN. En el centro del polígono, ubicado en la base, se abre una especie de ombligo cósmico (omphalos), con un cuerpo central lumínico rodeado por piedras de diferentes tamaños. En el medio, entre la red y el elemento reflector ubicado en la base, queda suspendido un prisma de cristal que reconcilia la luz. El rayo de luz emanado desde la base, primero atraviesa el prisma, luego la red, y por último se refleja en el polígono reflector al tope de la instalación que, a su vez, lo envía de vuelta por la misma trayectoria, dibujando así en torno al polígono de base una estrella de ocho puntos. Esta bien concebida instalación se basa en importantísimas nociones científicas de la ge- nética, simbolizados por la artista incluso con las formas geométricas, como los polígonos que recuerdan los polímeros orgánicos del ácido nucleico, y la red que representa la con- catenación de los polímeros entre sí. Pero no solo esto. Con su fuerza visionaria, la artista logra ir más allá de la ciencia, remitiéndose al antiguo conocimiento de las filosofías esoté- ricas que creían en la posibilidad de generar la vida al unir los elementos complementarios de la energía femenina y masculina. En la instalación de la artista dominicana, la energía femenina es representada por el po- lígono base de donde emana la luz. No es coincidencia que una de las metáforas más frecuentes para decir que una mujer ha traído un niño al mundo es “ha dado a luz”. La tipología de las piedras en torno al cuerpo luminoso nos recuerda al elemento del agua que, en alquimia, corresponde a la energía femenina. El feto se desarrolla en el líquido am- niótico. Asimismo, el manantial de agua en la iconografía representa la fuente de la vida. La estrella de ocho puntos, uno de los símbolos más recurrentes en la arquitectura de las iglesias, se denomina la estrella polar pues, como el polo, es el corazón de la tierra. En la antigüedad, este símbolo le fue atribuido a muchas divinidades femeninas y luego se introdujo en el cristianismo como atributo mariano. La energía masculina es simbolizada por la artista con el elemento vertical, erguido, del polígono de cabeza de donde parte la red hacia la base, siendo esta la energía femenina. La red de pesca es una referencia a la alegoría de la evangelización, en la que Cristo y 114

los Santos Apóstoles aparecen como pescadores de hombres. En la obra de Lidia León queda claro que la red es una alusión al flujo de espermatozoides liberados en el interior del cuerpo humano al momento de la concepción, donde milagrosamente se “pesca” el espermatozoide feliz que fecunda el óvulo. Por último, LiLeón supersticiosamente cuelga sobre la vida que nace (la luz) un prisma de cristal que tiene el poder, gracias a su forma esférica particular, de transformar la luz en energía positiva. Como explica la artista, en la antiquísima práctica del Feng Shui, muy seguida en la arquitectura y en el diseño de interiores, los cristales son utilizados para transmitirle al espacio sus energías específicas, mayormente protegiendo las viviendas que surgen en zonas geográficas peligrosas. Pero esto no es exclusivo, ya que los cristales son también utilizados para reequilibrar la energía en el cuerpo humano. Según la técnica de Reiki, los cristales son estratégicamente colocados en los discos de energía (Chakra) del cuerpo humano. En la ciencia, el prisma de cristal tuvo una importancia fundamental ya que le permitió a Newton descubrir la teoría corpuscular de la luz, según la cual la luz consiste en un flujo 115

ADN - Arte De Nacer de numerosísimas partículas microscópicas luminosas que se mueven a altísima veloci- 2014 dad. Cada color que compone el espectro de la luz corresponde a su índice de refracción Instalación en el cristal. 4x4x8m Pero más allá de la riqueza de referencias científicas y simbólicas, la peculiaridad que tiene Programa ADN es la de ser funcional a sus múltiples y complejos significados, de forma tal que todos Artístico-Cultural pueden ser inmediatamente visualizados y aceptados. en Ágora Mall Con la misma imaginación que los constructivistas rusos tenían para ingeniársela con ma- teriales y técnicas nuevas para fabricar estructuras en las que el cuerpo de la obra trascien- da su significado, LiLeón ha dado a luz a ADN: una especie de Avatar con corazón humano, construido con el ADN de un ser humano. 116

Por su evolución en espiral, la gigantesca pero delgada escultura metálica luminosa re- cuerda el Monumento a la III Internacional dibujado y diseñado por Vladimir Tatlin,24 pero que nunca llegó a construirse. La torre de Tatlin, compuesta por dos estructuras giratorias sobre una base cúbica de 400 metros de altura, sin retórica alguna habría querido ser el edificio de San Petersburgo que celebrara la modernidad y desafiara la Torre Eiffel, la cual ostentaba la supremacía absoluta. El exoesqueleto metálico de ADN también nos recuerda las esculturas de un firmante im- portante del manifiesto realista, cuyas ideas confluyeron en el constructivismo, las del es- cultor ruso Naum Gabo25, quien sostenía que la misión principal del artista era la de hacer visibles las energías ocultas en la naturaleza. El arte de LiLeón se relaciona frecuentemente con la naturaleza y las ciencias y, específicamente, con las ciencias que revelan la estructu- ra y organización interna del mundo de la naturaleza. A raíz de ello, sus rígidas formas geométricas ceden hacia las formas orgánicas, transfor- mando los cuerpos en diagramas de energía. ADN podría ser una bailarina que, al girar y girar sobre su propio eje, se eleva ligeramente en el aire. Pero lo que esta obra realmente representa es el lugar, el tiempo y la forma como ocurre la concepción, cuando uno de esos millones de espermatozoides nada hacia el útero y, como por arte de magia, fecunda el óvulo femenino dando así luz a la vida. De esta forma, el público participa en los principios de la cosmología, según la cual el universo mismo inicia a raíz de su nacimiento. Por sus profundos contenidos y poderes de sugestión, se programaron sesiones de me- ditación durante el período de su exposición en el Museo de Arte Moderno en Santo Domingo, en los cuales los visitantes fueron invitados a participar. El aspecto cósmico de la obra fue amplificado por la artista al añadirle un mandala cuando exhibió ADN en el atrio central de Ágora Mall en febrero del 2014 en el marco de un Programa Artístico Cultural dedicado a las expresiones de la energía creativa. LiLeón diseñó sobre el suelo que rodea- ba el polígono la base de un gran mandala con motivos geométricos que la artista invitó al público a pintar. Se repitieron las sesiones de meditación sobre la superficie del mandala y también se organizó una coreografía de danza moderna dedicada al diálogo constante entre el cuerpo masculino y femenino. 24 https://it.wikipedia.org/wiki/Vladimir_Evgrafovi%C4%8D_Tatlin 25 http://www.filosofia.unimi.it/itinera/mat/saggi/simoncellis_bioarte.pdf 117



“ADN - Arte De Nacer nos recuerda que venimos del enlace entre la energía femenina, representada por el pozo de luz, piedras y espejos… y la energía masculina, simbolizada con el elemento vertical, erguido”. Lidia León [LiLeón] 119

Mandala, un término derivado de una palabra sánscrita, señala el espacio sagrado circular orientado en torno a un centro donde en el origen del universo sucedió aquel sacrificio inicial que determinó su nacimiento. En las filosofías orientales, el mandala es utilizado para la meditación, para que el hombre pueda integrar su energía con aquella cósmica y así liberar su espíritu. Como afirma LiLeón, el primero en introducir el mandala al pensamiento occidental fue el sicólogo Carl Gustav Jung, quien escribió cuatro ensayos sobre el tema. Jung sostenía que en el individuo coexisten el inconsciente personal y el inconsciente colectivo, que se expresa a través de los arquetipos. El mandala, que es en esencia un arquetipo, insta al hombre a buscarse a sí mismo, acogiéndolo en un área protegida que se circunscribe a la tranquilidad, de donde, desde su punto central, le será más fácil reco- nocer la fuente de cada energía, incluyendo el significado de la vida. En su intensidad visionaria, la artista dominicana (desde su personalidad carismática) se transforma en una curandera que va dibujando un círculo alrededor de la vida para purifi- carla y curarla de todo mal. Podemos considerar que ADN - Arte De Nacer es una obra realmente única, precisa- mente por sus extraordinarios poderes terapéuticos y por la increíble energía que le transmite al público. “La instalación ADN - Arte De Nacer surge de la necesidad de honrar el milagro de la vida, esa magia que ocurre en el momento de concepción, cuando el esperma del hombre penetra el óvulo de la mujer. ADN revela el código del orden cósmico que sirve de puente entre el arte y la ciencia, entre lo espiritual y lo terrenal”. Lidia León [LiLeón] 120

ADN - Arte De Nacer (Detalle) 2013 Instalación

JAUL A BRIL L ANT E 122

Jaula Brillante 2015 Instalación interactiva 12 x 12 x 12 pies 28a Bienal Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo Museo de Arte Moderno Los globos inflables de color plateado de Jaula Brillante solo nos pueden recon- ducir a los inflables más famosos del arte contemporáneo, los del artista esta- dounidense Jeff Koons, quien invadió (¡literalmente!) las galerías y museos del mundo con lúdicos inflables gigantes. Para explicar la instalación Jaula Brillante de Lidia León, quien recibió el Premio del Público en la 28a. Bienal Nacional de Artes Visuales de la República Dominicana, iniciaremos analizando los inflables de Koons, que se encuentran situados exactamente en las antípodas del territorio diseñado por el pensamiento filosó- fico de Lidia León. Entre sus colegas contemporáneos, Koons es quien mejor representa the American way (el estilo de vida americano), el cual está directamente relacionado con the American dream (el sueño americano). Sus obras hacen hincapié en las desigualdades inherentes a la clase de los consumidores. Para Koons, difundir en el arte el gusto kitsch de la middle class (el pueblo) significa reducir a la upper class (¡la élite en la que precisamente se encuentran los consumidores de arte!) al mismo nivel de la middle class. La operación cultural que se propone Koons, conside- rado el heredero de Andy Warhol, el ícono absoluto del pop-art (popular art / arte popular), es el de banalizar el arte para derribar la barrera creada por la desigualdad social. Sorpren- dentemente, la operación de Koons parecería ser un éxito, dado que en el 2013 Balloon Dog (un perro de globo inflado en color naranja) se vendió en una subasta de Christie’s en la ciudad de Nueva York por el importe de 58.4 millones de dólares. “Jaula Brillante plantea la manifestación de libertad en contrapeso con el encarcelamiento. Evidencia que las limitaciones pueden ser transformadas en un recurso valioso de inspiración y expansión. Por difícil que parezca la situación, siempre hay una salida”. Lidia León [LiLeón] 123

Jaula Brillante Instalación interactiva 12 x 12 x 12 pies Centro León Santiago 124



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En términos simples, cuando los visitantes encuentran un conejo o un perro grande en forma de globo inflado exhibido en un museo, se sienten tranquilos y seguros, dado que la obra de arte expuesta no estimula en ellos ningún pensamiento crítico, no les impone una condición de inferioridad psicológica e intelectual. Esto es exactamente lo contrario de lo que hace Lidia León con sus instalaciones de arte interactivas, que invitan al público a reflexionar desarrollando así sus facultades cognitivas y de percepción. Cuando la artista dominicana utiliza los globos inflables color plateado para que el público pueda divertirse jugando al hacerlos volar a lo más alto de la jaula, los pone frente a una gran interrogante: “¿Existe la esperanza de sentirse libre cuando realmente somos prisioneros de nuestras propias represiones internas y externas?” Jaula Brillante, la jaula de metal que en el 2015 la artista expuso en el Museo de Arte Mo- derno de Santo Domingo y posteriormente en el Centro Cultural Eduardo León Jimenes y la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña, inmediatamente motiva al público a tomar una decisión: la de voluntariamente entrar en la jaula para así enfrentar su propia condición humana. Pero la jaula preparada por Lidia León es tentadora, ya que está repleta de globos llenos de helio. Entonces invita a las personas que penetran en la jaula a liberarlos, para intentar que pasen por el hueco dejado por la artista en el techo de la jaula. La jaula se ilumina con el movimiento gozoso de los globos plateados, transformándola así en una escena de ensueño. Sonriéndole al público, LiLeón le mostraba como, al liberar la imaginación, los sueños se podían convertir en realidad. En esta obra la artista recalca que la capacidad de soñar con los ojos abiertos, la cual perte- nece más a los niños que a los adultos oprimidos por sus vivencias, sirve para alimentar la esperanza de libertad que no debería perderse jamás. Estimular la imaginación es una de las tareas más delicadas del arte, así como lo es la búsqueda de la libertad. El arte, que por su naturaleza es uno de los lenguajes más libres, nos demuestra que existen límites en el concepto mismo de la libertad. En efecto, la libertad objetiva no existe dado que los seres se encuentran dentro de un sistema complejo de relaciones, correlaciones e interrelacio- nes, que limita su ser y actuar. En la vida real sólo existe la libertad subjetiva y precisamen- te a esta última es a la que deben aspirar los individuos al encontrar siempre una posible salida. La obra misma demuestra cómo el proceso creativo obliga a que la artista se libere 127

de las imposiciones de la materia y las técnicas antes de que su imaginación alce el vuelo. La metáfora de la jaula como alusión a la falta de libertad en cuanto a lo social, político y cultural en la era del urbanismo de las grandes metrópolis, ya había sido utilizada por la artista italiana de origen veneciano Federica Marangoni,26 en la década de los 40, quien participó en el Nouveau Realisme 27 (Nuevo Realismo), un movimiento artístico y cultural fundado por el crítico de arte Pierre Restany. El Nuevo Realismo, difundido por Europa en los años ‘60, casi simultáneamente con el Neodadaísmo en los Estados Unidos e inmediatamente previo al Pop Art, buscaba encon- trar una línea común entre las tendencias de aquellos artistas emergentes justo después del Abstraccionismo, una nueva relación con la realidad que se transformaba bajo la impre- sión causada por el sector industrial en constante desarrollo. Las jaulas metálicas de diversas dimensiones en que Marangoni encarcelaba sus escultu- ras frágiles de cristal de Murano, las cuales representaban los arquetipos de su lenguaje artístico, (tales como las mariposas, las manos, los monitores, etc.) culminan en el 2006 con una gran jaula de hierro de más de un metro en forma de cubo titulada Il Colore del Cuore (El Color del Corazón), donde la artista presenta un cúmulo de corazones en vidrio soplado iluminados por una luz roja. Volviendo a la Jaula Brillante de Lidia León, la artista dominicana utiliza en su instalación interactiva otra metáfora, además de la gigantesca jaula de 12x12x12 pies, para incitar al público a superar las dificultades al liberarse de todo vínculo, siendo esta precisa- mente la del globo que vuela más allá de los confines de la jaula. El uso de la metáfora en el lenguaje artístico tiene el objetivo de inspirar una reacción intelectual del público 26 Federica Marangoni – I luoghi dell'utopia, Edizioni Gabriele Mazzotta, 2007 27 https://it.wikipedia.org/wiki/Nouveau_R%C3%A9alisme “Jaula Brillante incentiva a las personas a entrar en su propia prisión, a través del juego y la curiosidad. Con valentía, cautela y determinación, los que se sientan motivados se deslizarán entre los barrotes para entrar voluntariamente en la jaula”. Lidia León [LiLeón] 128



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a través del sentimiento que surge ante una imagen altamente emotiva. En el caso de Jaula Brillante, la experiencia física de descender con nuestro propio cuerpo dentro de una imagen afectiva que inmediatamente nos transporta a nuestra infancia, refuerza el significado de la metáfora. Pero más allá del análisis del lenguaje artístico utilizado en esta instalación, debemos destacar que primero Marangoni y después Lidia León, dos mujeres artistas con expe- riencias, culturas y generaciones completamente diferentes (¡además de proceder de países muy lejanos!), tuvieron ambas la necesidad de enfocar la atención en un tema tan importante como el de la libertad, incluso reutilizando las mismas metáforas. Se- guramente esta es la forma de demostrarnos que, a pesar del progreso y el cambio generacional, son todavía las mujeres en particular las que sufren en un mayor grado las limitaciones de esta sociedad convencional que aún no llega a comprender el profundo valor de la libertad. “Jaula Brillante se construye a partir del proceso interactivo. Cada persona contribuye con su singularidad, generando un dinamismo colectivo que da vida propia a la obra”. Lidia León [LiLeón] 132

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ricaca Ri CACA (Detalle) 2018 En esta obra, la cual provoca al público desde su título (¡que no requiere ninguna Instalación interactiva explicación!), Lidia León se ha inventado una especie de entorno doméstico que Inodoros, tarima resulta ser un híbrido entre el baño y el comedor. de madera, tela y Al ingresar en este entorno, se tiene la sensación de encontrarse dentro de una de las chocolate casas ficticias de IKEA expuestas en las salas de exposiciones del gigante mundial de los prefabricados. El enigmático baño/comedor propuesto por la artista es construido en pa- 134 letas de madera natural. En una de las cuatro paredes, encontramos una especie de con- sola de madera utilizada como mesa de comedor, acompañada por las tres instalaciones sanitarias en colores verde, celeste y marrón que sirven de silla. La mesa está puesta con platos blancos simples y el plato colocado en el centro contiene un trozo de chocolate en forma de excremento. En la pared frente a la mesa se han colocado de forma visible dos portarrollos de pared para el papel higiénico y una papelera en el suelo. Las otras dos pare- des se encuentran recubiertas con cortinas blancas, las cuales son muy semejantes a las utilizadas en las duchas. Durante la acción artística o performance, se cierran las cortinas a los fines de crear un ambiente más íntimo. De esta forma, la artista/arquitecta se reinventa como directora y escenógrafa, al poner en escena dos de las acciones fisiológicas comu- nes que se repiten a diario: comer y defecar. Por la irreverencia del tema, a simple vista RiCACA nos recuerda la obra del artista italiano Pietro Manzoni titulada Mierda de Artista, quien envasó 90 latas de metal con una eti- queta que rezaba: Mierda de Artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961”.28 Además, todas están numeradas del 1 al 90 y firmadas por Manzoni en la parte superior. Esta obra presentaba dos distintas inter- pretaciones, una más poética que reconocía en las heces la reliquia del autor y una más irónica que intentaba satirizar el mercado del arte donde se vende cualquier cosa siempre y cuando forme parte de una edición limitada. Está firmada por el artista, quien garantiza su autenticidad y exclusividad. Superada la provocación inicial, Lidia León transforma el momento social de la degusta- ción del chocolate en una interpretación originalísima, donde los visitantes, al sentarse en 28 https://it.wikipedia.org/wiki/Merda_d%27artista

En su invitación a que el público ingrese la instalación, Lidia León sugiere: “Las personas que desean tener una experiencia personal con RiCACA, tendrán la oportunidad de sentarse en una instalación sanitaria, en un “trono”. los “tronos” proceden a comer el chocolate en silencio. La obra busca así, mediante la participación del público, describir las relaciones existentes entre el aparato digestivo y las funciones cerebrales y emocionales de los individuos. No es coincidencia que el chocolate es el objeto de la obra. El cacao contiene un aminoá- cido, la teobromina, capaz de estimular la producción de la hormona del humor y, gracias a las vitaminas, sales minerales y antioxidantes, se recomienda el chocolate para el cansan- cio y para mejorar el humor. Como artista dominicana, Lidia León siente un apego indispensable a su tierra de origen, tanto así que se sumerge en su entorno natural para encontrar en este nuevos puntos de reflexión. Le impresionan mucho los poderes del cacao, que las poblaciones antiguas mayas llamaban la “comida de los dioses” ya que era exclusivamente reservado sólo para algunos selectos. Cristóbal Colón fue el primero en probar el cacao y los españoles luego 135

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prefirieron llamarlo por el término “chocolate” y no por el azteca “cacahuate” a causa de su similitud con la palabra “caca”, que indica las heces. Regresando a Pietro Manzoni, si las heces se pueden considerar como una parte funda- mental del cuerpo del artista, podemos entonces interpretar que el chocolate en la obra de LiLeón es un recurso de las entrañas del Caribe (¡la República Dominicana es uno de los mayores exportadores de cacao a nivel mundial!). En su invitación a que el público ingrese la instalación, Lidia León sugiere que “Las personas que desean tener una experiencia personal con RiCACA, tendrán la oportunidad de sentarse en una instalación sanitaria, en un “trono”, teniendo en cuenta las siguientes directrices: 1. Ante todo, sé totalmente espontáneo, sé un niño otra vez. 2. Sin prejuicios, acepta las manifestaciones naturales del aparato digestivo: los eructos, la flatulencia,... 3. Se recomienda mantenerse en silencio durante la experiencia. En fin, su deseo es que los visitantes mantengan siempre una buena relación con su siste- ma digestivo, teniendo presente que la serotonina (comúnmente conocida como la hormona de la felicidad) la produce el intestino. Retrocediendo en el tiempo, Lidia rebobina la cinta de la memoria ancestral, regresándonos a los usos de nuestros antepasados, quienes leían el destino del hombre usando el estiércol animal, como ocurría con la escatomancia, justa- mente un ejercicio de adivinación. Retrocediendo aún más en la historia, no podemos olvidar que cuando no existía la asistencia de los descubrimientos científicos, los médicos debían probar la orina de sus pacientes para comprobar su estado de salud. No es coincidencia que, al explicar su instalación, Lidia León cite una frase del psicólogo junguiano James Hillman: “El excremento es probablemente la sustancia más rica en información de que dispone- mos, llena de miles de millones de bacterias y microorganismos. Y por ello algunas perso- nas llegan a realizar trasplantes fecales para reestablecer su microbiota o flora intestinal. Sí, algunos individuos comen materia fecal para sanar”. En la agricultura, las heces son utilizadas como fertilizantes de la tierra. Otro estudio re- ciente sobre la presencia de las poblaciones maoríes en Nueva Zelanda durante el siglo XIII, realizado por la Universidad Ca’ Foscari de Venecia y por el Instituto para la Dinámica de los Procesos Ambientales del Consejo Nacional de Investigación, fue posible gracias al análisis de sedimentos de esteroles fecales.29 29 http://www.telegalileo.com/2018/10/09/la-storia-delluomo-raccontata-dagli-steroli-fecali-nuove-scoperte 139

ricaca 2018 Instalación interactiva Inodoros, tarima de madera, tela y chocolate 2 x 2.30 x 2.30 m 140



Y si “La Fuente”, la pieza denominada readymade del 1917 y atribuida a Marcel Duchamp, nunca fue expuesta al público por considerarse indecente, fue valorada como la obra más importante del siglo XX, seguramente RiCACA, compuesto por sanitarios, puede estimar- se como una importante operación cultural. Lidia León, que nunca utiliza la fórmula sen- sacionalista en su trabajo, por primera vez desafía cada tabú, convirtiendo una obscenidad apotropaica, como lo es la analogía de comer y defecar, en una advertencia para el bien. La Fuente, la pieza readymade en forma de orinatorio que el artista francés habría que- rido presentar al público de NY desafiando la moral burguesa y que firmó con el seudó- nimo R. Mutt (Richard Mutt), negó todos los valores de una sociedad que estaba por entrar, sin que ella lo supiera, en un período muy oscuro de la historia, como lo fue el de las guerras mundiales. Por el contrario, RiCACA, aún al invocar el readymade más famoso de la historia del arte contemporáneo, pretende fomentar valores positivos en la sociedad actual, invitando a los individuos a actuar responsablemente en cuanto al propio cuerpo, sin avergonzarse de sus funciones. ¡El aspecto lúdico de RiCACA remonta al visitante a su infancia, ya que encon- trarse sentado en los servicios sanitarios comiendo chocolate es como si volviera a ser un niño! La increíble reacción experimentada después de haber participado en la acción artística es la de una sonrisa espontánea de buen humor, por haber superado la prueba de los frenos inhibitorios y por haberse librado del peso de los preconceptos. Este es el talento con el que Lidia León complace al público con su arte, devolviéndole la imagen viva del antiguo refrán español que dice: “Barriga llena, corazón contento”. “La propuesta de RiCACA es descubrir la riqueza oculta en la pupú. Con este performance colectivo deseo establecer una relación más estrecha y saludable con mi sistema digestivo, fusionando lo que asociamos como sabroso, placentero, exquisito, el chocolate, con lo que rechazamos por sucio, asqueroso, repugnante, la caca”. Lidia León [LiLeón] 142

ricaca (Detalle) 2018 Instalación interactiva Inodoros, tarima de madera, tela y chocolate



quién es lileón CAPÍTULO III

DEC LARACIóN DE ARTIS TA “Descubrir la interconexión entre ciencia, naturaleza y espiritualidad, desvelando el enlace entre lo intangible y lo visible”. Lidia León [LiLeón] 146